ABC Art Books Canada

McClure Gallery / La Galerie McClure

McClure Gallery / Galerie McClure

Eva Richardson: Surface
Victoria LeBlanc

surface.jpgspacerThis first monograph on the work of Montreal painter Eva Richardson features recent canvases as well as collages she makes from found materials she describes as “found paintings”. While her earlier work sought to capture, in a minimalist abstract idiom, a sense of the land, Richardson’s more recent work finds its impetus from the sites and objects of her urban environment – the stained pages and covers of old books, rusted metal surfaces or the scarred façade of a crumbling wall. Her collages, compositionally edge-to-edge, emphasize the flatness of the picture plane, while her recent paintings capture a greater sense of movement, fluctuation and depth within that plane. Eva Richardson has exhibited her work in Canada, the USA, the U.K., Norway and Japan. In English and French.

McClure Gallery (12/2016) 40 pp col. ill. 9.5 x 8.5 in softcover   9781926492124   $20.00 Can. $20.00 U.S.

Episode: 2nd Virginia McClure Ceramic Biennial / Épisode : La 2e biennale de céramique Virginia McClure

Linda Swanson

episode.jpgspacerThe second edition of the ceramics biennial features artists whose works speak not only to excellence and innovation in ceramics, but to its relevance as a discipline that allows for a specifically corporeal, embodied articulation of contemporary human experience. Works by Phoebe Cummings (Stafford, UK), Benjamin DeMott (Chicago, U.S.), Janet Macpherson (Toronto, Canada) and Meghan Smythe (Los Angeles, U.S.) is an inspiring, materially seductive exhibition. Indeed, there is something collectively subversive about their work - subversive in the sense of undermining staid narratives, restrictive tropes, or assumptions about our perceived reality. Each artist recognizes the historical heritage of ceramics, yet offers a highly original and imaginatively provocative vision. Curator and author Linda Swanson taught at the Kansas City Art Institute and currently teaches at in the Visual Arts department at Concordia University, Montreal. Phoebe Cummings was Ceramics Artist-in-Residence at the Victoria and Albert Museum (2010). Her work has been featured at the Museum of Arts and Design, New York and at the University of Hawaii Art Gallery in Honolulu. Benjamin DeMott has exhibited at the Denver Art Museum, Chicago Artists Coalition, Seattle Design Center, and Central Academy of Fine Art, Beijing. He currently teaches at the School of the Art Institute of Chicago. Janet Macpherson was the 2013 recipient of the Winifred Shantz Award for Ceramics, given by Clay and Glass Gallery in Waterloo, Ontario. She has exhibited at he Sculpture Centre, Cleveland and The Gardiner Museum of Ceramic Art, Toronto. Meghan Smythe’s work has been shown at the Arizona State University Art Museum and the Gardiner Museum of Ceramic Art, Toronto. She was the Visiting Artist in Residence at California State University, Long Beach California, where she continues to teach Ceramic Arts. In English and French.
La deuxième édition de la biennale céramique présente quatre artistes dont les œuvres témoignent non seulement de l’excellence et de l’innovation en céramique, mais aussi de la pertinence de cette discipline qui permet une articulation matérielle et incarnée de l’expérience humaine contemporaine. Les œuvres de Phoebe Cummings (Stafford, R.-U.), Benjamin DeMott (Chicago, É.-U.), Janet Macpherson (Toronto, Canada) et Meghan Smythe (Los Angeles, É.-U.) se traduisent en une exposition inspirante et d’une matérialité fascinante. En effet, il y a quelque chose de collectivement subversif dans leur travail, subversif dans le sens où cela ébranle les récits convenus, les tropes restrictifs ou les hypothèses sur notre réalité perçue. Chaque artiste reconnaît le patrimoine historique de la céramique en offrant toutefois une vision très originale et provocatrice. Linda Swanson enseigne dans le département des arts visuels à l’Université Concordia de Montréal. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (11/2016) 76 pp col. ill. 9.5 x 8.5 in/po softcover/souple   9781926492117   $24.95 Can. $26.95 U.S.

Trevor Kiernander: Event Horizon, This Must Be the Place
Rebecca Travis and Benjamin Klein

spacerTrevor Kiernander's paintings examine and assemble space and spaces, exploring the problematization of the figure/ground relationship in painting. The work begins with an interest in the formal aspects of painting and a concern with “painting as painting”, focusing on material and process, where discarded masking and under-drawings are often crucial to the final composition. Taking ideas and inspiration from a constantly growing collection of images, Kiernander breaks these down and constructs a world formed of dislocated and interwoven partial planes, lines and shapes. This publication features over twenty new paintings including the artist’s largest works to date, along with an essay and an interview with the artist. Trevor Kiernander holds an MFA from Goldsmiths, University of London. His work has been exhibited in Canada, the United Kingdom (Bearspace and The Woodmill), Germany (Kunsverein Speyer) as well as in Russia (Art Moscow and the 4th Moscow Biennial). He lives and works in London and Montreal. Co-produced with Art Mûr Montréal. In English and French.
Les œuvres de Trevor Kiernander ont souvent questionné le rapport à l’espace. La perspective devient un concept moins rigide, quoique très présent dans le traitement du sujet. En utilisant la matérialité pour conceptualiser l’objet de l’œuvre, l’artiste crée ainsi une oscillation entre représentation et abstraction. Cette matérialité, elle commence par le néant; une toile brute, sans proclamation d’une couleur choisie. Elle s’articule autour de l’opposition de textures et du rapport entre le geste brusque et la forme construite avec précision. Le tout semble rappeler une architecture surréaliste, dont la logique s’inscrit dans l’interprétation de scènes abstraites photographiées ou tirées de souvenirs de l’artiste. Les compositions deviennent des déconstructions de l’espace, dont les éléments s’agencent pour une autre réalité. D’ailleurs, cette oscillation entre l’abstrait et le concret défie le spectateur en le forçant à remettre en question sa participation à l’œuvre, face à des surfaces bidimensionnelles dans leur forme, mais qui traitent de tridimensionnalité dans leur fond. Une entrevue avec l’artistes accompagne un text original.Trevor Kiernander détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia à Montréal et une maîtrise du Godsmiths College, University of London. Il a exposé au Canada, en Angleterre, en Allemagne, ainsi qu’en Russie dans le cadre de Art Moscow et de la 4e Biennale de Moscou. Il vit et trvbaille à Londres et à Montréal. Co-produit avec Art Mûr, Montréal. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (09/2016) 64 pp col. ill. 9.5 x 8.5 in/po softcover/souple   9781926492100   $24.95 Can. $26.95 U.S.

Jaswant Guzder: Navigating East West Hybridities

David Gutnick and Victoria LeBlanc

Guzder.jpgspacer Employing the simplest of means, such as  ink, watercolour, brushes and paper, Jaswant Guzder's work flows from her clinical work with refugees who have suffered displacement, loss and trauma. Their plight and stories of migration, however, are also hers. A child of South Asian parents, she understands first hand the diasporic struggle to belong, the quest for identity and the urgent need to define home. The artist creates in series and a work may take a month, a week or a day. Such intense immersion encourages free association, plummeting the artist into a place where memory and experience converse. Using a wide range of formats, Guzder navigates themes of exile, displacement and vulnerability, mining a wealth of cultural ideas and memories in the search for a transcultural identity. In English and French. Dr. Jaswant Guzder is Head of Child Psychiatry and Director of Childhood Disorders Day Hospital at the Centre for Child Development and Mental Health, Senior Consultant and former founding Co-Director of Cultural Consultation Service, Director for Family Therapy Residency Fellowship in Family Therapy at Montreal’s Jewish General Hospital Department of Psychiatry. She is also Professor, McGill University Faculty of Medicine, Department of Psychiatry, Associate of McGill School of Social Work. She has exhibited her work throughout Canada and abroad in both group and solo exhibitions.

McClure Gallery / Galerie McClure 68 pp col. ill. 9.5 x 8.5 in/po softcover/souple  9781926492094   $24.95 Can. $26.95 U.S.

Ullumimut: Between Tradition and Innovation / Entre Tradition et Innovation

Louis Gagnon & Beatrice Deer

ullumimut.jpgspacerLucassie Echalook (Inukjuak 1942 -) and Mattiusi Iyaituk (Ivujik 1950 - ) are two of the most renowned contemporary Inuit sculptors, admired for their art but no less for their contribution to the preservation of the Inuit culture of Nunavik, northern Quebec. Through the use of both traditional and innovative materials, they shape the gestures of human, animal and shaman, evoking the quotidian stories, myths and dreams of their way of life. Yet while so deeply enmeshed in their immediate environment - a vast and distant geography that remains to most of us an unknown place - their works transcend the particular to speak of more universal truths. In Echalook’s intertwining figures, carved so judiciously out of one block of soapstone or steatite, we recognize the human need for the bonds and succor of community. In Iyaituk’s lone shamans, whose arms, antlers and trance-like stares seem to petition the surrounding vastness for spiritual guidance, we acknowledge our desire for connection to a world beyond the self. The sculptures mine these themes with formal rigour, humour and haunting beauty. Published with the Avataq Cultural Institute, an organization dedicated to the preservation of Inuit culture and language. Louis Gagnon is Director of Museology at the Institute. Beatrice Deer is a multidisciplinary artist originally from Nunavik. In English, French and Inuktitut.
Lucassie Echalook (Inukjuak 1942 -) et Mattiusi Iyaituk (Ivujik 1950 - ) sont deux des sculpteurs inuits contemporains les plus renommés, sont admirés à la fois pour leur art, mais également pour leur contribution à la préservation de la culture inuite du Nunavik, Québec. Par l’utilisation de matériaux autant traditionnels qu’inusités, ils donnent forme à la figure humaine, à l’animal et au chamane, en évoquant les récits du quotidien, les mythes et les rêves propres à leur mode de vie. Profondément enracinées dans leur environnement immédiat - une géographie vaste et lointaine qui demeure encore inconnue de la plupart d’entre nous - leurs œuvres transcendent le particulier et traitent de vérités plus universelles. Dans les figures entrelacées d'Echalook, sculptées judicieusement à partir d’un seul bloc de stéatite, nous percevons ce besoin de l’homme qui cherche à créer des liens au sein d’une communauté de façon à en obtenir le soutien. Dans les figures de chamanes solitaires créées par Iyaituk, avec leurs bras, leurs cornes et leur regard en transe semblant chercher des réponses dans l’immensité environnante, nous reconnaissons notre désir d’établir une connexion avec un monde qui va au-delà de soi. Les sculptures explorent ces thèmes avec rigueur formelle, humour ainsi qu’une obsédante beauté. Publié avec l’Institut Culturel Avataq, une organisation dédiée à la préservation de la culture et la langue inuites. Louis Gagnon est directeur du département de muséologie à l’Institut. Beatrice Deer est une artiste multidisciplinaire native de Quaqtaq en Nunavik. En français, anglais et inuktitut.

McClure Gallery/ Galerie McClure (12/2015) 68 pp 30 ill. 9.5 x 8.5 in/po   softcover / souple   9781926492087  $24.95 Can. $26.95 U.S.

Peter Krausz : Photographs 1969 - 2015 / Photographies 1969 - 2015
Sandra Paikowsky & Victoria LeBlanc

PeterKrauszcover.jpgspacerThe Romanian-born Canadian artist is well known for his richly-coloured, large-scale landscape paintings but less so for his photography. This publication fills that gap by featuring a selection of never before seen photographic work spanning four decades. Much like his paintings, autobiography is at the core of Krausz’s photographs in that they document the journeys of a relentless traveler. Both his photographs and paintings project entrancing worlds where the narrative of embattled and embittered histories are implied but never named. There are however marked differences in the artist’s approach to the two disciplines. While the paintings deny the presence of the people who work and live upon the land depicted, the photographs deny the landscape in favour of people in interiors and urban settings. An essay and an interview with the artist accompany 70 illustrations. Born in Brasov Romania in 1946, Peter Krausz studied at the Bucharest Academy of Fine Arts before immigrating to Montreal where he continues to live and work. He has participated in numerous solo and group exhibitions across the country since the 1970s. In English and French.

Célébré pour ses tableaux qui mettent en scène d’immenses paysages, l’artiste montréalais est moins connu pour ses photographies. Cette publication comble cette lacune avec une série de 70 photographies inédites prises sur une période de 40 ans. L’autobiographie est au centre de l’art visuel et ces photos documentent le long chemin d’un voyageur déterminé. Ses photographies comme ses peintures projettent des mondes séduisants où se raconte une histoire tortueuse qui ne se déploie jamais tout à fait. Cependant la plus grande différence entre les photographies et les peintures soulève un paradoxe : les premières dénient le paysage en faveur d’une image concentrée sur les gens, dans un intérieur ou dans les lieux publiques des villes, alors que les deuxièmes occultent la présence humaine ayant travaillé la terre et bâtit les lieux où elle se déploie. Accompagné d’un texte ainsi qu’une entrevue avec l’artiste. Peter Krausz est né à Brasov en Roumanie en 1946 et a étudié à l’Academie de l’art de Bucharest avant d’immigrer Montréal où il vit et travail depuis 1970. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (08/2015) 76 pp 70 ill. 9.5 x 8.5 in softcover/souple   9781926492063   $24.95 Can. $26.95 U.S.

Jennifer Hornyak: The Figure Revisited

Victoria LeBlanc

JenniferHornyak.jpgspacerWhile Jennifer Hornyak is most known for her lush still life paintings and their rich colour harmonies, this publication documents the artist’s recent return to the exploration of the human figure with characteristic rigour and expressive force. Over the last two decades Hornyak’s focus has been almost exclusively an expressive exploration of the still life genre. One immediately recognizes the signature mark making, rich colour harmonies, a raw and passionate painterliness that distills, in ever-recombinant forms, the lyrical and fleeting quality of her subject. Jennifer Hornyak was born in England where she studied at the Grimsby School of Art before coming to Canada. Over the last forty years, she has enjoyed an extensive exhibition career in both Europe and North America. Her work can be found in both private and public collections. In English and French.
Si Jennifer Hornyak est reconnue pour ses natures mortes luxuriantes et ses riches couleurs et harmonies, cette publication documente son exploration du corps humain avec les mêmes rigueur et force expressive. Lors des vingt dernières années, Hornyak s’est dédiée presque exclusivement à explorer expressivement le genre de la nature morte. Nous reconnaissons immédiatement sa signature grâce aux riches harmonies de couleurs et à une imagerie souvent brute et passionnée qui laisse transparaitre, dans des formes toujours réagencées, les qualités lyriques et évanescentes de son sujet. Jennifer Hornyak est née en Angleterre où elle a étudié au Grimsby School of Art pour ensuite immigrer au Canada. Elle a développé une longue carrière et a exposé en Europe et en Amérique du Nord. On retrouve son travail parmi plusieurs collections privées et publics. En anglais et français.

McClure Gallery / Galerie McClure (05/2015) 40 pp col. ill. 9.5 x 8.5 in softcover / souple  9781926492049   $24.95 Can. $26.95 U.S.

Maskull Lasserre: Pendulum
Rachel Anne Farquharson

MaskullLasserre.jpgspacerMaskull Lasserre’s sculptures explore the unexpected potential of the everyday through associations of risk and seduction. Elements of nostalgia, allegory, humor, and the macabre are incorporated into his works, which induce strangeness in the familiar, and provoke uncertainty in the expected. Lasserre says that his work is shaped by the objects he encounters, and that his work can therefore be viewed as “art by accident rather than by intent.” He conceives and constructs objects as physical thought-experiments, mechanical meditations, and as instruments for the shaping of thought processes. His work is the product of a query or conundrum that he attempts to resolve through its translation from mind into matter. He recognizes the kinship that his approach to art shares with that of research science, which also clarifies and postulates through models, and develops through manipulations of the material world. Lasserre’s work is subtly autobiographical. From his childhood in Africa, to experience as a musician, boxer, and war artist, he conflates, with uncomfortable elegance, things which should not ordinarily coexist: war and art, and the lyrical and the macabre. Maskull Lasserre was born in Canada in 1978 and spent his early childhood in South Africa before returning to live in Canada. He has exhibited internationally, notably at the Museum of Art and Design in New York and the Museum Villa Rot in Germany. He has held visiting artist positions at the Broad Institute of MIT and Harvard, and at the California College of the Arts, and was a participant in the Canadian Forces War Artist Program in Afghanistan. His work appears on Canadian coinage, and is represented in both private and public collections including those of the Montréal Museum of Fine Art, and the Government of Canada. Maskull Lasserre lives and works in Montreal. This is the first monograph dedicated to his practice. In English and French.

Les formes sculpturales de Lasserre sont travaillées avec précision et beauté et agencées avec brio. Ironiquement, une telle attention aux détails ne fait qu’ébranler les certitudes. Une chaise, un piano, une grenade, une branche d’arbre tombée sont méticuleusement sculptés et prennent de nouvelles identités. Le glissement entre la forme et le sens bouscule nos connaissances, rend nos certitudes impossibles. Toute catégorisation ou conclusion est troquée pour une expérience tactile, esthétique et profondément ambiguë. À plusieurs égards, le travail de Lasserre est autobiographique. Prenant comme source son enfance en Afrique du Sud, jusqu’à son expérience de musicien, de boxeur et d’artiste en temps de guerre en Afghanistan, il mélange, avec une inconfortable élégance, des objets qui ne devraient normalement pas coexister : la guerre et l’art, ainsi que le lyrique et le macabre. En brisant de telles frontières, il remet en doute le charme de l’œuvre et l’enflamme à la fois. Le travail de Maskull Laserre a été exposé internationalement, dont au Musuem of Art and Design de New York et au Musée Villa Rot en Allemagne. Il a été artiste en résidence dans le cadre du Programme d’arts des Forces canadiennes ainsi qu’au Broad Institute of MIT and Harvard et au California College of the Arts. Ses œuvres apparaissent sur la monnaie canadienne et font partie de plusieurs collections privées et publiques dont celles du Musée des beaux-arts de Montréal et du Gouvernement du Canada. Maskull Lasserre vit et travaille à Montréal. Cette première monographie est rédigée en français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (03/2015) 80 pp 72 col. ill. 9.5 x 8.5 in softcover / souple   9781926492032  $24.95 Can. $26.95 U.S.

Dennis Ekstedt: Megalopolis

John K. Grande

DennisEkstedt.jpgspacerDennis Ekstedt’s works on canvas confront the viewer with evocative images of glimmering illuminated cities. While not landscapes so much as 'earthscapes', the works negotiate nonetheless landscape’s traditional quest to identify humanity’s relationship to nature. Ekstedt’s paintings investigate and celebrate, through a palpable beauty, a contemporary version of that query. “My work refers in part to the uncontrolled growth found in many cities around the globe. This kind of unchecked growth is an aspect of cities I find both dynamic and troubling. I want it to be unclear whether my paintings depict either utopian or dystopian landscapes. Ideally they would suggest both simultaneously. I find it ironic that as cities and human-made structures continue to encroach on the natural world they begin to mimic its arbitrary and chaotic nature." Dennis Ekstedt lives and works in Montreal. He was the Eastern Canada winner of the RBC Canadian Painting Competition in 2002 and his paintings are included in many public, corporate and private collections. His work is included in the publications Carte Blanche Vol 2-Painting (2008) and The RBC Painting Competition: 10 years (2008). This is the first monograph dedicated to his work. In English and French
Les peintures de Dennis Ekstedt offrent un point de vu du ciel. Nous sommes à mille lieux, la regardant d’en haut ces villes illuminées. À certains moments, la perspective nous donne l’impression d’approcher dans un angle inhabituel l’horizon obscur de la terre. Tout se passe comme si nous prenions place dans un avion tournant à la recherche d’un endroit sécuritaire où se poser. Notre compréhension de la distance est influencée par la manière dont il nous est donné de contempler le paysage, comme un miroir de notre propre existence. Nous n’observons pas seulement d’abstraites constellations d’étoiles, mais plutôt une toile de lumières semblable à un organisme vivant, un assemblage d’artères témoignant de l’œuvre de l’homme sur la terre. La lumière peut dès lors être appréhendée comme écriture en braille marquant l’évidence de notre présence. La majorité des œuvres récentes de l’exposition arborent le titre Lodestar - « quelque chose ou quelqu’un entrainant ou guidant une personne ou un groupe de gens. » Si la lumière est notre guide, nous ne devons plus chercher à reconnaitre une ville spécifique dans ces toiles, mais plutôt, comme le note l’artiste, y voir toutes les villes, toutes les communautés et par conséquent notre existence collective. Comme c’est le cas dans la vie réelle, la distance, qu’elle soit temporelle ou spatiale, peut être rédemptrice. Dennis Ekstedt vit est travaille à Montréal. Cette première monographie est rédigée en français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (03/2015) 55 pp 38 col. ill. 9.5 x 8.5 in  softcover / souple   9781926492025   $24.95 Can. $26.95 U.S.

Benjamin Klein: Generator
(Out of print)
John Bentley Mays &Ashley Johnson

BenKlein.gifspacerThis first monograph on the painting practice of the Chicago-born, Montreal-based artist features a new body of work that takes its impulse from fantasy. Adopting the microbial universe of the ladybug and other attendant insects as a site from which to explore the act of painting, Klein uses expressive brushwork and strident colour to delineate an alternately luminous and darkly foreboding universe, a world that speaks boldly of quotidian hallucinations, allegory, myth and the power of paint to capture the allusive. The publication’s title refers to the artist’s belief that painting is an act of regeneration. The accompanying essays address Klein’s rejection of inherited aesthetic formalism in his search of more imaginative forays so that he may avail himself of all manner of painting strategies - from landscape and narrative to figuration and abstract. In English and French.
Cette première monographie sur la pratique pictorale de l’artiste né à Chicago mais demeurant à Montréal dévoile un nouveau corpus qui prend son impulsion dans la fantaisie. Adoptant l’univers microbien des coccinelles et d’autres insectes comme point de départ à partir duquel il explore l’acte de la peinture, Klein se démarque avec des couleurs sensuelles, dépeignent à tour de rôle les lumineuses et sombres appréhensions de l’univers, un monde étrange et irrévérencieux évoquant clairement les hallucinations, l’allégorie, le mythe et le pouvoir de la peinture à articuler des propos allusifs et à frayer avec le perceptible. Le titre de l’exposition révèle l’intention de l’artiste - peindre comme un générateur, dans un acte de régénération. Les textes attestent du rejet de Klein envers le formalisme esthétique traditionnel et de sa préférence à plonger tête première dans le « temps du rêve ». Au service de l’imagination, l’artiste se donne le droit d’utiliser toutes les techniques et stratégies picturales - de la peinture de paysage à la narration, jusqu’à la figuration et abstraction.

McClure Gallery / Galerie McClure (12/2014) 56 pp col. ill. 9.5 x 8.5 in softcover / souple  9781926492018   $24.95 Can. $29.95 U.S.

Renée Duval: Gods and Monsters

Victoria LeBlanc & David Elliott

Duval.jpgspacerRenée Duval's hyper-realistic paintings of trees and sky, the most central and recurring leitmotifs of the artist's oeuvre, exude an evocative power as they push beyond realism toward the theatrical. As David Elliott states in his interview with the artist, "There is something stagey, almost operatic in the new work." What is being given voice here is an unprescribed and open-ended painterly quest where threat and beauty seem delicately poised. Born in Vancouver, Renée Duval lives and works in Montreal. In English and French.

Les arbres et le ciel, leitmotivs centraux des récents tableaux de l’artiste, réaffirment sans cesse leur pouvoir d’évocation et tentent de s’inscrire dans une itération de plus en plus imaginative, théâtrale et hyper-réelle. Grâce à l’ambiance séduisante de ces peintures - les couleurs sensuelles, le minutieux travail du pinceau et une fine composition - l’artiste met au défi nos perceptions en même temps qu’elle interroge les siennes. Née à Vancouver, Renée Duval vit et travaille à Montréal. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (11/2014) 58 pp col. ill.. 21 x 27 cm softcover / souple   9780986593383   $24.95 Can. $29.95 U.S.


Jean-Pierre Larocque

cameleon.jpgspacerPublished to accompany the inaugural edition of the Virginia McClure Ceramic Biennial, this publication features the work of four remarkable Canadian artists: Susan Collett, Neil Forrest, Rory MacDonald and Linda Sormin. The work of each artist accentuates themes characteristic of the discipline such as adaptation, reinvention and metamorphoses. Together they articulate a lively ceramic language in constant mutation and - by provocation or poetry - deconstruct the history and traditions of the medium to create something new. As a result, they remind us that clay is indeed chameleon. Born in Montreal, Jean-Pierre Laroque has taught at numerous institutions, notably, Emily Carr Institute of Art + Design, New York State College of Ceramics at Alfred University and California State University. A solo exhibition of his work inaugurated the reopening of Toronto's Gardiner Museum of Ceramics in 2006. In English and French.

Publiée à l’occasion de l’inauguration de la Biennale de céramique Virginia McClure, cette publication présente le travail de quatre artistes canadiens remarquables : Susan Collett, Neil Forrest, Rory MacDonald et Linda Sormin. Le travail de chacun d’eux met en évidence des thèmes chers à la discipline tels que l’adaptation, la réinvention, et la métamorphose. Ensemble, ces artistes contribuent à articuler un langage céramique effervescent sur un terrain en constante mutation. Par provocation ou poésie, ils déconstruisent la céramique, son histoire et ses traditions, pour la réassembler ensuite à leur manière. Ainsi, ils nous rappellent que l’argile est bel et bien caméléon. Né à Montréal, Jean-Pierre Larocqu a enseigné à des nombreuses institutions, notamment: Emily Carr University of Art + Design, New York State College of Ceramics at Alfred University et California State University. Présentment il ensiegne à l’Université Concordia. Son exposition solo a inauguré le nouveau Gardiner Museum of Ceramics de Toronto en 2006. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (10/2014) 76 pp 51 col. ill. 24 x 22 cm softcover / souple   9780986593390   $24.95 Can. $29.95 U.S.

Eva Lapka: 10 Years / 10 ans

Victoria LeBlanc & Léo Rosshandler

lapka.jpgspacerOriginally from the Czech Republic, Eva Lapka is an internationally recognized ceramic artist whose practice is marked by a refashioning of the human whereby she addresses issues of loss, memory, identity and the cycles of life and death. The works in this retrospective publication form a poignant pantheon of fragmented, twisted bodies, with a coherence that speaks not only of Lapka's great mastery of the medium, but of her emotional involvement and personal investment in her art. Eva Lapka has taught ceramics at several institutions in Montreal including the Visual Arts Centre, where she has been director since 1999. Her work has been exhibited in Canada, the United States and Europe. In English and French.

La terre, et plus particulièrement la céramique, a toujours été le moyen d’expression privilégié de l’artiste. Empreintes de fragilité et de puissance, ses pièces figuratives, réalisées et présentées de manière fragmentées, témoignent de l’engagement de l’artiste. Les contrastes, entre des représentations de corps déformés, torturés et la délicatesse qui se dégage au travers des sculptures d’Eva Lapka, effraient et subjuguent à la fois. Céramiste d’origine tchèque de réputation internationale, Eva Lapka est directrice du département de céramique du Centre des arts visuels de Montréal, où elle enseigne depuis 1988. Elle compte à son actif de nombreuses expositions au Canada, aux États-Unis et en Europe et ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections. En francais et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (11/2013)  60 pp 30 col. ill. 9 x 9 in softcover / souple  9780986593376  $24.95 Can. $29.95 U.S.

Leopold Plotek: Campane

E.C. Woodley

plotek.jpgspacerIconic architectural shapes, resonant colour, and abstract forms evoking human presence - Leopold Plotek’s paintings are eloquent, compelling and open up a wide emotional register. Moving from abstract to figurative and back again, he is a painter’s painter. This publication documents recent works as well as 20 additional paintings from the last two decades, which the artist views as seminal to his work. The catalogue text takes the form of a conversation, resulting in a provocative exchange on Plotek’s preoccupations as an artist in our time. Born in Moscow in 1948, Leopold Plotek lives and works in Montreal. E. C. Woodley is a Toronto-based composer, art critic, and curator. In English and French.
Avec leurs formes architecturales iconiques, leurs couleurs vibrantes et leurs abstractions évoquant la présence humaine, les tableaux de Leopold Plotek demandent à ête regardées longuement. L’artiste est une source d’inspiration pour ses semblables et son travail minutieux ouvre la voie à tout un registre d’émotions. Cette publication documente les toiles les plus récentes de l’artiste ainsi que d’oeuvres phares plus anciennes. Le texte prend la forme d’une conversation avec l’artiste. Né à Moscow en 1948, Léopold Plotek vit et travail à Montréal. En français et anglais.

McClure Gallery (03/2013) 60 pp 35 col. ill. 9.5 x 8.5 in softcover / souple  978-0-986593-36-9  $24.95 Can. $27.95 U.S.


David Sorensen : L’horizon ultime / The Ultimate Horizon

Sandra Grant Marchand & Verona Sorensen

davidsorensen.gifspacerDavid Sorensen (1937-2011) was a major Canadian artist known for his ability to reconcile abstract expressionism with a Turner-like inspiration of light and sky. While clearly aware of and influenced by the art movements and contemporary concerns of his time, Sorensen remained steadfastly committed to the pursuit of a “classical order free of irony.” This publication documents Sorensen’s final works, a series of colour field abstractions exploring the horizon leitmotif. An original essay by one of Canada’s most noted curators is accompanied by a statement from the artist’s daughter. David Sorensen studied at the University of British Columbia and the Vancouver School of Art under Arthur Erickson, Bill Reid and Jack Shadbolt. During his lifetime he exhibited throughout Canada and internationally. In English and French. 

David Sorensen (1937-2011) fut un artiste majeur canadien canadien connu pour sa capacité de réconcilier l’abstraction avec une inspiration venu de la terre et du ciel. Bien qu’il se soit tenu au courant des divers mouvements artistiques et qu’il ait été influencé par les questionnements qui lui étaient contemporains, Sorensen demeurait fidèle à la poursuite d’un « ordre classique libéré de l’ironie. » Cette publication présente les dernières peintures de l’artiste. Échelonnées sur une décennie, elles sont le résultat d’une exploration profonde de l’horizon tel un leitmotiv. Né à Vancouver, David Sorensen a enseigné à l’École d’art et de design du Musée des beaux-arts de Montréal et à l’Université Bishop’s à Sherbrooke. Son œuvre est représentée dans des collections publiques telles que celles du Musée des beaux-arts de Montréal et du Musée d’art contemporain de Montréal. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (11/2012)  60 pp 40 ill. 9.5 x 8.5 in/po softcover/souple  978-0-9865933-5-2  $24.95 Can. $27.95 U.S.


Mirana Zuger: Vrtlar

James D. Campbell & Françoise Sullivan

miranazuger.gifspacerMirana Zuger paints exuberant abstractions that are remarkable for their cohesiveness and incessant internal flux. They bridge Lascaux cave walls and the restless paintings of Lee Krasner, Barthes’s sign fever and Banksy’s feverish graffiti. A dictionary of marks is used to create a personal iconography. These gestures are derivative of light, time, gravity and movement. The accumulation of marks is part of a natural system, free from external intent. The inner logic of the composition describes a corner of an infinite ecosystem, mimetic of the limitless resolution of nature. In her text, iconic artist Françoise Sullivan muses on the ongoing vitality of modernist abstraction. First monograph dedicated to the work of the young Canadian artist. In English and French.
Mirana Zuger carbure à une curiosité débridée et un abandon total à la couleur. Le résultat appartient à la fois au monde peint et réel. Le mouvement des objets, l’illusion et l’espace pictural ludique habitent le monde peint, alors que l’histoire, la mémoire et les signes réfèrent à une iconographie personnelle. Dans son texte, l’artiste iconique Françoise Sullivan réfléchit à l’intérêt renaissant pour l’abstraction. Première monographie dédiée à l’œuvre de l’artiste montréalaise. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (06/2012) 60 pp 49 col. ill. 9.5 x 8.5 in softcover / souple  978-0-986593-34-5  $24.95 Can. $27.95 U.S.

Virginia McClure: Drawings / Dessins

Victoria LeBlanc & Alexandra Troy McClure

mcclure.gifspacerVirginia McClure (1928-2012) was a Montreal artist, teacher, art patron and art administrator for nearly six decades. Her legacy is dual. As an artist, she worked in ceramics, plastics, printmaking, painting and drawing and gained a reputation for her expressive, original and often witty ceramic sculpture, receiving several awards and participating in ceramic exhibitions throughout Canada. Virginia McClure also left a legacy of dedication to Montreal’s Visual Arts Centre named in her honour in 1992 and publisher of this book. Framed by an informative introduction and a closing statement from the artist’s daughter, this publication features Virginia McClure’s last drawings and sketches. In English and French.

Virginia McClure (1928-2012) fut artiste, enseignante, et mécène dans le milieu des arts montréalais depuis près de six décennies. Elle fut tout au long de sa vie une artiste prolifique, travaillant dans des techniques et matériaux divers dont la céramique, les plastiques, les installations multimédia, la gravure, la peinture et le dessin. L’héritage de Virginia McClure au Centre des arts visuels est grand. C’est en reconnaissance de son généreux support que la galerie a été renommée en son honneur en 1992. Cette publication documente ses derniers dessins qui constituent un corpus de travail unique en son genre. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (06/2012) 76 pp 45 col. ill. 9.5 x 8.5 in softcover / souple  978-0-986593-33-8   $24.95 Can. $27.95 U.S.

David Lafrance : Les Palais inégaux
Robert Enright & Jean-Philippe Gagnon
davidlafrance.gifspacerThis publication features medium to large format oil paintings as well as smaller works in watercolour that continue to explore the constellation of themes and images for which the artist is known: landscapes stewn with signs of human ritual and presence, an odd coming together of exhilaration and menace, exoticism and the naive. David Lafrance is a graduate of Concordia University’s drawing and painting program, where he received the Guido Molinari Prize for his academic achievement. In English and French.

Cette publication rassemble des huiles sur toile de moyens et grands formats ainsi que des aquarelles de petits formats qui explorent la constellation de thèmes chers à l’artiste : des paysages parsemés de signes de la présence et du rituel humain où s’opère la rencontre étrange de l’exaltation et de la menace, de l’exotisme et de la naïveté. David Lafrance est diplômé de l’Université Concordia à Montréal en peinture et dessin, où il a reçu le prix Guido Molinari pour ces performances académiques. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (03/2012)  26 pp 22 col. ill. 9.5 x 8.5 in softcover / souple 9780986593321  $15.00 Can. $17.00 U.S.

Michael Merrill: Espace / Outer Space

Marie Eve Charron & James D. Campbell
merill.gifspacerMichael Merrill’s recent series of ink wash drawings is part of a larger project: the mapping of the interior spaces of the Montréal Museum of Fine Arts, particularly the new Claire and Marc Borgie pavilion dedicated to Québec and Canadian art. The drawings were completed intermittently while working on twelve gouache paintings on view at the Museum as of September 2011. Both series are presented herein. These works are extension of the artist’s series entitled Paintings About Art that has been shown throughout Canada and in Europe. Published with Galerie Roger Bellemare/Galerie Christian Lambert. In English and French.
Les séries récentes de dessins au lavis à l’encre de Michael Merrill font partie d’un projet plus vaste : cartographier les espaces intérieurs du Musée des beaux-arts de Montréal, plus spécifiquement les chantiers du nouveau pavillon Claire et Marc Bourgie. Ces dessins ont été complétés de façon intermittente tandis qu’il travaillait sur douze gouaches présentées au Musée à compter de septembre 2011. Les deux séries sont présentées dans les magnifiques planches couleur. Publié en collaboration avec Galerie Roger Bellemare/Galerie Christian Lambert. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (09/2011) 60 pp 45 col. ill. 9 x 8 in softcover / souple 978-0-9865933-1-4  $19.95 Can. $23.95 U.S.

Russell T. Gordon: Over Easy  / Métaphores en séries
Maurice Forget

russeltgordon.gifspacerRussell T. Gordon is an African-American artist who has lived and worked in Montreal for over thirty years. This first monograph offers a critical survey covering work from the early figurative paintings of the 70s with their California funk aesthetic to today’s elegant large abstractions. Gordon’s work collides full on with the formative influence of jazz and mirrors the improvisational approach of Charlie Parker and Thelonious Monk. The publication includes an essay and an interview exploring the influences and life experiences that shaped Gordon’s approach to artmaking. In English and French.
Russell T. Gordon est un artiste afro-américain qui vit et travaille à Montréal depuis plus de trente ans. Cette première monographie offre un survol critique du travail de l’artiste, à partir du travail figuratif des années 70 avec leur esthétique funk californienne jusqu’à l’élégance des œuvres abstraites récentes. Un texte et une entrevue explorent les influences et le vécu de Gordon qui sous-tendent son travail artistique. Gordon a longtemps enseigné à l’Université Concordia et compte parmi ses influences les grands musiciens de jazz. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (09/2010) 84 pp 35 col. ill. 11 x 9 in softcover 978-0-9865933-0-7  $24.95 Can. $28.95 U.S.

John Fox: Refiguration / Réfiguration

Sandra Paikowsky, Peter Krausz & Michael Smith

johnfox.gifspacerJohn Fox (1927 - 2008) was a painter, en educator and a mentor to generations of Canadian painters. This publication documents Fox’s return to figuration after many years of non-figurative abstraction and is supplemented by three original texts celebrating his life and career. With dozens of illustrations of Fox’s drawings, paintings and watercolours. Sandra Paikowsky is one of Canada’s most respected art historians. Peter Krausz and Michael Smith are among the country’s most eminent artists. In English and French.
John Fox (1927 - 2008) était peintre, professeur et mentor à plus d’une génération d’artistes canadiens. Cette publication rend hommage à un artiste remarquable et ami très cher à tant d’artistes de la communauté montréalaise. Les œuvres récentes de l'artiste montrent les traces des motifs figuratifs du début de sa carrière, mais sont aussi témoignent de la nouvelle manière de l’artiste d’aborder les thèmes des lieux et des gens. L’historinne d’art Sandra Paikowsky et les artistes montréalais Peter Krausz et Michael Smith offrent des textes perceptifs et éloquents. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (05/2010) 80 pp 60 col. ill. 8 x 10.5 in hardcover 978-0-97344629-6 $24.95 Can. $30.00 U.S.

Catherine Y. Bates: Out of Line / Hors limites

Joyce Millar & Victoria LeBlanc

Publication documenting two exhibitions dedicated to the forty year career of the Canadian painter. Bates’ expressionistic renderings of iconic geographical locations associated with Tom Thomson and Cornelius Krieghoff reveal her attachment not only to the land but to Canadian art history. Two essays situate the artist’s work within the tradition of Canadian landscape painting. Published with the Stewart Hall Art Gallery. In English and French.
Publication qui accompagne deux expositions dédiées aux quarante ans de la carrière de la peintre canadienne. Catherine Young Bates se consacre complètement à la peinture depuis sa retraite de l’enseignement au Collège Dawson à Montréal. Professeure, critique d’art, poète et peintre, elle a participé à de nombreuses expositions individuelles. Publiée avec la Galerie d’art Stewart Hall. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (03/2009) 60 pp. col. ill. 10 x 8.5 in softcover 978-0-973446272 $20.00 Can. $21.95 U.S.

Dare to Draw / La passion du dessin

Sean B. Murphy

Full of informative anecdotes to accompany the intimate and personal drawings and watercolours, in particular the author’s travel sketches, as well as tidbits of advice for the beginner, this book is a call to anyone who has ever had the urge to draw. Murphy’s passion for what he calls his “second career” is an inspiration to anyone to grab a sketchbook, dare to draw and rediscover the world around us. Foreword by Alex Colville. In English and French.

Ce livre regorge d’anecdotes instructives qui accompagnent des dessins et aquarelles de l’auteur, notamment ses croquis de voyage, de même que des bribes de conseils pour les débutants; c’est une invitation à tous ceux et celles qui ont déjà éprouvé une forte envie de dessiner. La passion de Sean B. Murphy pour ce qu’il appelle sa « seconde carrière » est communicative : prenez un carnet, plongez-vous dans le dessin et redécouvrez le monde qui vous entoure. Avant-propos d’Alex Colville. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (02/2009) 120 pp 100. col. ill. 10 x 8 in softcover 978-0-9734462-6-5 $24.95 Can. $26.95 U.S.

Gabor Szilasi : Famille
Victoria LeBlanc, Hedwidge Asselin & Andrea Szilasi

Gabor Szilasi is a pioneer of art photography whose work has been exhibited throughout the world and featured in numerous publications. His black and white documentary photographs and portraiture are immediately recognizable for their complicity with the subject. Published on the occasion of Szilasi’s 80th birthday, this publication features a more personal side of the artist with family portraits taken over many years yet never before published or exhibited. In English and French.
Pionnier de l’art photographique au Québec, Gabor Szilasi a influencé une génération de photographes canadiens. Ses photographies documentaires et ses portraits sont reconnues pour leur approche sociale et humaniste. Cette catalogue d’exposition, qui marque le 80e anniversaire de l’artiste, rassemble des images personnelles et intimes qui n’ont jamais été publiées auparavant. En français et anglais

McClure Gallery / Galerie McClure (12/2008) 60 pp 34 ill. 20 x 20 cm softcover 978-0-973446-25-8 $20.00

Harold Klunder: Amorphous Amoebae/Amibes amorphes
James D. Campbell

This monograph offers a critical and biographical study of Canadian visual artist, Harold Klunder, focusing most specifically on paintings created between 1995 and 2007. Fifty colour images of artworks and documentary shots of the artist in his studio accompany the text. A discussion of Harold Klunder's ambiguous position between abstraction and figuration, a brief history of his print-making, as well as an analysis of the artist's compositional methodologies using the metaphor of the children's string game - cat's cradle - constitute the key themes of Campbell's text. This publication asserts Klunder's reputation as one of the country's most accomplished and respected painters. In English and French.
Cette monographie offre une étude critique et biographique de l'artiste visuel canadien, Harold Klunder, en concentrant plus spécifiquement sur l'œuvre de l'artiste créée entre 1995 et 2007. Cinquante images en couleur des œuvres d'art ainsi que des photos documentaires de l'artiste dans son studio accompagnent le texte. Les thèmes clés du texte sont une discussion de la position ambiguë de Klunder entre l'abstraction et la figuration, une courte histoire de sa gravure, ainsi qu'une analyse de la méthodologie de construction de l'artiste en utilisant la métaphore du jeu de ficelle des enfants, appelé « cat's cradle. » Cette publication affirme la réputation de Klunder comme un des peintres du pays les plus accomplis et respectés. En français et anglais.

McClure Gallery / Galerie McClure (04/2007) 78 pp 50 col. ill. 10.5 x 8.5 in. softcover 978-0-9734462-4-1 $24.95 Can./U.S.

Figures and Grounds : The Work of Ross Heward / Fonds et figures : L'œuvre de Ross Heward
James D. Campbell

The first monograph dedicated to the œuvre of expatriate Canadian painter Ross Heward. Working in a figurative style since 1964, Heward's studies of the female nude are rendered on fabrics the artist acquires in flea markets and fabric shops near his home in the south of France. The use of brightly patterned articles of clothing, aprons and table cloths as backdrops for his portraits subverts the usual figure/ground dynamic and opens the work to a larger interpretation. Subtitled "With a Brief Sketch of the Life and Work of His Aunt Prudence Heward", the publication's essay makes connections between the work of Ross Heward with that of one of Canada's most significant mid-20th century artists. Campbell provides a wealth of artistic, philosophical and historical information on the genesis and pertinence of the work of Ross Heward. In English and French
Première monographie dédiée à l'oeuvre de Ross Heward, artiste canadien qui a longtemps travaillé dans le sud de la France. Depuis 1964, le style figuratif d'Heward dépeint des modèles nus. Ces modèles apparaissent et réapparaissent dans ses toiles, représentés sur des tissus que l'artiste déniche dans des marchés aux puces ou des ateliers de textiles. L'usage unique que fait Heward des imprimés et motifs en guise de fond pour ses nus aborde le traitement expérimental de la perspective et de la subversion du rapport figure-fond. Ayant comme sous-titre « Avec une esquisse de la vie et de l'oeuvre de sa tante Prudence Heward », l'essai met en valeur le rapport entre le travail de Ross Heward et celui de sa tante, une des artistes les plus importantes au Canada depuis le Groupe des sept. En français et anglais.

McClure Gallery (11/2005) 92 pp 14 col. ill. 11 x 8 in hardcover 0-9734462-2-6 $30.00 Can./U.S.