Canadian Cultural
Centre, Paris / Centre culturel canadien à
Paris
Canadian Cultural
Centre
Centre culturel
canadien
Lisa Klapstock / Paulette Phillips
Gérard Wajcman
Catalogue accompagnant la première exposition à
Paris de Lisa Klapstock et Paulette Phillips. Exposition
composée d'installations vidéographiques et de
photographies, elle réunit un ensemble d'oeuvres majeures
de ces artistes de Toronto : Ambiguous Landscapes
(2003-2005), Threshold (2001-2002) et la première
mondiale de l'installation vidéographique Field
Studies (2007) de Klapstock ; It's about how people
judge appearance (2001), The Floating House (2002),
Crosstalk (2004) et Monster Tree (2006) de Phillips. Le
psychanalyste et écrivain français Gérard
Wajcman apporte un regard singulier face à la rencontre de
ce duo de femmes. Il soulève notamment un diptyque
composé de Field Studies et de Monster Tree,
qui mettent en œuvre chacune à leur manière,
tout en jouant sur la frontière entre froideur
technologique et enchantement visuel et imaginaire, une vision de
« l'humanité des temps modernes ». En
français et anglais.
Publication accompanying the Canadian participation in
International Encounters, a program intended to sponser
artists in different European contexts, thus making this the first
time the two Toronto artists will be seen in Paris, Madrid and
Berlin. Composed of video installations and photographs, the
exhibition brings together major works: Ambiguous
Landscapes (2003-2005), Threshold (2001-2002) and the
world premiere of the video installation Field Studies
(2007) by Klapstock; It's about how people judge appearance
(2001), The Floating House (2002), Crosstalk (2004)
and Monster Tree (2006) by Phillips. French psychoanalyst
and author Wajcman provides a unique reading of this encounter
between the pair of women by bringing forth a diptych formed by
Field Studies and Monster Tree. For the author, each
of these two pieces creates - each in its own way yet both playing
on the borderline between technology and visual and imaginary
enchantment - a vision of "humanity in modern times". In English
and French.
Centre culturel canadien/ Canadian Cultural Centre, Paris
(11/2007) 104 pp 70 ill. coul. 22 x 16.5 cm 978-1-896940-44-1
$32.00
Donigan Cumming : La somme, le sommeil, le cauchemar
Catherine Bédard
'Prologue et Epilogue', un diptyque monumental de 'tableaux
photographiques', était présenté dans le
cadre du Mois de la photo 2006. Inédits en France, ces
tableaux sont l'œuvre d'un photographe qui, depuis une
vingtaine d'années, élabore une pratique
centrée sur la représentation d'une
communauté de personnages marginaux. 'Prologue et Epilogue'
sont le résultat d'une réflexion
rétrospective de l'artiste sur son œuvre. Cumming a
découpé par centaines les images de ses personnages
fétiches. Le diptyque qui en résulte est en quelque
sorte la somme cauchemardesque de toutes les figures qui hantent
sa création depuis des dizaines d'années. En
français et anglais.
Cumming's monumental diptyque, 'Prologue and Epilogue',
were presented at the 2006 edition of the prestigious Mois de la
Photo in Paris. The accompanying publication with its reference to
sleep and nightmares, presents an overview of Cumming's career
from photography to video to these new 'photographic murals'.
Always at the core of Cumming's practice is a concern with
marginal communities. 'Prologue and Epilogue' is a form of
retrospective, with Cumming cutting out hundreds of images from
his earlier works and digitally pasting them together to form a
nightmarish collage that distills of years of creation. In English
and French.
Centre culturel canadien/Canadian Cultural Centre, Paris (11/2006)
120 pp 51 ill. coul. 30 x 21 cm 978-1-896940-42-7 $38.00 Can./U.S.
Jana Sterbak : Waiting for High Water
Hubert Damisch
Publication sur la plus récente installation vidéo,
Waiting for High Water, qui fait suite à From Here
to There présentée pour la première fois au
Pavillon canadien à l'occasion de la 50e édition de
la Biennale de Venise en 2003. Les images de From Here to
There ont été tournées avec l'aide d'un
terrier Jack Russell porteur d'une caméra
miniaturisée donnant du monde une vision inédite.
Cette œuvre avait été tournée sur les
rives du Saint-Laurent, porte d'entrée des premiers
explorateurs français au Canada. Avec Waiting for High
Water, une installation vidéo dont les images sont
cette fois filmées à l'aide de trois petites
caméras fixées sur la tête du chien, invite le
spectateur à une promenade surprenante à Venise au
moment de l'acqua alta. Figure majeure de la scène
artistique internationale, Jana Sterbak participe activement
à la création contemporaine depuis près de 30
ans notamment avec Generic Man (1987), Vanitas: Flesh
Dress for an Albino Anorexic (1987-2006), Remote Control
II (1989), Absorption: Work in Progress (1995),
Bread Bed (1996), et Dissolution (2001). En
français et anglais.
Publication documenting Sterbak's new installation wherein
she further investigates our perception of and relationship to
technology. First explored in From Here to There,
(presented at the 2003 Venice Biennial) wherein she manipulated
images produced with the assistance of a miniature camera worn by
a Jack Russell terrier, this new project goes even further. In
Waiting for High Water, Stanley the terrier now wears three
miniature cameras. The resulting muti-screen projection invites
the viewer on a hallucinatory journey through the streets of
Venice at the peak of its well-known acqua alta, or high
tide. Noted philosopher Hubert Damisch contributes an essay. In
English and French. A major figure on the internation art scene
for nearly 30 years, Jana Sterbak is known, most notably, for
Generic Man (1987), Vanitas: Flesh Dress for an Albino
Anorexic (1987-2006), Remote Control II (1989),
Absorption: Work in Progress (1995), Bread Bed
(1996), and Dissolution (2001) In English and French.
Centre culturel canadien /Canadian Cultural Centre, Paris
(2006) 83 pp 37 ill. coul. 20 x 20 cm (8 x 8 in paperback) 1-896940-41-2
$30.00 Can./U.S.
John Massey : This Land
Catherine Bédard et Danièle Cohn
'This Land' propose des œuvres inédites de l'artiste
de Toronto. Parmi ces œuvres, une vidéo et une
série de photographies montrant des paysages grandioses et
des intérieurs typiquement masculin, la plupart
habités par des figurines militaires. Monumentalisés
par le grand format des paysages, des soldats et héros
d'époques diverses y apparaissent sous forme de personnages
empruntés à des collections de miniatures. Alliant
une représentation photographique fidèle à la
réalité et une composition clairement
truquée, la série propose une vision unique des
thèmes de l'image militaire et de l'héroïsme.
En français et anglais.
This superb publication features new video and photographic
work, notably a series of photographs entitled "The Soldier".
Massey's grandiose natural landscapes are inhabited by classic
military figures - yet these Vikings, Napoleonic horsemen and
American GI's are actually drawn from miniatures. Monumentalized
by the large format and emptied of any individual identity, they
march, fight and die their way through pristine, idyllic settings.
The juxtaposition of real landscapes with obviously unreal figures
proposes a unique reading on the themes of masculinity and the
military. In English and French.
Centre culturel canadien, Paris (02/2006) 95 pp 63 ill. (48 coul.)
24 x 24 cm 1-896940-40-4 $34.00 Can./U.S.
Richard Purdy: Unrestored
Richard Purdy et Richard Leydier
Purdy a construit, dans le Centre culturel canadien, un lac dont
on ne parviendra jamais à mesurer la profondeur. Sur un
pont en ruine, le spectateur est invité à
s'aventurer au-dessus des eaux noires occupant le sol d'une
galerie de tableaux en apparence anciens. Paysages, scènes
mythologiques, portraits, peints par l'artiste lui-même dans
des styles variés pour être ensuite «
dérestaurés », c'est-à-dire
artificiellement vieillis, sont accrochés tête en
bas, provoquant une déstabilisation de l'espace-temps de la
contemplation. En français et anglais. Maître des
inversions, l'artiste élabore depuis 30 ans, une œuvre
complexe alliant des formes diverses dont la peinture, la
photographie, la sculpture et la fiction. Professeur à
l'Université du Québec à
Trois-Rivières, Richard Purdy a exposé dans de
nombreux galeries et musées, incluant le Musée
national des beaux-arts du Québec.
Unrestored consists of an installation of oil
paintings that appear to be minor 18th or 19th European works in
need of repair. These works are in fact painted by Purdy in an
elaborate technique and treat conventional Beaux-arts subjects
such as portraits, still life and landscape. The crackling,
pentimenti, and blushed varnishes that Purdy has created on the
surface of the paintings may be seen to be formal elements in the
pictorial language, referring to 20th century abstract painting.
The paintings also evoke the art of forgery, throwing the creative
integrity of the artist into playful doubt. The viewer enters the
exhibition on a raised platform above the floor's reflective
covering. The paintings, whose reflections may be clearly seen in
the floor, are hung upside down on the walls, complicating the
viewer's ability to decipher their location. The paintings are
thus difficult to position both perceptually and historically and
raise questions about authorship, innovation and the writing or
rewriting of art history. In English and French
Centre culturel canadien, Paris (09/2005) 92 pp 74 ill. coul. 16 x
22 cm 1-896940-38-2 $30.00 Can./U.S.
Emanuel Licha : Une autre fête au
même instant brille dans Paris
Anne Cauquelin
Détenteur d'une maîtrise en géographie
urbaine, Emanuel Licha s'intéresse à l'espace public
et l'architecture. Ses travaux l'amènent à envisager
les objets du paysage comme étant à la fois des
indices sociaux, historiques et politiques. Pour cette exposition,
l'artiste a construit une cabane dans le centre culturel canadien
à Paris en considérant son passé historique.
L'installation de Licha met en scène l'histoire de ses
premiers locataires et leurs liens avec l'actualité de
l'époque, qui rejoint celle d'aujourd'hui. Emanuel Licha
est né à Montréal in 1971. Il detient un
Post-diplôme de l'École nationale des Beaux-arts de
Lyon. En français et anglais.
Trained in urban geography, Licha's primary interests are
architecture and public space making the installations he creates
rife with social, historical and political references. This
exquisite publication documents an enclosure he constructed within
the elegant walls of the cultural centre in the heart of bourgeois
Paris. Mimicking all the trappings of a traditional guided tour -
yet undermining it completely - Licha provides the visitor with
the unlikely experience of exclusion (social) and proximity
(physical). Born in Montreal in 1971, Emanuel Licha has a
post-graduate degree from France's École nationale des
Beaux-Arts. In English and French.
Centre culturel canadien, Paris (09/2005) 78 pp 44 ill. coul. 21 x
14 cm 1-896940-39-0 $16.00 Can./U.S.
Bernie Miller: Collision Monuments
Catherine Bédard & Victor Stoichita
Bernie Miller travaille à la frontière de l'art et
de l'architecture. Ses objets insolites révèlent des
structures invisibles qui gouvernent l'édification des
hauts lieux de la consommation ordinaire dont le fameux "centre
commercial", invention éminemment structurée.
Installées dans la ville ou dans des lieux traditionnels
d'exposition, les oeuvres sont d'étranges créatures
qui surprennent le spectateur. En français et anglais.
Miller works on the edge of art and architecture. His
startling creations - unlikely collisions of televisions with
refrigerators and acoustic speakers with dishwashers - work as
metaphors for consumer culture. Whether installed in a shopping
mall parking lot or in a museum the works delight and disturb the
viewer with a surrealism that is more than skin-deep: Miller's
goal is to literally embody the catastrophe of consumerism gone
awry. An essay an an interview are accompanied by models,
sketches, plans and photographs of on-site installations. In
English and French. Bernie Miller is co-editor of Crime &
Ornament: The Arts and Popular Culture of Adolf Loos, YYZ
Books.
Centre culturel canadien / Canadian Cultural Centre, Paris (2005)
9.5 x 8 in 28 col. ill. softcover 1-896940-34-X $34.00
Can./U.S.
Canadian Club
Catherine Bédard & Corinna Ghazavi
Persona Volare est un groupe de 12 artistes canadiens aux
pratiques artistiques diversifiées partageant le
désir d'une approche collective, à la fois sensible
et envahissante, de lieux investis d'une charge symbolique
particulière. Quoique que leurs disciplines soient
différentes - sculpture, photographie, peinture,
vidéo et nouveaux médias - leur unique intention est
d'envahir et de transformer des lieux improbables et inattendus,
pour cette occasion le fameux Centre culturel canadien. Comprenant
deux essais et des textes d'artistes, cette publication nous
permet de saisir les diverses intentions suggérées
par le titre de l'exposition, Canadian Club : comme une
association d'amis jusqu'au fameux whisky, plein d'esprit,
alcoolisés et stimulant. Parmi les artistes on y retrouve
Carlo Cesta, Lorna Mills, Lisa Neighbour, Chantal Rousseau
et Johannes Zits.
Persona Volare is a group of twelve Toronto-based
artists dedicated to the exploration of non-museum sites,
especially those sites that have a special symbolic charge. While
their media is diverse - sculpture, photography, painting, video
and new media - their single intention is to invade and transform
unlikely spaces, in this case the opulent and highly respectable
Canadian Cultural Centre in Paris. Two essays and artists'
statements, along with many full-colour illustrations, walk us
through the group installation. Along the way we are treated to
interpretations of the various meanings of the exhibition's title.
Persona Volare is indeed a Canadian Club as is the
well-known staple of any bar, which leads the artists to describe
the exhibition as "spirited, euphoric and stimulating."
Participating artists include Carlo Cesta, Lorna Mills, Lisa
Neighbour and Johannes Zits. In English and French.
Centre culturel canadien / Canadian Cultural Centre, Paris (2005)
84 pp 85 ill. (83 coul.) 30x21 cm 1-896940-37-4 $34.00
Images premières : Mutations d'une icône nationale
/ Primal Images: Transmutations of a National Icon
Vincent Lavoie
Lavoie médite sur la relation entre un acte final, soit
la pose du dernier crampon du Chemin de fer Canadien Pacifique
traversant le pays d'est en ouest en 1885 et, en même temps,
fondateur puisqu'il permettait de donner réalité
à l'idée même de "pays". Cet
évènement historique est revisité afin d'y
inclure le rôle de tout gouvernement quant à
l'établissement du concept de "la naissance de la nation".
Illustrées avec des photographies, des dessins et des
affiches d'époque, cette publication est le volet canadien
de l'exposition du Mois de la Photo à Paris 2004 et
accompagnera cette même exposition qui sera
présentée au Musée McCord dans le cadre du
Mois de la Photo à Montréal 2005. En français
et anglais.
This publication accompanies exhibitions in two
international photography bienniales. Le Mois de la Photo à
Paris 2004 and Le Mois de la Photo à Montréal 2005.
The primal image referred to is the photograph recording the
completion of Canada's national railway in 1885: "the driving of
the last spike". Supported by a wide variety of historical and
contemporary documentation, Lavoie shows how this apparently
straightforward historical record was used to create the notion of
Canada. By looking at the countless reproductions, copies and
caricatures of this primal image he dissects the deliberate and
ideological construction of nationhood. Profusely illustrated with
photographs, film stills, posters and political cartoons from over
100 years. Produced in collaboration with the McCord Museum. In
English and French.
Centre culturel canadien, Paris/Canadian Cultural Centre, Paris
(2004) 86 pp 40 ill (12 col) 22x19 cm 1-896940-35-8 $30.00
Visages de l'histoire : Portraits de Vancouver / Facing
History: Portraits of Vancouver
Karen Love
Amalgame de portraits des années 1950 à aujourd'hui
par des photographes de renommée nationale et
internationale, ainsi que certains moins connus et oubliés.
Ces photographies dressent un portrait de la ville de Vancouver.
Quelques artistes participants : Ken Lum, Arnaud Maggs et Jin-me
Yoon. En français et anglais.
This assemblage of portraits from the 1950s to today by
photographers both internationally acclaimed and utterly forgotten
combines to make a portrait of the city. This publication
accompanies the European showing of an exhibition originally
mounted in Vancouver. Artists include Ken Lum, Arnaud Maggs et
Jin-me Yoon. In English and French.
Centre culturel canadien, Paris/Canadian Cultural Centre, Paris
(2004) 62 pp 26 ill. (11 coul.) 1-896940-33-1 $14.00
Wyn Geleynse : Trop haut, trop bas, de loin
Françoise Parfait
Chacune des installations vidéos de Geleynse est une
mise-en-scène théâtrale qui met en
évidence la fragilité d'un monde d'illusions.
Geleynse jette un regard sur la condition humaine avec un subtil
mélange d'ironie et d'humanité. Françoise
Parfait est l'auteure de Vidéo: un art contemporain
(Éditions du Regard, 2001).
Each of Geleynse's video installations is a unique
theatrical mise-en-scene reminiscent of something between an
architect's model and Picasso's early cardboard sculptures. The
videos themselves each feature the artist in a series of solitary
roles such as a clumsy tightrope walker or a suited business man
suspended upside down. The precarity of the situation is
dramatized by the fragility of its projection environment.
Geleynse's work comments on the human condition with a subtle
blend of irony and humanity. Born in Rotterdam, Wyn Gelenyse lives
and works in Toronto. Françoise Parfait is the author of
Video: un art contemporain (Editions du Regard
2001). In English and French.
Centre culturel canadien, Paris /Canadian Cultural Centre, Paris
(2003) 66 pp ill. coul. 21 x 13 cm 1-896940-28-5 $22.00
Lisa Steele / Kim Tomczak: Before I Wake
Paul Ardenne
Depuis les 20 dernières années, les artistes
torontois de renommée internationale, Lisa Steele et Kim
Tomczak produisent des projets photographiques et
vidéographiques qui ne cessent d'épater les
critiques. Cette publication explore une triade délicate,
soit celle de la confiance, de la peur et de la mort à
travers cinq oeuvres : Blood Records
(présentée pour la première fois au
Musée d'art moderne de New York), Make Love Not War, ...
bump in the night, We're Getting Younger All The Time et
Practicing Death. Ces oeuvres ponctuent un parcours
où s'entrecroisent histoire et fiction dans une entreprise
critique où la pratique artistique manifeste la dimension
politique derrière l'expression des émotions
ordinaires. Des émotions telles l'appartenance sociale,
l'amour, la santé et le vieillissement. Ardenne explore le
questionnement perpétuel qu'est le corps qui
imprègne leurs oeuvres. Lisa Steele et Kim Tomczak
enseignent à l'Université de Toronto et sont
reconnus comme des références dans le champ de l'art
vidéogaraphique. Paul Ardenne est l'auteur de plusieurs
livres traitant de l'art contemporain, notammant L'Art dans son
moment politique (La lettre volée).
Over the past 20 years the Toronto-based artists have
produced video and photography projects to international critical
acclaim. This publication documents five major video works:
Blood Records (which premiered at the Museum of Modern
Art), Make Love Not War, Bump in the Night, We're Getting
Younger All the Time and Practicing Death. Adroitly
threading history with fiction, Steele and Tomczak explore the
political dimensions of experiences as human and "ordinary" as
self-image, love, health and aging. In his essay, Ardenne
discusses the unrelenting interrogation of the body that pervades
their work. Lisa Steele and Kim Tomczak teach in the visual
studies program at the University of Toronto and are recognized
leaders in the world of video art. Paul Ardenne is the author
numerous books on contemporary art, most recently Contemporary
Practices: Art as Experience (Dis Voir).
Centre culturel canadien, Paris / Canadian Cultural Centre, Paris
(2003) 92 pp 52 ill 24x15 cm /9x6.5 in 1896940277 $32.00 Can./U.S.
Bang
Eileen Sommerman & Kika Thorne
Se voulant un "champ de mines" - secret , stratégique et
envahissant - cette exposition de groupe représente le
potentiel de l'art quant à devenir quelque chose
au-delà et autre chose qu'elle-même. Cinq artistes
ont envahi le Centre culturel et ont inséré dans ses
pièces et dans ses corridors des œuvres qui sont
orales (Martin Arnold), mécaniques Daniel
Olson), relationnistes (Janice Kerbel, Ceal
Floyer) et visuelles (Euan Macdonald). En français et
anglais.
Intended as a "minefield" with plots, strategies and
surprises, Sommerman has one overriding goal with this unlikely
group exhibition: to show that art has the potential to engender
something above and beyond itself. Five artists discreetly invaded
the Canadian Cultural Centre in Paris, inserting into its rooms
and corridors art that is aural (Martin Arnold), mechanical
(Daniel Olson), situational (Janice Kerbel, Ceal
Floyer) and visual (Euan Macdonald). In English and
French.
Centre culturel canadien / Canadian Cultural Centre, Paris (2003)
94 pp 23 ill. 7x5 in / 18x13 cm softcover 1896940250 $15.00
Can/U.S.
Sorel Cohen : Divans maudits
Gérard Wajcman
Over the past 20 years Sorel Cohen has developed a photographic
practice with intimate ties to painting and film. This publication
presents three key bodies of work produced in the late 1990s:
The Wounds of Experience, The Body that Talks and The
Docent's Love Story. Each work is concerned with
psychoanalysis and the book's title, Divans maudits or "the
couches of the damned" succinctly conveys Cohen's preoccupations:
the relationship between patient and therapist in all its erotic
ambivalence. Sorel Cohen has exhibited widely, most notably at The
National Gallery of Canada, the Winnipeg Art Gallery and the
Musée d'art contemporain de Montréal. She lives and
works in Montréal. Gérard Wajcman is a Paris-based
psychoanalyst and author of numerous philosophical studies. In
English and French.
Figure majeure de la photographie canadienne depuis plus de
vingt ans, Sorel Cohen tisse des relations inédites entre
photographie, tradition picturale et cinéma. Cette
publication réunit trois ensembles d'oeuvres des
années 1996-1997, chacune centrée sur le dispositif
de la cure psychanalytique et sur le motif du divan.
Chargées de la relation qui relie le patient et son
analyste, et de l'ambivalence entre la thérapie et
l'érotisme, ces photographies entraînent le
spectateur dans un monde intérieur troublé autant
que troublant. Sorel Cohen vit et travaille à
Montréal. En français et anglais.
Canadian Cultural Centre, Paris / Centre culturel canadien, Paris
(2003) 76 pp 39 col. ill. 9x9 in / 22x22 cm 1896940269 $30.00
can./U.S.
Trouble in View / Trouble en vue : Marian
Penner Bancroft & Sylvie Readman
Catherine Bédard & Martha Langford
Four women, two photographers and two curators, push at the
boundaries of landscape photography by breaking down of the what
they identify as the "gender/genre" construct; an allusion to what
is traditionally the sex and the aesthetic of the landscape
photographer. In bringing together these two photographers for the
very first time, the curators challenge the hegemony of both
authorship and view, the photographic view even feminists have
come to call "masculine". Bancroft and Readman, each in her way
takes an oblique approach to landscape, the first through
autobiography (both her own and that of the site), and the second
through superimposition and multiple layers. As a result, each
successfully subverts photography's authoritarian stance.
Independent curator and author Langford writes on Vancouver's
Bancroft; the Cultural Centre's Catherine Bédard on
Montréal's Readman. Publication of the exhibition presented
in the 2002 edition of Paris' Mois de la Photo. In English and
French.
Un croisement de regards de deux artistes réunies
dans une conversation destinée à répondre
à une question: existe-t-il un regard féminin en
photographie, et que signifie "féminin" ? En quoi ce regard
contribue-t-il à une réflexion sur la photographie ?
Avec Marian Penner Bancroft et Sylvie Readman, sont réunies
deux artistes qui ont pratiqué depuis une vingtaine
d'années, une réflexion influente sur les genres
(regard sexualisé, "genderisé", porté sur les
traditions esthétiques) et une réflexion,
complémentaire, sur l'identité.
Présenté dans la section "Femmes d'images" du Mois
de la photo à Paris 2002. Marian Penner Bancroft vit et
travaille à Vanvouver. Sylvie Readman vit et travaille
à Montréal. Avec deux textes en français et
anglais.
Canadian Culturel Centre / Centre culturel canadien, Paris (2002)
114 pp 41 ill. (21 col.) 7.5x9.5 in / 18x24 cm 1896940242
$30.00
Ken Lum
Catherine Bédard
Lum's The Shopkeeper's Series - plastic and metal signs for
a motel, a restaurant, a hairdresser's - mime the real signs found
in working class areas on the edge of any city and often populated
by people from some of the most devastated parts of the world. But
beneath the apparent celebration of multiculturalism and social
integration are exposed the ramifications of the systematic
displacement of peoples. Seducing the viewer by their festive air,
the signs' jarring textual charge ignites a discourse that is at
once universal (globalization and mass migrations) and personal
(individual lives and ethnicity). But Lum raises doubts and seems
to leave them unresolved. Are the signs real or fictional? The
views are real, but whose are they - and who are they for? More
discreet but equally efficient, Lum's Four French Deaths in
Western Canada (produced especially for this exhibition) further
documents the personal costs of migration while inventing a new
kind of portraiture. The publication contains over 30 colour
illustrations including 8 full page virtual reproductions of Lum's
real-size signs. Essay in English and French.
Cette publication sur l'artiste canadien, figure majeure de
l'art contemporain internationale, aborde la question du rapport
entre mots et peinture. Par rapport aux oeuvres antérieures
alliant image et texte, il y a dans les deux séries
présentées ici, un passage au texte que l'auteur
identifie comme un "outre-passage" du texte. Son analyse du The
Shopkeepers Series révèle que, derrière
l'apparence d'une célébration du multiculturalisme
et l'intégration sociale, il y a une volonté de
signifier l'instabilité des individus qui conduit à
l'idée du déplacement. L'oeuvre présente une
réflexion sur la frontière entre la privée et
le public.Les photographies et les peintures de Ken Lum ont
parcourues le monde, notamment à l'Ecole de Beaux-arts de
Nancy, FRAC de Haute-Normandie, Musée d'art moderne de la
Ville de Paris, L'Ecole nationale supérieure des
Beaux-arts, l'Art Gallery of Vancouver et au Mois de la Photo de
Montréal 2001. Professeur à la University of British
Columbia, Lum vit et travaille à Vancouver.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(2002) 104 pp 32 ill. (29 col.) 12x 8 in./30x24 cm softcover
1896940234 $34.00
Ed Pien : Deep Waters
Christophe Domino
Catalogue d'une exposition tenue au Centre culturel canadien
à Paris au printemps 2002. Le travaille de Pein, une
conjoncture du dessin et installation et augmenté par les
projections vidéo, crée un monde à la fois
féerique et monstrueux. Selon Domino, les dessins sont
d'une présence tactile qui "prend le visiteur dans une
sollicitation immédiate, non au travers de
l'autorité de la terreur mais par l'incitation à
voir. Les monstres de Pien appartiennent à une
généalogie du monstre qui va du grotesque de la
période romaine à Bosch et qui passe par les
Symbolists." Parmi les lieux d'expositions récentes de Ed
Pien : The New Paradise (Taipeh), Oboro (Montréal), Drawing
Center (New York) et La Biennale de Montréal. Il vit et
travaille à Toronto. Christophe Domino est l'auteur de
Les Années pop, Bacon: Monstre de peinture,
et Henri Matisse et le Maroc (Gallimard) ainsi que des
livres sur la collection moderne et les collections contemporaines
du Centre Pompidou (Scala). En français et
anglais.
Pien's powerful drawing-based installations are unique
among contemporary artistic practice. In the Spring of 2002 he
took over Canadian Cultural Centre in Paris and, augmenting his
drawings with lighting and video projections, bathed entire rooms
in a world at once fanciful and grotesque. Domino describes the
experience. "Deep Waters has a tactile presence that grabs the
visitor, not through terror but by inciting the gaze... Pien's
monsters belong to a genealogy that runs from Roman grotesque and
to Goya while passing through the Symbolists. Pien's Asian
heritage is thrown in with references to the line in calligraphy,
his animal repertory and shadow theater." This most recent in a
growing body of publications dedicated to the Toronto-based artist
is testament to a flourishing international reputation. Ed Pien
has exhibited at The New Paradise (Taipei), the Museum of
Contemporary Canadian Art (Toronto), The Drawing Centre and the
Asian American Arts Centre, both in New York. Christophe Domino is
the author of numerous books on contemporary art, notably
Francis Bacon: Painter of a Dark Vision (Abrams) and
Contemporary Art: The Pompidou Collection (Scala ). In English and
French.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(2002) 74 pages 31 ill. coul. 25x17 cm./9.5x6.5 in. 1896940226
$29.00
Paris: Photographs by Geoffrey James / Paris :
Photoghraphies de Geoffrey James
Hubert Damisch
For the past twenty years Geoffrey James has been engaged in
photographing the man-made landscape, from European gardens and
the Roman campagna to the work of the great American landscape
artist Frederick Law Olmsted, the creator of New York's Central
Park. But whether photographing modern parks or the antique
countryside, his aim has always been to record places charged with
both history and myth. Now he has chosen Paris. In his essay,
Hubert Damisch writes about James' ability to present the ancient
capital with its intense modernity and bustling population, as if
it were an archeological site. Nearly always empty of human
presence, his photographs of the Porte Saint-Denis, the Boulevard
Saint-Martin or the Opéra Bastille focus on the city
itself. Damisch, a native Parisian, gives us a glimpse of what
James has seen. We see the quartiers that haunted André
Breton and the Surrealists, the Passage de l'Opéra made
famous by Aragon, the narrow streets so dear to Walter Benjamin
and places which for Damisch himself hold strong childhood
memories of the German Occupation. In forty-four tritone
reproductions, some immediately identifiable as Parisian and
others not, James reveals the immense force concealed within this
city. In English & French.
"J'ai parlé de livre. Car c'est bien d'un livre
qu'il s'agit en effet ici, constitué qu'il est d'une suite
de photographies de sites ou de lieux urbains, certains
immédiatement identifiables comme "parisiens", d'autres
moins, et qui correspondent, une fois reconnus comme tels, aux
étapes d'un parcours qui se laisse sans trop de
difficultés reporter sur un plan de la capitale, à
la façon dont chaque page d'un livre a dans son volume sa
place assignée. Ce n'est certes pas là chose
nouvelle pour un photographe dont le travail se résume
à ce jour à un ensemble de publications qui ont
tou-tes partie liée avec la géographie et la
topographie." En français et anglais.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris
(Paris) (2001) 112 pages 44 ill. 10x10 in. / 25x25 cm. 1896940218
$40.00 (Can./U.S.)
Aganetha Dyck
Estelle Pagès, Roger Balboni & Sylvie
Marandon
Closely tied to the domestic sphere and to the customs and habits
of manual labour, which she transfigures to suggest either anxiety
or humour, Aganetha Dyck is concerned with the individual's place
in the community. "More than transformations, a key element here
is the metamorphosis of objects by temporarily relinquishing them
to the labour of bees, or with other objects, notably clothes,
putting them through intensive wash cycles. Though still
recognizable, the process by which they have been kneaded and
wrung has nonetheless moved them far enough away from their
original context to make their meaning lie in displacement."
Included in the publication are a lexicon of Dyck's oeuvre and an
interview. In English & French.
Etroitement liée au monde domestique, aux coutumes,
aux habitudes de travail manuel, qu'elle transfigure de
manière à en suggérer tantôt l'angoisse
tantôt une dimension humoristique, Aganetha Dyck
d'intéresse à la place de l'individu sans la
communauté. "Plutôt que transformer, l'un des enjeux
est de métamorphoser les objets en les livrant un temps au
labeur des abeilles ou pour d'autres, notamment les
vêtements, en leur faisant subir des lavages intensifs ;
tout en restant reconnaissables et identifiables, le processus
dans lequel ont été malaxés les a
suffisamment décalés de leur contexte initiale pour
que leur signification soit de l'ordre d'un déplacement."
Français et anglais.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(2001) 96 pp col. ill. 8x6 in. / 21x16 cm. 189694020x $22.00 (Can./U.S.)
Arnaud Maggs: Notes Capitales
Russell Keziere et Catherine Bédard
Photographe réputé pour ses portraits depuis les
années 70, Arnaud Maggs a graduellement changé de
direction en remplaçant la face humaine avec les vrais
« signes de vie » humaine comme point d'investigation.
Les deux séries représentées ici sont la
nouvelle préoccupation de l'artiste avec les signes, qu'ils
soient publics (Hôtels) ou privés (Notification). Le
site de sa recherche photographique est Paris, la Capitale du
titre. A travers les déambulations dans ses rues et la
recherche dans ses archives, les "notes capitales" du photographe
sont intimement liées à cette ville qui était
elle-même le thème d'édition 2000 du Mois de
la Photo à Paris. 93 pages 36 ill. (22 coul.) 25x20 cm.
189694017x $35.00
Having first gained recognition in the 1970s with his
photographic portraits, Maggs has gradually turned his focus away
from the human face toward the very signs of human existence - the
public signs that mark any pedestrian's path and the more obscure
signs of human lives. The site of his photographic research is
Paris, the Capital referred to here. His wandering its streets has
produced the series "Hotels" and his investigation of its
archives, the series "Notification." Both series converge as a
celebration of the city which was itself the theme of its Mois de
la photographie 2000. Keziere writes eloquently of "Notification",
a huge mural composition of nearly 200 colour photographs of death
notices while Bédard provides an detailed review of the
artist's long and celebrated career. Arnaud Maggs (b. 1926) lives
and works in Toronto. He has exhibited widely, most notably at the
National Gallery of Canada, the Art Gallery of Ontario and The
Power Plant. In English & French.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(2000) 75 pp. 36 ill. (22 coul.) 10x8 in./25x20cm. 189694017x
softcover $35.00
Identités flottantes
/ Wavering Identities.
Catherine Bédard Jean Pelchat et Alain Turgeon.
Un artiste né au Québec et travaillant en France -
Louis Couturier - et un artiste né en France et
travaillant au Québec - Jacky Georges Lafarge - sont
à l'origine de cette installation d'art public où il
est question du regard posé par un citoyen immigré
sur son pays d'origine et sur son pays d'adoption. En utilisant la
forme symbolique du drapeau et en respectant les
caractéristiques à l'identité nationale
symbolisé par le drapeau, les artistes ont conçu des
portraits d'immigrés composés d'une figure en pied
situé au centre et flanquée d'une image
évoquant le pays d'origine et son pays d'accueil. Les
textes traitent l'événement en termes d'exile, de
l'intégration, de l'identité national et de la
globalisation. Parmi les neuf individus
séléctionnés se trouve Wajdi Mouawad,
dramaturge et directeur du Théatre de Quatre Sous à
Montréal.
An artist born in Québec and working in France -
Louis Couturier - and an artist born in France and working
in Québec - Jacky Georges Lafarge - are at the
origin of this international public installation that focuses on
how immigrant citizens regard their countries of origins and
adopted lands. By using a flag's symbolic form and respecting the
characteristics of national identity, the artists centred
life-size portraits of immigrants from various parts of the world
between images of both the original and adopted countries. The
essayists situate the event in terms of exile, integration,
national identity and globalization.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(2000) 93 pages 20 ill. coul. 6x9 in./15x23 cm. 1896940188
$20.00
Nadine Norman: Call Girl
Bernard Comment, Catherine Bédard & Nathalie
Giraudeau
Preceded by an extensive media blitz, 'Call Girl' was a living
installation which offered to anyone who desired it a thirty
minute meeting with a call girl. Two stipulations defined the
nature of the proposed exchange: that it be 100% all talk, and
that it take place at the Canadian Cultural Centre in Paris.
Through the formalization and "theatricalization" of the
subsequent events (the call girls were impersonated by actresses),
the artist sought to confront the visitor with the expectations he
or she has in relation to a woman as an object of sexual fantasy.
In the end, demand well exceeded supply. At the same time Norman
set up an on-line installation based on the Homeric myth of
Penelope, the paragon of womanly faithfulness, wherein she
questions the emancipation of the female artist from her
traditional venues of intervention. Bédard outlines the
complicated logistics of setting up such an event. Comment
provides an Homeric response to Norman's Penelope, and Giraudeau
comments on the on-line installation. Text in English &
French.
Catherine Bédard et Nathalie Giraudeau. Cette
installation-performance offrait à celles et ceux qui le
souhaitaient un rendez-vous avec une "call girl" et le
bénéfice d'un tête-à-tête avec
elle. Deux limitations définissaient la nature de
l'échange, l'une fondée sur la nature du service
(100% dialogue), l'autre sur le contexte de la rencontre (le lieu
officiel et public du Centre cultural canadien. Accomapgné
de trois textes sur l'organisation d'un tel
événement, la réaction du public (si grande
qu'elle a dépassé la demande) et les buts de
l'artiste.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris
France (2000) 124 p., 72 ill. (57 col) 7.5x6.5 in. 1896940153
$27.00
Sylvia Safdie: Other Places / Autres territoires
Gérard Wajcman
Manifestly diverse, this work is unified by the elementary nature
of its materials (glass, metal, earth). From the human profiles
sketched in the drawings to the dissolution of objects in their
reflection, Safdie invites us to gaze. Our initial surprise turns
to the contemplation of loss. Wajcman situates Safdie's extremely
personal work within a widely shared problematic, both local and
global, private and collective, ancestral and contemporary. Born
in Libya, raised in Israel and now a Montreal resident, Safdie has
exhibited in Toronto, Chicago, New York, San Diego, Copenhagen and
Beijing. Most recently she exhibited and participated in the
conference "Evocation of the Holocaust in Contemporary Canadian
Arts". In English and French.
Dans sa diversité manifeste, le travail de l'artiste
montréalaise trouve son unité à la fois dans
le caractère élémentaire de ses
matériaux (le verre, les métaux, la terre) et dans
sa démarche artistique. Depuis les silhouettes humaines
jusqu'à la dissolution des objets dans leurs reflets,
Safdie invite à regarder. Français / Anglais.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(2000) 84 p., 59 col. ill., 12x8 in. 1896940161
$32.00
Continuity and Rupture / Continuité et rupture.
Donigan Cumming.
Text of a conference given by the Montreal-based photographer and
filmmaker while on tour in France. "The continuity in my work is
to raise questions about documentary practice...even as I present
the realities of social conditions."
Transcriptions d'une conférence donnée par le
photographe et réalisateur montréalais lors d'une
tournée en France. "La continuité qui anime mon
travaille tient à la volonté de soulever des
questions sur la pratique documentaire...même lorsque je
présente la réalité des conditions sociales."
Texte en Français et Anglais.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(2000) 23 p., 12 ill.. 9x5 in./21x12 cm. 1896940145
$10.00
Gisele Amantea: In Your Dreams
Stéphane Aquin
The artist takes a sentimental, romantic and universal approach to
presenting a tableau of the history of women as seen in the cinema
of the 1940s and 1950s. Employing the McLuhanian concept, "the
medium is the message", Amantea imbues tiny everyday snow cones
with extracts from films by Felini and Hitchcock as well as
musical comedies featuring personalities such as Esther Williams
and Josette Day thereby creating an exquisite allegory of women's
submission to love and their vain and tragic
resistance.
L'artiste propose, d'une façon sentimentale,
romantique et universelle, un tableau de l'histoire des femmes
capté par le cinéma des années 40-50. Elle a
su exploiter et condenser le principe de McLuhanian , selon lequel
"le médium est le message" et insérer dans les
bulles de verre des extraits de films de Felini et Hitchcock,
ainsi des images d'Esther Williams et Josette Day. L'ensemble
compose une étrange allégorie de la soumission de la
femme à l'amour et de sa vaine et tragique
résistance.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(1999) 63 p., 20 col. ill., 5.5x8 in. (14x20 cm.) 1896940137
$20.00 (pb)
Alan Storey: Drawing Machines
Catherine Bédard
Of all the inventions of Alan Storey, his drawing machines are the
ones which constitute the central cortex of a multiform production
where each project has the look of a laboratory project since it
is only outside the studio, in the exhibition space, that the work
creates itself. A critical essay accompanies a detailed
presentation by the artist of the "construction" of his young but
already massive oeuvre.
De toutes les inventions d'Alan Storey, les machines
à dessiner constituent le centre nerveux d'une production
multiforme où chaque projet a l'allure d'une
expérience de laboratoire car le lieu où l'oeuvre se
rend visible est la salle d'exposition même. Un texte
critique accompagne une présentation
détaillée de la "construction" de cet oeuvre jeune
et déjà monumentale.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(1999) 75 p., 37 ill. (20 col.)
8x8 in. (20x20 cm.) 1896940129 $25.00
Osopikahikiwak: Jane Ash Poitras & Rick
Rivet
Catherine Bédard, Gerald McMaster, Barry Ace,
Elisabeth Védrenne
"Osopikahikiwak" means "painters" in Cree. Poitras and Rivet are
Native Canadians whose practice and concept of painting is marked
by a wish to perpetuate the symbols and images whose pictorial
elaboration illustrates a tragic destiny. Poitras' paintings -
layered with photographs, text and hieroglyphics - are strong,
bright and immediate, visually and politically charged, and full
of memory. Rivet's paintings are half-toned, less obvious and more
mysterious. Drawn from shamanic symbolism, his figurative images
have been submerged into a quiet, melodious whole blending
abstract-expressionism, primitivism and
graffiti.
"Osopikahakawak" signifie "peintres" dans le langage Cree.
Poitras et Rivet sont des Amérindiens canadiens pour
lesquels la pratique et la conception de la peinture sont
profondément marquées par le souhait de
perpétuer des symboles et des images dont
l'élaboration du tableau monte un destin tragique. Poitras
fait une peinture puissante, immédiate, très
imagée et engagée, et haute en couleurs. L'oeuvre de
Rivet est plus composée et mystérieuse. Tirés
d'une tradition chamanique, ses images figuratives se
métamorphose en formes minimales submergées dans une
ensemble médiataive composant l'expressionisme abstrait, le
primitivisme et le graffiti.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(1999) 115 p., 32 col. ill., 8x8 in / 21x21 cm, 1896940110
$32.00
Refus global : le manifeste du mouvement automatiste / Manifesto
of the Automatist Movement
François-Marc Gagnon & René Viau
Une série d'essais académique, photographies et
illustrations couleur composent un regard historique de ce
mouvement artistique et social marquant. Publié lors de
l'occasion de la première exposition sur le movement
automatiste tenue à l'extérieur du
Canada.
Scholarly essays, photographs and full-colour plates
comprise this historical overview of this important artistic and
social event. Published on the occasion of the first comprehensive
Automatist exhibition outside of Canada.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(1998) 126 p., 42 ill.(26 col.), 9.5x7 in / 24x18 cm, 1896940080
$32.00
André Martin: Chroniques et autres
révélations
Texte de Catherine Bédard. Entretien avec
Jérôme Sans
Dans cette présentation de deux projets - Le Parfum de la
dame en noir et Chroniques de l'Express - l'artiste joint le mot
à l'image pour jouer à la fois sur le registre de
l'intimité dévoilée et sur celui, proprement
photographique, de l'apparition.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(1998) 113 p., ill., 6x4.5 in / 15x12 cm, 1896940099
$22.00
Alain Laframboise, Ian Paterson:
Théâtre pour voir / Performing Eyes
Catherine Bédard, Daniel Arasse
Le catalogue de la première exposition d'art contemporain
canadien présenté à Sarajevo. Laframboise
présente un montage de formes découpées
à la manière du processus du rêve. Le
bricolage de Paterson tend à faire surgir une dimension
temporelle via plusieurs techniques du sténopé ou
par grattage au revers du négatif.
The catalogue of the first Canadian contemporary art
exhibition in Sarajevo. Laframboise presents dreamlike
photo-montages while Paterson stresses the materiality of his
photographs through techniques like writing on and scratching the
negatives.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(1998) 92 p., 51 ill.(16 col.), 12x8 in / 30x20 cm, 1896940072
$24.00
Diane Gougeon: Pièces
détachées
Anne Cauquelin
L'artiste interroge, utilise, puis détourne une certaine
forme de violence, violence inusitée par la matière
même de ses sculptures qui nous plongent dans
l'ambiguïté de l'apparence.
The artist questions, uses, and finally undermines the
violence inherent in her sculptures thereby forcing the viewer to
question their appearances.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(1997) 56 p., ill., 9x8 in / 23x21 cm, 1896940064
$16.00
Pat Badani: Tower-Tour
Catherine Bédard, Christophe Domino
L'artiste mêle des langages plastiques radicalement
différents les uns des autres (planches explicatives,
vidéos, sculptures, installations) qui s'ajustent dans un
labyrinthe déroutant qui épouse ses
expérimentations.
The artist produces an intriguing labyrinth through the
incorporation of radically different media: descriptive boards,
video, sculpture, installation.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(1997) 50 p., ill., 8x5.5 in / 21x14 cm, 1896940048
$16.00
L'Immatériel
photographique: Du fanstastique, du grotesque / The Photographic Immaterial: Of the Fantastique and the
Grotesque.
Catherine Bédard, Martha Langford.
Une rencontre de quatre univers d'artistes: Sophie Bellissent,
Dyan Marie, Christiane Gauthier, et Ann
Mandelbaum. Chaque oeuvre propose une réflexion sur une
image fixe.
A meeting of four artistic worlds, that of Sophie
Bellissent, Dyan Marie, Christiane Gauthier and
Ann Mandelbaum. Each work incites a reflection on the fixed
image.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France
(1997) 96 p., ill., 8.5.5 in / 21x24 cm, 1896940005
$20.00
Lorraine Fontaine -
Jacqueline Salmon.
Catherine Bédard, Dominique Baqué.
Salmon érige des « stèles photographiques
» à la force d'images de la nature transfigurée
en emblèmes totémiques. Les installations de
Fontaine construisent un territoire où l'essence de la
nature s'inscrit dans une rigueur spatiale qui relève aussi
du plein et du vide.
Through the manipulation of images drawn from nature,
Salmon creates monolithic monuments impregnated with totemic
meanings. Fontaine's installations map a territory where natural
forms dissolve into a kind of spatial vacuity.
Canadian Cultural Centre / Centre culturel canadien, Paris France.
(1997) 70 p., ill., 9x9 in / 22x23 cm, 1896940021
$16.00
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