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Musée d'art contemporain de Montréal





Musée d'art contemporain de Montréal


Teresa Margolles : Mundos
John Zeppetelli, Jean-Philippe Uzel, Thérèse St-Gelais, Lourdes Morales & Emeren Garcia

mondos.jpgspacer.gifLa violence et la mort sont des sujets de prédilection dans l’art sociopolitique de Teresa Margolles. Depuis plus d’une trentaine d’années, l’artiste Mexicaine développe une pratique en réaction à la violence endémique qui ravage son pays (narcotrafic et morts violentes qui en découlent, marginalités et exclusions, féminicides et injustices sociales). Cette monographie documente un ensemble d’œuvres créées pour la plupart au cours de la présente décennie, de même que quelques pièces inédites. Y seront présentées, entre autres, des installations sculpturales et photographiques, des interventions performatives et des projections vidéographiques. À la fois sobre et d’une puissance émotive désarmante, l’œuvre de Margolles nous ment vers les univers de ceux et celles dont les vies sont rendues invisibles. Teresa Margolles est née en 1963 au Mexique. Elle a représenté le Mexique à la 53e Biennale de Venise et ses œuvres ont été exposées à, notamment, Guggenheim Museum, Los Angeles County Museum of Art, et Museum für Moderne Kunst (Frankfurt). Elle a été récipiendaire de nombreux prix dont, notamment, celui de l’organisation Artes Mundi de Cardiff, le prix le plus prestigieux décerné en Grande-Bretagne à un artiste dont l’œuvre traite de « la réalité sociale, l’expérience vécue et la condition humaine ». En français et anglais.
Violence and the dead are major thematics in the sociopolitical art of Teresa Margolles. Born in Culiacán, Mexico, Margolles unfalteringly exposes the social causes and consequences of the endemic violence that ravages her country: violent deaths from the drug trade, exclusions, feminicides, and social injustice. Many of her works consist of substances or objects that have been in close contact to violent crimes and dead bodies, such as water with which corpses have been cleaned, blood-soaked earth, or fabric drenched in body fluids. This monograph brings together works from the past decade, along with pieces that have never been shown before, including sculptural and photographic installations, performative interventions and videos. Spare, yet powerfully moving, Margolles’s work reaches out and brings the viewer into the world of those whose lives have been made invisible. Teresa Margolles (born 1963) represented Mexico at the 53rd Venice Biennial and has had numerous solo exhibitions at, notably, the Guggenheim Museum, Los Angeles County Museum of Art, and Museum für Moderne Kunst (Frankfurt). Margolles is the recipient of the 2012 Artes Mundi prize in Cardiff, the most prestigious award in the United Kingdom to an artist who engages with “the human condition, social reality and lived experience.” In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (04/2017) 120 pp 25 x 20 cm souple / softcover   9782551258307   $27.95 Can. $29.95 U.S.





Emanuel Licha : Et maintenant regardez cette machine

Lesley Johnstone, Volker Pantenburg et Susan Schuppli

Elicha.jpgspacer.gifBeyrouth, Sarajevo, Gaza, Kiev, Belgrade - ces lieux sont liés de manière indélébile à la guerre et au conflit de notre époque. Pour les Occidentaux, ces lieux existent en même temps dans un espace flou entre la réalité et la fiction. Entre les communiqués gouvernementaux et les rapports non officiels qui racontent des histoires d’attaques, d’émeutes, et de représailles, la réalité sur le terrain est difficile à décerner. Donc, comment voir ce que l’on sait? La question résonne à travers l’œuvre de Emanuel Licha, qui a passé 10 ans explorant les perspectives des combattants et des journalistes de guerre. Publiée à l’occasion d’une exposition itinérante, cette publication documente la version installative de Hotel Machine, un documentaire de création. Tourné dans plusieurs havres de paix pour des journalistes de guerre, le film est projeté au centre d’un espace entouré de cinq postes d’archives où sont explorés les aspects du concept d’« hôtel de guerre » au moyen de textes, d’images et d’autres documents. Ce qui est révélateur, le titre de la publication est tiré de Dans la Colonie pénitentiaire de Kafka. Emanuel Licha est né à Montréal en 1971. Parmi ses expositions au Québec, mentionnons celles qui ont été présentées au Musée régional de Rimouski, ainsi qu’à la Galerie SBC et à la Galerie B-312. En Europe, le travail de Licha a été présenté au festival LOOP 09, à Barcelone; à la Galerie Cortex Athletico, à Bordeaux; au Centre Culturel Canadien, à Paris; à Careof, à Milan; et à l’Institut d’art contemporain de Pristina. Il a également fait l’objet d’une exposition au Museo Ex Teresa Arte Actual, à Mexico. Lesley Johnstone est conservatrice et chef des expositions et de l’éducation au Musée. Elle est auteure des monographies sur Valérie Blass, Lynne Marsh, Eve Sussman et Liz Magor. Volker Pantenburg est professeur en études cinématographiques à Universität libre de Berlin et co-fondateur de l’Institut Harun Farocki. Susan Schuppli est une artiste installée à Londres ou elle est est directrice par intérim au Centre for Research Architecture, au Goldsmiths College. En français et anglais.





Beirut, Sarajevo, Gaza, Kiev, Belgrade - these places are indelibly linked to war and conflict in the modern era. In the minds of most Westerners, they also exist in a hazy mix of fact and fiction. Between official government statements and unofficial reports of attacks, riots, uprisings and reprisals, reality on the ground is hard to determine. So, how can we know what we know? The question resonates through the work of filmmaker and artist, Emanuel Licha, who has spent the past 10 years exploring the front-line perspectives of both participants and journalists. Published to accompany a nationally traveling exhibition, this publication documents an installation version of Licha’s creative documentary Hotel Machine. Filmed in the hotels and safe-havens that house war correspondents, the film is presented in a central space surrounded by five adjacent archive stations, which through texts, images and other documents explore aspects of the concept of the “war hotel.” For Licha, the hotels represent “gaze shapers” that play a central role in the landscape of war and in his own work. Photographer and filmmaker Emanuel Licha was born in Montréal in 1971. Recent solo exhibitions have been held at the SBC Gallery, Montréal; LOOP 09, Barcelona; Galerie Cortex Athletico, Bordeaux; Canadian Cultural Centre, Paris; Careof, Milan; Institute for Contemporary Art, Pristina; as well as at Ex Teresa Arte Actual, Mexico City. He is based in Paris and Berlin. Lesley Johnstone is curator and Head of Exhibitions and Education at the Musée and has authored monographs on Valérie Blass, Lynne Marsh, Eve Sussman and Liz Magor. Volker Pantenburg is Professor of Film Studies at Freie Universität, Berlin and author of Farocki/Godard: Film as Theory (2015) and Cinematographic Objects: Things and Operations (2015). He is co-founder of the Harun Farocki Institut. Susan Schuppli is a U.K.-based artist and Senior Lecturer and Acting Director of the Centre for Research Architecture, Goldsmiths University of London. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (02/2017) 144 pp 25 x 19 cm souple/softcover   9782551256945   $29.95 Can. $29.95 U.S.

Liz Magor
Dan Adler, Lesley Johnstone, Liz Magor, Heike Munder & Bettina Steinbrügge
Contributions : Ian Carr-Harris, Géraldine Gourbe, Trevor Mahovsky, Isabelle Pauwels, Chris Sharp & Corin Sworn


magor.jpgspacer.gifLiz Magor est une des artistes les plus importantes de sa génération au Canada et, certainement, la sculpteure canadienne la plus influente des trente dernières années. Ce survol s’attache aux sculptures et aux installations des quarante dernières années. Du contexte mental et physique de la consommation de masse jusqu’aux espaces du musée, en passant par les univers intérieurs et secrets de la dépendance et du désir, l’œuvre de Magor allie un haut degré de rigueur conceptuelle et méthodique à une recherche fouillée de matériaux tels le filage, les textiles, le caoutchouc et le gypse polymérisé. Enfin, toute la pratique de Magor se caractérise par la somptuosité de ses diverses couches et par sa remarquable capacité à fondre entre elles ses multiples références et les usages culturels de disposition, compulsion et consommation. La richesse visuelle et émotionnelle qui émane du travail de Liz Magor fait d’elle une artiste conceptuelle des plus intrigantes de sa génération. Cette monographie accompagne l’exposition la plus ambitieuse jamais présentée. Trois essais analysent le trajet surprenant et multidisciplinaire de l’artiste tandis que six textes sont offerts par des artistes, des commissaires et des admirateurs. Co-éditée avec Migros Museum für Gegenwartskunst et Kunstverein Hamburg. Liz Magor est une artiste travaillant à Vancouver. Ses expositions individuelles ont eu lieu à Triangle France, Power Plant, Musée des beaux-arts de l’Ontario, Vancouver Art Gallery et Musée des beaux-arts du Canada. Elle est la récipiendaire du prix Gershon Iskowitz en 2015, de l’Audain Prize en 2009 et du Prix du Gouverneur général en 2001. En 1984 elle représentait le Canada à la Biennale de Venise. Dan Adler enseigne l’histoire de l’art à l’Université York à Toronto. Lesley Johnstone est conservatrice en chef des expositions et de l’education au Musée. Heike Munder est directrice du Migros Museum für Gegenwartskunst de Zurich. Bettina Steinbrügge est directrice de la Hamburg Kunstverein. En français et anglais.





Liz Magor is one of the most important Canadian artists of her generation and certainly its most influential sculptor, and this major monograph focuses on sculpture and installation produced over the course of forty years. From the mental and physical contexts of retail consumerism to the spaces of the museum to the private, interior worlds of addiction and desire, Magor’s oeuvre has consistently combined a high level of conceptual and procedural rigour with the intense investigation of materials, ranging from twigs and textiles to rubber and polymerized gypsum. Her practice is characterized by an ability to meld multiple references to cultures of display, compulsion, and consumption, making the case that this visual and emotional richness is one of the reasons why Magor is one of the most intriguing conceptual artists of her generation. Published to accompany the most ambitious exhibition ever devoted to Magor’s work, this thoroughly illustrated publication contains three scholarly essays as well as six texts from artists, curators and admirers of Liz Magor. Based in Vancouver, Liz Magor has being exhibiting for over 30 years, most notably at The Power Plant, Art Gallery of Ontario, Vancouver Art Gallery and the National Gallery of Canada. She is the recipient of the 2014 Gershon Iskowitz Prize, the 2009 Audain Prize for Lifetime Achievement and the 2001 Governor General’s Award. She represented Canada at the 1984 Venice Biennale. Co-published with Migros Museum für Gegenwartskunst and Kunstverein in Hamburg. Dan Adler is co-editor of German Art History and Scientific Thought: Beyond Formalism (2012). Lesley Johnstone is curator and Head of Exhibitions and Education at the Musée and has authored monographs on, notably, Eve Sussman and Valérie Blass. Heike Munder is the director of the Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich. Bettina Steinbrügge is the director of the Hamburg Kunstverein. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (06/2016) 264 pp ill. coul. 27 x 20 cm rigide/hardcover  9782551258291   $55.00





Edmund Alleyn : Dans mon atelier, je suis plusieurs / In My Studio I Am Many
Mark Lanctôt, Olivier Asselin, Vincent Bonin, Gilles Lapointe & Aude Weber-Houde

alleyn.jpgspacer.gifArtiste polyvalent et en constante mutation, Edmund Alleyn (1931-2004) a produit une série de corpus, sans hésiter à changer de médium. À ses débuts dans les années 1950, Alleyn peint des œuvres abstraites sous l'influence de Paul-Émile Borduas et Jean-Paul Riopelle, ses aînés. Sitôt maitrisée, la forme change et des défis formels plus personnels apparaissent. La période dite "indienne" vient alors incorporer à l'abstraction des symboles de la culture amérindienne. La palette de couleurs vives, incluant le rose et l'orange, confirme la force coloriste d’Alleyn. La période dite "technologique", où l'homme et la machine ne font qu'un, témoigne de l'intérêt de l'artiste pour l'évolution de l'homme dans une société de plus en plus automatisée. L'œuvre phare des années 1970 est sans contredit L'Introscaphe, une sculpture-habitacle proposant l'immersion du spectateur présentée au Musée d’art moderne de la Ville de Paris. Avec un retour à la peinture figurative, les sentiments de nostalgie et de bonheur perdu apparaissent dans des toiles qui traduisent l'état mental du peintre. La dernière période de travail culmine avec l'exposition Les Éphémérides en 2004 et reprend la cohabitation abstraction/figuration amorcée dans les années 1960. La vision s'est assombrie et le noir et blanc a supplanté la couleur foisonnante de sa jeunesse. Mettant en valeur une cinquantaine d’œuvres - peintures, dessins, films et œuvres technologiques - cette première monographie de carrière jette un regard sur les travaux créés de la fin des années 1950 jusqu’au début des années 2000. Abondement illustrée avec des œuvres de chaque medium et de chaque période, la publication accompagne la première rétrospective de l’artiste depuis son décès. Si l’oeuvre d’Edmund Alleyn revient sur le devant de la scène avec cette importance, c’est qu’elle marque le véritable passage, dans l’art d’ici, de l’art moderne à l’art contemporain. En français et anglais.L’artiste : Né à Québec en 1931 dans la communauté anglo-irlandaise, Edmund Alleyn étudie à l’École des beaux-arts de Québec auprès de Jean-Paul Lemieux. En 1958, il fait partie de la délégation canadienne à la Guggenheim International Award. En 1959, il remporte la médaille de bronze à la Biennale de Sao Paulo. En 1960, il est sélectionné pour représenter le Canada à la Biennale de Venise. Alleyn séjourne en France jusqu’à 1970. À son retour au Québec, l’artiste est frappé par les changements qui s’y sont opérés pendant son absence et son oeuvre en porte les manifestations. En 1990, il expose à la Galerie des Arts Lavalin et au 49e Parallèle à New York. Au Musée des beaux-arts de Sherbrooke en 2004, il présente son ultime série Les Éphmérides qui comprend douze grands formats sur toile ainsi que des lavis.


Les auteurs :
Mark Lanctôt est l'auteur des monographies sur Jon Rafman, Michel de Broin, Pierre Dorion, Marcel Dzama et Claude Tousignant. Olivier Asselin est professeur au Département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques de l’Université de Montréal. Il a coédité Precarious Visualities: New Perspectives on Identification in Contemporary Art and Visual Culture (2008) et L’ère électrique (2011). Vincent Bonin est auteur et commissaire indépendant. Il a été co-commissaire de Trafic : L’art conceptuel au Canada 1965-1980, en circulation au Canada et en Europe entre 2010 et 2014. Gilles Lapointe est professeur au Département d’histoire de l’art de l’Université du Québec à Montréal. Il est l’auteur de L’envol des signes : Borduas et ses lettres et La Comète automatiste. Il a coédité Edmund Alleyn, Indigo sur tous les tons ainsi que ses écrits sur l’art, De jour, de nuit. Aude Weber-Houde est candidate au doctorat en études cinématographiques à l’Université de Montréal.


A multidisciplinary artist before the invention of the term, Edmund Alleyn (1931-2004) moved from medium to medium creating a prodigious body of work. At a time when art was defined by movements and manifestos, Alleyn’s creative restlessness led him to break away from Greenbergian principles to explore new ground. In the 1950s, under the influence of Paul-Émile Borduas and Jean-Paul Riopelle, he mastered abstract modernism before taking a more personal path with a series of works influenced by West Coast Aboriginal art. By the 1970s Alleyn’s preoccupations turned to the growing presence of technology in society and his most emblematic work of the era is L’Introscaphe, an egg-shaped vessel that provided an immersive cinematographic environment. Unveiled at the Musée d’art moderne de la Ville de Paris in 1970, the work was experienced by hundreds of visitors. After several years in France he returned to Quebec where, inspired by the changes sweeping society, he sought to subvert the very art/spectator paradigm with a series of works on Plexiglas. Later in life Alleyn returned to painting, creating powerful works infused with sense of nostalgia and loss. His last creative period was marked by works mingling the abstract and the figurative much like those of his youth, except the once vivid colours have been replaced with somber blacks and whites. This career monograph reveals an artist whose practice truly embodies the transition from modernist to contemporary art. Magnificently illustrated with colour plates featuring works in every medium and from every period - as well as photographs from the 1950s until the 2000s - the book accompanies the first retrospective exhibition since the artist’s death. Scholarship by experts in the fields of art and film is enriched by the experiences of those who knew and worked with the artist. In English and French. Born 1931 in Quebec City into the English-Irish community, Edmund Alleyn attended the École des beaux-arts where he studied with Jean-Paul Lemieux. In 1958 he exhibited at the Guggenheim International and in 1959 won the bronze medal at the Sao Paolo Biennial. In 1960 he was selected to represent Canada at the Venice Biennial. Edmund Alleyn exhibited throughout his lifetime, primarily in Montreal and New York. Mark Lanctôt has authored major monographs on Jon Rafman, Michel de Broin, Marcel Dzama et Pierre Dorion. Olivier Asselin teaches at the Department of Art History at the Université de Montréal, and has authored and contributed to numerous publications notably Precarious Visualities: New Perspectives on Identification in Contemporary Art and Visual Culture (McGill-Queen’s University Press, 2008). Vincent Bonin is an independent author and curator who co-curated the exhibition Traffic: Conceptual Art in Canada (1965 -1980). Gilles Lapointe teaches art history at at the Université du Québec à Montréal and has authored and edited numerous publications, including Edmund Alleyn, Indigo sur tous les tons (2005) and By Day, By Night: Writings on Art (2013). Aude Weber-Houde is a doctoral candidate in film studies at the Université de Montréal. Musée d’art contemporain de Montréal (05/2016) 220 pages 100 ill. (60 coul.) 10.5 x 8.25 po/in souple/softcover   9782551257492   $39.95 Can. $39.95 U.S.




Dana Schutz

John Zeppetelli, Benjamin Klein & Robert Enright

Shutz.jpgspacer.gifNourri par les avant-gardes du début du xxe siècle, en particulier par le cubisme et l’expressionnisme, l’art de Dana Schutz est un extraordinaire et ludique collage dans lequel se heurtent de multiples références et allusions. On pourrait en comprendre les résultats grisants comme un dialogue productif avec l’histoire de la peinture et comme un testament fascinant de l’interminable et complexe agonie de la peinture. On peut comprendre également qu’elle utilise cette ancienne forme de production d’images pour contrecarrer et affronter le colosse impérieux de l’information qu’est Internet, où tout semble disponible : assemblages de Géricault, de films d’horreur, d’Ensor, de Picasso, de Guston, de porno, de pop, et bien plus. Cette publication accompagne une exposition originale - sa première au Canada - qui met l’accent sur les temps forts de sa production récente. Née en 1976, Dana Schutz est une artiste new-yorkaise dont la production des dix dernières années a exercé une influence notable dans le champ de la peinture contemporaine. Son travail a fait l’objet d’expositions aux Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto (2010), Neuberger Museum of Art (2011), Miami Art Museum (2012), Denver Museum of Contemporary Art et Denver Art Museum (2012), ainsi qu’aux Hannover Kesterngesellschaft et Hepworth Wakefield (2013). Ses œuvres se trouvent dans les plus grandes collections, notamment, au Solomon R. Guggenheim Museum, The Metropolitan Museum of Art, The Museum of Modern Art, The Museum of Contemporary Art Los Angeles, et Whitney Museum of American Art. John Zeppetelli est directeur et conservateur en chef au Musée d’art contemporain de Montréal. Benjamin Klein est un artiste, écrivain et conservateur indépendant qui travaille à Montréal. Robert Enright est conseiller de rédaction principal à la revue Border Crossings et il détient la chaire de recherche en théorie et critique d’art à l’École des beaux-arts et de la musique de l’Université de Guelph. En français et anglais.





Informed by early twentieth-century avantgardes, principally cubism and expressionism, Dana Schutz’s art is an extraordinary and joyful mash-up where a multitude of references and allusions collide. The exhilarating results can be understood as a productive conversation with the history of painting and as a compelling testament to painting’s complex and unending death throes. With its conflations of Géricault, horror films, Ensor, Picasso, Guston, porn, and pop culture, her work appears to counter and confront the imperious Internet information colossus, where everything is available at once. This fully bilingual publication accompanies an original exhibition of new and recent work and documents Schutz’s first exhibition in Canada. Born in 1976, Dana Schutz is a New York based artist whose work over the past decade has had a notable influence on contemporary painting. She has had solo exhibitions at, notably, Miami Art Museum (2012); Denver Museum of Contemporary Art and Denver Art Museum (2012); and Hannover Kesterngesellschaft and Hepworth Wakefield (2013). Her work is found in numerous collections including the Solomon R. Guggenheim Museum, Los Angeles County Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, The Museum of Modern Art, The Museum of Contemporary Art Los Angeles, and Whitney Museum of American Art. John Zeppetelli is Director and Chief Curator at the Musée d’art contemporain de Montréal. Benjamin Klein is a Montreal-based artist, writer and independent curator. Robert Enright is the senior contributing editor for Border Crossings magazine and the University Research Chair in Art Theory and Criticism in the School of Fine Arts and Music at the University of Guelph. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (10/2015) 72 pp 33 ill. coul. 10 x 9 po/in   rigide/hardcover   9782551256952   $22.95 Can. $24.95 U.S.




Jon Rafman

Mark Lanctôt, Sandra Rafman

Rafman.gifspacer.gifL’artiste montréalais a capté l’attention de milieu artistique international avec son projet photographique, The Nine Eyes of Google Street View, une collection des centaines d’images judicieusement tirées des blogues et des recherches d’internet. Explorateur et archiviste de la culture web, Jon Rafman examine la nature changeante de l’identité personnelle au sein d’une société contemporaine. L’ensemble de sa production, qui intègre vidéos, installations, sculptures, photographies et peinture, interroge les limites du virtuel et du réel, de l’historique et du personnel, de la mémoire et du subjectif. En combinant des éléments provenant des mondes matériels et virtuels, Rafman souligne l’aisance avec laquelle la traduction entre ces deux langages s’effectue, modelant par le fait même notre perception de nous-même ainsi que la façon dont nous établissons un contact avec notre environnement. Le travail de l’artiste, en questionnant les limites entre ces deux sphères d’idées, semble s’inscrire dans un tiers espace indéterminé, singulier quoique familier. Cette première monographie, publiée si tôt dans la carrière de l'artiste, témoigne de la pertinence da sa pratique. Jon Rafman est né en 1981 à Montréal où il vit et travaille toujours. Il connaît déjà un succès remarquable avec des expositions au New Museum (New York, 2010), à la Saatchi Gallery (Londres, 2012), au Museo d'Arte Contemporanea (Rome, 2010), au Palais de Tokyo (Paris, 2012) et au Fridericianum (Kassel, 2013) ; et articles dans les revues Artforum, Art in America, Modern Painters et Frieze. L’artiste a récemment été nominé pour le Sobey Art Award et a été nominé pour le prestigieux Future Generation Art Prize. Mark Lanctôt est auteur de monographies sur Marcel Dzama, Michel de Broin et Pierre Dorion. Sandra Rafman est une psychologue pédiatrique et auteure de plusieurs ouvrages dans son champ d’expertise. En français et anglais.






Jon Rafman recently caught the art world’s attention with his ambitious photo project The Nine Eyes of Google Street View, a collection of hundreds of images carefully selected from blogs and searches. Hauntingly evocative, the work utilizes extremely personal moments to reveal how digital ephemera and media shape our desires and threaten to define our being. Since his appearance on the international art scene just a few years ago Rafman has garnered remarkable success and this first monograph, produced so early in his career, attests to the pertinence of his practice. Using a wide range of media Rafman blurs the boundaries between virtual and physical realities with works that can be either digital or material, found or made. By moving back and forth from video and photography to sculpture and painting, he brings attention to how such a transformation has become intuitive for us, changing the different ways in which we know ourselves, and how we perceive and relate to the world around us. Though Rafman rarely takes a moral stance toward the messaging behind his art, it consistently asks us to evaluate what it means to be human in the context of these new and ambiguous digital realms. Jon Rafman was born in 1981 in Montreal where he continues to live and work. His works have been exhibited at the New Museum (New York, 2010), Saatchi Gallery (London, 2012), Museo d'Arte Contemporanea (Rome, 2010), Palais de Tokyo (Paris, 2012) and Fridericianum (Kassel, 2013). His work has been featured in Art in America, Modern Painters, Artforum, Frieze, and the New York Times. Jon Rafman was a nominee for the prestigious Future Generation Art Prize in 2014 and has been nominated for the 2015 Sobey Art Award. Mark Lanctôt has authored major monographs on Marcel Dzama, Michel de Broin and Pierre Dorion. Sandra Rafman is a developmental and pediatric psychologist and a published author in her field. In English and French. Musée d’art contemporain de Montréal (06/2015) 192 pp ill coul. rigide / hardcover   9.5 x 9.5 in/po   9782551256877   $35.00 Can. $37.00 U.S.





La Beauté du geste : 50 ans de dons au Musée d'art contemporain de Montréal /
The Grace of the Gesture: Fifty Years of Gifts to the Musée d'art contemporain de Montréal
Josée Bélisle

labeautedu.jpegspacer.gifDes artistes de diverses générations, nationalités et disciplines sont réunis pour souligner la relation privligiée entre un musée et sa communauté. Publiée pour célébrer le 50e anniversaire de la première institution au Canada entièrement vouée à l’art contemporain, cette superbe publication rend hommage à l’initiative et au geste généreux des artistes, des collectionneurs, et des galeries afin que le MACM puisse voir le jour en 1964. Mettant en relief quelque 50 œuvres qui sont des dons reçus au fil de ses 50 ans d’existence, la vaste sélection d’artistes présentés constitue un répertoire encyclopédique de noms légendaires, notamment David Altmejd, Daniel Buren, Paul-Émile Borduas, Louise Bourgeois, Geneviève Cadieux, Anselm Kiefer, Kent Monkman, Nam June Paik, Alfred Pellan, Jean-Paul Riopelle, et Irene F. Whittome. Par ses textes détaillés et par ses magnifiques illustrations, la publication propose une histoire, ou plutôt un ensemble de petites histoires reliées, d’une part, à l’arrivée progressive de chacune des oeuvres, et, d’autre part, aux grands courants qui ont façonné l’art des 50 dernières années. Un tour de force pour une Collection aujourd’hui considérée comme un patrimoine national d’une valeur inestimable. En français et anglais.









Artists of different generations, nationalities and disciplines are brought together in this superb publication highlighting the privileged relationship between a museum and its community. Published on the occasion of the 50th anniversary of Canada’s premier contemporary art museum and accompanying a sprawling exhibition, this splendidly illustrated publication pays tribute to the artists, collectors, and galleries whose initiative and generosity brought this singular institution into being in 1964. Featuring fifty works donated over fifty years, the breathtaking range of artists featured constitutes an encyclopedic repertory of legendary names, notably Marina Abramovic, David Altmejd, Louise Bourgeois, Daniel Buren, Edward Burtynsky, Marcel Dzama, Rodney Graham, Anselm Kiefer, Kent Monkman, Nam June Paik, Jean-Paul Riopelle, Spencer Tunick, Irene F. Whittome, and Ian Wallace. The growth of the collection from its first 100 works to its current holdings of nearly 8,000 is portrayed as a living portrait of the art of our times: multidisciplinary, transhistorical and heterogeneous. With more than 100 colour illustrations including numerous plates and fold-outs and complete bibliographic notices. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (06/2014) 196 pp 120 ill. coul 10.5 x 8 po/in   souple/softcover   9782550704911 $34.95 Can. $42.95 U.S.






La Question de l’abstraction
(épuisé / out of print)
Josée Bélisle & Mark Cheetham

question.jpgspacer.gifLe vaste panorama présenté dans cette publication couvre, dans un parcours de 110 œuvres réalisées par 60 artistes, la période allant de 1940 à 2010 et propose un corpus multidisciplinaire qui inclut la peinture, le dessin, la vidéo et la sculpture. Ce parcours enchaîne avec un espace consacré aux œuvres des Automatistes, notamment Fernand Leduc, Pierre Gauvreau, Jean-Paul Mousseau, Claude Gauvreau, Marcel Barbeau et Marcelle Ferron. Dans la section suivante, on apprend comment les Premiers Plasticiens tels Jauran, Louis Belzile, Fernand Toupin, Jean-Paul Jérôme ainsi que Guido Molinari, Claude Tousignant et Fernand Leduc, élaborent, au cours des années 1950 et 1960, un langage plastique abstrait et géométrique. Plus loin, on explore la fusion de l'expression gestuelle et la dynamique de la structure telle que représentée dans les œuvres d'artistes comme Yves Gaucher, Charles Gagnon, Jacques Hurtubise et Jean McEwen. Parallèlement, les propositions en sculpture d'artistes comme Armand Vaillancourt, Robert Roussil, Françoise Sullivan, Peter Gnass, Henry Saxe et Roland Poulin, mettent en lumière différentes formes d'abstraction. En fin de parcours, La Question de l'abstraction propose des œuvres de nouvelles générations d'artistes, motivés et inspirés par la recherche de l'abstraction, tels Christian Kiopini, Richard Mill, Louis Comtois, Stéphane La Rue et Francine Savard. Empruntant une approche à la fois chronologique et thématique, la publication met en valeur des œuvres marquantes de la Collection permanente du Musée, qui constituent aujourd'hui un patrimoine national d'une valeur inestimable. En français et anglais.







Founded in 1964, Montreal’s Musée d’art contemporain was the first major Canadian institution to champion contemporary art. Now the museum celebrates its inestimable collection with this encyclopedic review of art, artists and art movements from the 1940s to 2010. This vast panorama is magnificently illustrated and discussed with both original essays by leading scholars and with rare archival texts written in the heat of the debates on the question of abstraction in Canada, particularly in Québec. Accompanied by a bibliographic list of artists as well as an complete repertory of abstract art exhibitions since 1942. Primarily thematic, the publication is laid out chronologically in a historical perspective. It highlights an experience of form and colour firmly rooted in the non-representational and non-verbal, mainly within the aesthetics of painting and sculpture - at times radically different, and continually renewed from the early 1940s on. The division by section immediately sheds light on the diversity and complexity while giving free rein to the expressive power evident in each work. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (10/2013) 308 pp 200 ill. 30 x 24 cm   rigide/hardcover   978-2551-25370-8   $44.95 Can. $52.95 U.S.




Michel de Broin
Mark Lanctôt & Daniel Sherer
 
micheldebroin.gifspacer.gifMichel de Broin est un artiste multidisciplinaire qui, depuis plus d’une dizaine d’années, explore les notions de résistance, de détournement et de recyclage avec un sens de l’humour cynique. Adoptant une attitude critique et ludique vis-à-vis des objets usuels et des conceptions courantes, l’artiste s’applique à rendre visibles, par la voie de métaphores et d’analogies d’une riche profondeur, les forces à l’œuvre dans le mouvement des énergies qui guident nos actions et gouvernent nos pulsions. Michel de Broin s’est taillé une réputation internationale grâce à ses projets de grandes envergures tel que Majestic (Nouvelle-Orléans, 2011), Revolution (Rennes, 2010),  et La maîtresse de la Tour Eiffel (Paris, 2009). Ses oeuvres font partie de plusieurs collections privées et publiques en France, en Allemagne, en Corée, aux États-Unis et au Canada. Michel de Broin a obtenu le Prix Sobey Art en 2007. Ce catalogue d’exposition documente la première rétrospective muséale du travail de l’artiste à se tenir au Canada. Un texte et une entrevue. Michel de Broin vit et travaille à Montréal. En français et anglais.








Michel de Broin’s space-investing public projects have been celebrated around the world and he has garnered an international reputation for works such as Majestic (New Orleans, 2011) and La maîtresse de la Tour Eiffel  (Paris, 2009). The Montreal-based artist has mastered a trans-disciplinary practice combining installation, sculpture, ready-mades and performance that together makes visible the forces at work in the energies that guide our actions and govern our impulses. The artist has compared his creative process to a storm. This thoroughly illustrated monograph offers a ten-year survey with a critical appraisal and an interview with the artist. De Broin has held solo exhibitions at numerous institutions such as Musée d’art contemporain Val-de-Marne, France and the Künstlerhaus Bethanien, Berlin. His work has been exhibited at New York’s Eyebeam, National Gallery of Canada, and Museum of Contemporary Canadian Art. In 2007 he was the recipient of Canada’s premier contemporary art prize, the Sobey Art Award. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (05/2013) 144 pp 80 ill. 23 x 20 cm souple / softcover 978-2-551-25379-1  $29.95 Can. $34.95 U.S.




Eve Sussman, Rufus Corporation, Simon Lee : Whiteonwhite, une expédition
Lesley Johnstone, Jonathan T.D. Neil & Jeff Wood

sussman.jpgspacer.gifPublication de la première exposition individuelle au Canada consacrée à l’artiste Eve Sussman et à la Rufus Corporation de Brooklyn. Ensemble ils réunissent une série de travaux étroitement liés, créés lors de nombreux voyages en Russie et en Asie centrale sur une période de quatre ans. La publication se concentre sur l’installation filmique whiteonwhite: algorithmicnoir qui s’inspire des abstractions radiales de Kazimir Malevitch et de ses réflexions sur la transcendance, de même que du destin de l’astronaute russe Iouri Gagarine, vus à travers le prisme de la science-fiction et du vocabulaire visuel du film noir. Générée par algorithme, montée en temps réel et fortement marquée par des cinéastes du XXe siècle comme Andreï Tarkovski, Jean-Luc Godard et Wim Wenders, whiteonwhite est une exploration fascinante de l’espace et du temps, de l’utopie et de la dystopie, de la narration fragmentée, du voyage en train et des paysages ravagés par des perturbations économiques et écologiques. Avec une série de photographies de Simon Lee. En français et anglais.







Publication accompanying the first solo exhibition in Canada of Brooklyn-based artist Eve Sussman and her collaborative team Rufus Corporation. Together they produce interrelated films and videos, photographs and installations developed on numerous journeys through Russia and Central Asia. The focus here is the film installation whiteonwhite: algorithmicnoir, which draws on the radial abstractions and reflections on transcendence of Kasimir Malevich, and the fate of Russian astronaut Yuri Gagarin, seen through the lens of science fiction and film noir cinematography. Generated by algorithm, edited in real time and heavily informed by such twentieth-century filmmakers as Jean-Luc Godard and Wim Wenders, the work is a fascinating investigation into space and time, utopia and dystopia, fractured narration and landscapes marked by economic and ecological upheaval.  Also featured is a photo series by Simon Lee created during the production. Eve Sussman founded the Rufus Corporation in 2003. Rufus Corporation’s works have been exhibited and screened internationally and are included in the collections of the MoMA and the Whitney Museum of American Art. Whiteonwhite: algorithmicnoir was exhibited at the Sundance Film Festival, Berlinale, and Site Santa Fe. In English and French.
 
 Musée d’art contemporain de Montréal (04/2013) 112 pp 40 ill. 27 x 20 cm souple / softcover   978-2-551-25391-3  $22.95 Can. $26.95 U.S.





Lynne Cohen : Faux indices
François LeTourneux

cohen.gifspacer.gifComprenant une vingtaine de planches couleur, cette publication présente 40 photographies de Lynne Cohen, dont la plus grande partie appartient à sa production récente. Depuis le début des années 1970, l’artiste photographie, à l’aide d’un appareil photo argentique à chambre, des espaces intérieurs « trouvés », toujours vides de leurs occupants, que les titres des œuvres n’identifient pas, le plus souvent, de manière précise. Au fil du temps, des intérieurs et des endroits semi-publics ou publics  - tels que patinoires, salles de danse, halls d’hôtels ou clubs privés pour hommes - ont cédé le pas à des environnements plus complexes et difficiles d’accès, comme des salles de classe, des laboratoires scientifiques ou des installations militaires. Quelle que soit la nature parfois inquiétante des lieux photographiés, l’artiste souligne les effets d’humour, d’artifice et de faux-semblant qui y apparaissent, documentant ainsi le moment où « le monde apparaît comme un écho de l’art ». Lynne Cohen est née aux États-Unis ; elle vit et travaille à Montréal. En français et anglais.





Punctuated with nearly two dozen full-colour plates, this publication features forty photographs by Lynne Cohen, most of them recently produced. Since the early 1970s, Cohen has been using a box camera to photograph “found” interior spaces, always empty of occupants, which the works’ titles usually do not specifically identify. Over the years, interiors and public or semi-public places - skating rinks, dance halls, hotel lobbies, men’s clubs - have given way to more complex, less readily accessible environments, such as classrooms, science laboratories or military installations. Despite the sometimes disturbing nature of the places pictured, the artist underscores the humour, artifice and illusion that lie therein, documenting her “fascination with how the world echoes art.” Lynne Cohen is an American-born Canadian artist currently based in Montréal. In English and French.
 
Musée d'art contemporain de Montréal (02/2013) 72 pp 40  ill coul. 19 x 24 cm souple / softcover  978-2-551-25362-3  $19.95 Can. $24.95 U.S.






Pierre Dorion

Mark Lanctôt, David Dietcher, Stephen Horne

pierredorion.jpegspacer.gifAbondement illustrée, cette monographie présente un bilan critique de la peinture de l’artiste montréalais en présentant plus de 70 œuvres majeures réalisées à partir du milieu des années 1990, incluant une série de tableaux récents, conçus spécialement pour l’exposition. L’œuvre de Pierre Dorion relance toute une réflexion sur l’histoire et le statut même de la peinture. L’artiste s’interroge, par son intérêt historique pour le développement du médium, sur les liens que peut entretenir la peinture avec d’autres médias ou approches plus contemporaines comme l’installation, les technologies numériques et surtout les techniques de l’image, dont la photographie. Au cours des trente dernières années, Pierre Dorion a fait l’objet de nombreuses expositions et participé à plusieurs manifestations artistiques dont Aurora Borealis en 1985 et l’édition 1992 des Cent jours d’art contemporain de Montréal. Ses œuvres font partie des collections des grands musées canadiens parmi lesquels on compte le Musée des beaux-arts du Canada, le Musée National des beaux-arts du Québec, le Musée des beaux-arts de Montréal et le Musée d’art contemporain de Montréal. En français et anglais.
Pierre Dorion is a painter who has always been interested in the history of painting. For nearly thirty years, the Montreal-based artist has scrutinized the tools, techniques, materials, theories, genres and iconography of painting with the goal of discovering the universal experience hidden within the rich material history. Dorion drew attention early in his career for his pictorial installations that critically recast the styles and subject matter of classical painting. Since then his work has consistently explored the connections between painting, architecture, photography and art history. He then devoted himself to a series of life-size self-portraits, before moving towards a figurative minimalism where the reading of the work is complicated by the level of abstraction. This monographic exhibition catalogue features over seventy major works produced since the mid-1990s, including a series of recent paintings never before exhibited. Profusely illustrated and composed of three original essays, the publication establishes Pierre Dorion life’s work as a singular approach to art and a vibrant homage to painting. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (10/2012)  160 pp 80 ill. 32 x 22 cm souple / softcover  978-2-551-25321-0  $39.95 Can. $45.00 U.S.





Zoo

Marie Fraser, Dominique Allard, François LeTourneux, Julie-Ann Latulippe

zoo.gifspacerOn remarque depuis quelques années un intérêt particulier pour l’animal et la nature dans l’art contemporain. Cet intérêt relance les débats sur l’évolution de l’histoire naturelle et, surtout, sur notre rapport envers l’animal marqué par des bouleversements écologiques sans précédent. Ce catalogue d’exposition réuni une vingtaine d’artistes québécois, canadiens et internationaux qui remettent en question ce qui façonne notre expérience et notre connaissance de la nature et de l’animal : la mythologie, les sciences naturelles, l’idéologie et même, de façon de plus en plus déterminante, l’économie. Parmi les artistes, David Altmejd expose une œuvre inédite, Trevor Gould crée une installation pour le Jardin du Musée, et l’artiste et dissident chinois Ai Weiwei présente - en grande première au Canada - The Circle of Animals/Zodiac Heads : Gold. En empruntant la forme d’un ouvrage d’histoire naturelle, la publication est en sorte une encyclopédie de la réflexion sur le monde animal, ses rapports avec l’être humain et l’art contemporain. Artistes participants :  Ai Weiwei, David Altmejd, Shary Boyle, Matthew Day Jackson, Mark Dion, Nathalie Djurberg, Jason Dodge, Trevor Gould, Renée Green, Rachel Harisson, Mona Hatoum, Pierre Huyghe, Brian Jungen, Liz Magor, Ugo Rondinone, Kevin Schmidt, David Shrigley, Kiki Smith, Haim Steinbach, et Jana Sterbak. En français et anglais.






Contemporary art has recently taken a particular interest in the animal world - not surprising given current debates on the evolution of natural history and the unprecedented ecological upheavals taking place in the natural world. This publication offers an opportunity to re-examine just what shapes our experience and understanding of nature and animals through mythology, natural science, ecology, ideology and, increasingly critically, the economy. Twenty artists from Canada and around the world question the place accorded animals and nature in today’s universe. Among them David Altmejd offers a work conceived specifically for the occasion,Trevor Gould creates an installation for the Sculpture Garden and - in a major Canadian premier - dissident Chinese artist Ai Weiwei presents Circle of Animals/Zodiac Heads: Gold. With essays and illustrations presented and organized to remind the reader of a natural history manual, the book reads as an encyclopedia of ideas about animals and their relationship to humans and to art. Participating artists:  Ai Weiwei, David Altmejd, Shary Boyle, Matthew Day Jackson, Mark Dion, Nathalie Djurberg, Jason Dodge, Trevor Gould, Renée Green, Rachel Harisson, Mona Hatoum, Pierre Huyghe, Brian Jungen, Liz Magor, Ugo Rondinone, Kevin Schmidt, David Shrigley, Kiki Smith, Haim Steinba, and Jana Sterbak. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (05/2012)  240 pp 90 ill. 24 x 17 cm souple  (9.5 x 6.5 in. softcover)  978-2-551-25300-5  $32.95 Can. $35.95 U.S. (28 )






Valérie Blass
Lesley Johnstone, Wayne Baerwaldt, Valérie Blass, Amelia Jones 
 
valerieblass.gifspacerFaisant appel à l’éventail complet des techniques de la sculpture - du moulage à la fonte, de la taille au modelage, de l’assemblage au bricolage -, Valérie Blass explore des territoires entre formes animales, humaines et inanimées, créant d’étranges objets hybrides. L’impact du travail de Valérie Blass tient précisément à sa capacité de naviguer de façon anachronique entre deux traditions sculpturales. Elle crée des autoportantes, verticales à une échelle humaine, qui la positionnent décidément dans la tradition classique de la sculpture figurative. Pourtant, la diversité de ses matériaux et la profusion des objets fabriqués, achetés et trouvés qu’elle utilise, ce qui provient d’une adhésion enthousiaste à la culture matérielle contemporaine, ancrent son art dans l’assemblage et le bricolage. Deux textes originaux ainsi qu’une entrevue avec l’artiste sont complétés par une trentaine d’illustrations d’œuvres récentes et nouvelles. Née à Montréal en 1967, Valérie Blass à participé à la première Triennale du Musée d’art contemporain de Montréal. Elle a également présenté ses oeuvres dans des expositions au Museum of Contemporary Canadian Art, le Musée des beaux-arts du Canada, le Musée des beaux-arts de Montréal, ainsi que le Musée national des beaux-arts du Québec. En français et anglais. (Choix de couvertures)




valerieblass2spacerEmploying virtually every sculptural technique - from moulding, casting, carving and modeling to assemblage and bricolage - Valérie Blass explores the territories between animal, human and inanimate forms, creating unique hybrid objects. The impact of Blass’s work resides in the anachronistic way she navigates between two sculptural traditions. On the one hand she makes free-standing, vertical, humanscale pieces that locate her squarely within the classical tradition of figurative sculpture. At the same time, the diversity of her materials and the plethora of bought and found objects she uses, stemming from an enthusiastic engagement with the material culture of the twenty-first century, anchor her art in assemblage and bricolage. This publication presents new and recent work by Valérie Blass and contains two original essays as well as an interview with the artist. Born in Montréal in 1967, Valérie Blass participated in the first Triennial mounted by the Musée d’art contemporain de Montréal, and has exhibited at the Museum of Contemporary Canadian Art, National Gallery of Canada, the Montreal Museum of Fine Arts and the Musée national des beaux-arts du Québec. In English and French. (Choice of covers)

Musée d'art contemporain de Montréal (02/2012) 132 pp 40 ill. 26 x 23 cm souple/softcover  978-2-551-25141-4  $29.95 Can. $34.95 U.S. (24 ) 





Ghada Amer (Out of print / épuisé)
Thérèse St-Gelais 

amer.gifspacerTraitant de sujets aussi délicats et intimes que le plaisir et l’amour, Ghada Amer montre qu’il est possible de résister à une représentation conformiste des femmes dans l’art. Puisant plusieurs de ses références iconographiques dans des magazines pornographiques, l’artiste égyptienne montre des corps de femmes exhibés pour un public masculin et hétérosexuel. Dans cet esprit, plusieurs de ses oeuvres picturales font référence à des artistes réputés, tels que Ingres et Picasso, parce qu’ils auraient déterminé une classification apparemment objective de ces critères. Ainsi, partant d’oeuvres canoniques, l’artiste fait état de la construction narrative idéalisante de l’histoire occidentale de l’art, complaisante envers une manière convenue de présenter une image du féminin qui assouvirait un regard voyeuriste. Née au Caire en 1963, Ghada Amer vit à New York, après avoir passé plusieurs années en France et fait ses études en beaux-arts à Nice. Durant les dernières années elle a exposé au Brooklyn Museum of Art (New York) et au Centre Georges Pompidou dans l’exposition Elles @ centrepompidou. Thérèse St-Gelais est l’auteure de plusieurs publications sur les femmes artistes, notamment Loin des yeux près du corps : Entre théorie et création (Galerie de l’UQAM, 2012). En français et anglais. 






With subjects as delicate and personal as pleasure and love, Ghada Amer shows that it is possible to resist a conventional representation of women in art. Referencing prornography and other popular vehicles directed at a heterosexual male audience, Amer’s embroidery-based work contrasts traditional female handicraft with mainstream popular culture. Going even further, several pictorial works refer to well-known artists such as Ingres and Picasso. Taking works from the canon as her starting point, the artist observes the idealizing narrative construction of Western art history, indulging in a conventional presentation of an image of women that satisfies a voyeuristic gaze. Born in Cairo in 1963, Amer spent a number of years in France and studied fine arts in Nice before moving to New York, where she now lives. She has exhibited widely from the Brooklyn Museum of Art to the Centre Pompidou. Thérèse St-Gelais is one of the country’s leading authors of books and exhibition catalogues on women and art. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (02/2012) 88 pp 20 illus. 22 x 16 cm rigide / hardcover  978-2-551-25142-1  $22.95 Can. $24.95 U.S. (18 )
 
 

Wangechi Mutu (Out of print / épuisé)
Josée Bélisle 

mutu.gifspacerC’est par ses collages-dessins exposés depuis la fin des années 1990, mettant en scène des figures féminines, noires, trafiquées et en proie à d’étranges mutations corporelles, que Wangechi Mutu a retenu une attention qui ne s’est jamais démentie par la suite. Dans ses dessins et collages, mais aussi dans ses sculptures, installations et vidéos, elle évoque le jeu des relations entre les organismes vivants, les humains et la puissance de la nature. Le point d’ancrage est l’installation Moth Girls (2010), acquise par le Musée. Dans la récurrence d’une figure féminine mi-humaine, mi-animale résultant d’une hybridation extrème, l’oeuvre réintroduit la notion de taxinomie et de classification et de hiérarchisation des espèces et, par extension, des peuples et des races. Cette publication est la première monographie en français dédiée à l’artiste. Née à Nairobi, au Kenya, en 1972, Wangechi Mutu vit et travaille à New York. Durant les dernières années elle a exposé au Deutsche Guggenheim (Berlin), Museum of Contemporary Art (San Diego), et The Corcoran Gallery of Art, (Washington). En français et anglais. 







Since her appearance in the late 1990s, Wangechi Mutu’s collage-drawings depicting black women, tampered with and prey to strange bodily mutations, have generated much debate and interest on the international art scene. The broad range of raw materials she uses - magazines on fashion and current events, geography, ethnography, and pornography - allows her to tackle the stereotypes of media representation, particularly of women, head on. While presenting an overview of new and recent work, this publication is centred on the installation Moth Girls (2010), recently acquired by the Musée. In the recurrence of a half-human, half-animal, female figure, the product of an extreme hybridization, the work reintroduces the notion of taxonomy, along with the volatile notion of classification and hierarchization of species and, by extension, peoples and races. Born in Nairobi, Kenya, in 1972, Wangechi Mutu lives and works in New York. Recent exhibitions of her work have been held at Deutsche Guggenheim (Berlin), Museum of Contemporary Art (San Diego), and The Corcoran Gallery of Art, (Washington). In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (02/2012)  72 pp 20 illus. 22 x 16 cm rigide / hardcover  978-2-551-25143-8  $22.95 Can. $24.95 U.S. (18 )
 



La Triennale québécoise 2011 : Le travail qui nous attend
/
The 2011 Québec Triennial: The Work Ahead of Us

Marie Fraser, Lesley Johnstone, Mark Lanctôt, Véronique Leblanc, François LeTourneux, Patrice Loubier, Eduardo Ralickas, Bernard Schütz, Louise Simard, Johanne Sloan
 
trienialEng11.gifspacer.gifConçue comme un ouvrage de référence sur l’art contemporain au Québec, cette publication vise à faire le point sur les pratiques artistiques qui se sont développées au cours des dernières années et à montrer la contribution d’auteurs qui se sont penchés sur ces pratiques et qui produisent aujourd’hui un important discours critique. Comprenant plus de 200 pages de documentation visuelle et des textes des commissaires, une première partie est consacrée à la présentation de la Triennale et des 52 artistes sélectionnés pour l’événement. Les deuxième et troisième parties sont le fruit d’une collaboration avec la revue Esse arts + opinions et d’un travail en comité scientifique. Quatre auteurs réfléchissent, dans la foulée de leurs recherches, sur ce qu’ils considèrent être les enjeux de l’art contemporain au Québec. La publication se termine avec un glossaire répertoriant une trentaine de termes usuels en art contemporain, accompagné d’une bibliographie thématique et d’une liste d’artistes québécois qui nous ont semblé les plus représentatifs des différentes approches et des pratiques artistiques actuelles. En français et anglais. 
Prix Publication 2012 décerné par la Société des musées québécois.





This fully bilingual major publication accompanies the second edition of the Québec Triennial, one of Canada’s largest and most anticipated artistic events. The immense scope of the exhibition - featuring the work of 52 young artists - is reflected in the book’s extensive visual documentation and in its scholarly intent. Opening essays discuss the participants and explore larger issues such as how artists continue to challenge and transform the exhibition space, spawning new and unexpected activities. Parts two and three of the publication present the research of invited authors who reflect on what they consider to be the key issues of contemporary art in Québec. As the artists discussed are on the front lines of cutting edge international contemporary art, the authors’ conclusions impact well beyond borders. This unprecedented look at one of North America’s most lively artistic communities is essential reading for teachers, students, collectors, and for anyone wishing a glimpse of the work that awaits us. In English and French.  2012 Prix Publication awarded by the Société des musées québécois.

Musée d’art contemporain de Montréal (10/2011)  500 pp 233 ill. 24 x 19 cm souple / softcover  978-2-551-25074-5  $55.00 Can. $65.00 U.S.  (44 )




Anri Sala 
Marie Fraser, Michael Fried, Philippe Parreno, Edi Rama, Marcus Steinweg, Erion Veliaj & Anri Sala

arnisala.gifspacerNé à Tirana, en Albanie, Anri Sala a étudié la vidéo à l’Ecole nationale supérieure des arts décoratifs de Paris et le film DES au Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains. Sala cherche avant tout à créer un espace où se confondent, dans une narrativité toute personnelle, la lumière, les sons et les atmosphères de chacune des œuvres mises en présence. Composée de deux volumes reliés en un seul livre, cette publication documente, dans la première partie, les travaux filmiques, photographiques et musicaux de l’artiste et accompagne une première exposition sur la scène artistique canadienne. La deuxième partie de la publication documente le projet Inversion (Créer une espace là où il semble ne pas y en avoir) d’Anri Sala et Edi Rama ainsi que quatre conversations avec l’artiste. En français et anglais.







Born in Albania, educated in Paris and now living in Berlin, Anri Sala represents a truly international contemporary vision. Working in a range of media, including video, photography and sound installation, he has developed a very personal vision of a post-historical world with a simplicity that transcends borders and cultures. His subtle weaving of the basic elements of light and darkness, achrome and colour, and sound and silence create a transformative experience that mesmerizes the viewer. Composed of two volumes bound into a single book, this original publication documents a rare North American exhibition and provides an introduction to the artist’s career. The second section of the book is devoted to the project Inversion (Creating Space Where There Appears to Be None) conceived by Anri Sala with Edi Rama. The project is explored through four conversations with the artist as well as an artist’s statement. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (02/2011) 128 pp 30 ill. 27 x 23 cm souple/softcover  978-2-551-25025-7  $39.95 Can. $46.95 U.S.  (32 €)




Runa Islam
Mark Lanctôt & Rachel Kent

runaislam.gifspacerRuna Islam a atteint la renommée internationale par ses recherches approfondies en cinéma expérimental et en techniques cinématographiques de pointe sur pellicule 16 mm et 35 mm. Depuis la fin des années 1990, l’artiste britannique explore l’histoire et l’esthétique du cinéma ainsi que les thèmes du temps et de la durée, de l’illusion, et de la nature de la perception visuelle. Cette publication documente des installations filmiques conçues au cours des sept dernières années, y compris le nouveau film Magical Consciousness (2010), réalisé spécifiquement pour l’occasion. Finaliste au Turner Prize en 2008, Runa Islam a exposé au Centre Pompidou, UCLA Hammer Museum et Tate Britain. Publiée avec le Museum of Contemporary Art, Sydney. En français et anglais.






Runa Islam has gained an international reputation for her ongoing investigations into experimental and expanded cinematic techniques, working with both 16 mm and 35 mm film. Since the late 1990s, the British artist has explored the history and aesthetics of cinema, as well as the themes of time and duration, illusion and the nature of seeing. This monograph, composed of two original essays and numerous colour plates, documents the artist’s film installations from the past 7 years, including Magical Consciousness (2010), conceived especially for the occasion. Nominated for the 2008 Turner Prize, Runa Islam has exhibited works and screened films at, notably, UCLA Hammer Museum, MIT List Visual Arts Center and the Hirschhorn Museum. Published with the Museum of Contemporary Art, Sydney. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (09/2010) 144 pp 76 ill. 25 x 20 cm rigide / hardcover  978-1-9210344-4-2  $29.95 Can. $35.00 U.S. (24 €)





Jon Pylypchuk 
François LeTourneux

pylypchuk.gifspacerNé à Winnipeg, Jon Pylypchuk a cofondé avec un collectif d’artistes, dont Marcel Dzama, la Royal Art Lodge en 1996. Deux ans plus tard, il s’établit à Los Angeles où il vit et travaille toujours. Bilan de la production (principalement de 2006 à 2009) de cet artiste multidisciplinaire qui convoque aussi bien la peinture, la sculpture et l’installation que la vidéo. On y verra notamment The War, une installation magistrale mettant en scène une série de masques jouant, à divers degrés, du bestiaire et de sa résonance anthropomorphique, et sondant les rapports entre l’humain, le monde animal et la technique. En français et anglais.

Through drawing, sculpture, installation and video Jon Pylypchuk explores the relationship between humanity, the animal kingdom and technology. Pylypchuk creates tragic-comic figures that are both lovable and loathsome, reflecting instances of pitiful irony that ring all too true. This well-illustrated publication presents a survey of work from 2006 to 2009. Born in Winnipeg and now residing in Los Angeles, Jon Pylypchuk has exhibited at UCLA Hammer Museum and the Royal Academy in London. Together with Marcel Dzama, he co-founded the Royal Art Lodge in 1996. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (10/2010) 38 pp 24 ill. 24 x 19 cm souple / softcover  978-2-5512396-3-4  $15.95 Can. $18.95 U.S. (12 €)





Les Lendemains d’hier / Yesterday’s Tomorrows
Lesley Johnstone & Philip Ursprung


lendemains.gidspacerCette publication rassemble les travaux de dix artistes internationaux qui abordent le modernisme pour entrer en dialogue avec un créateur ou une oeuvre de cette période charnière du XXe siècle. L'artiste Canadienne Paulette Phillips s'intéresse à la villa E-1027 de l'architecte-designer Eileen Gray ; l'Autrichienne Dorit Margreiter à la maison de John Lautner ; l'Américain Inigo Manglano-Ovalle à la Farnsworth House de Mies van der Rohe ; le Britannique Simon Starling aux lampes du Danois Poul Henningsen ; l'Écossais Toby Paterson au pavillon de la Grande-Bretagne de Basil Spence à Expo 67 ; le Canadien Arni Haraldsson aux bâtiments d'Ernö Goldfinger ; le Slovène Tobias Putrih aux sphères géodésiques de Buckminster Fuller ; le Canadien David Tomas à une maison conçue par Ludwig Wittgenstein ; l'Irano-allemande Nairy Baghramian à la designer de meubles Janette Laverrière et, enfin, le Canadien John Massey à une maison conçue par son père, Hart Massey. En français et anglais.





By creating “conversions” between the past and the present, these artists look into the future through various media. Paulette Phillips examines architect Eileen Gray's villa E-1027; Austrian Dorit Margreiter, one of John Lautner's houses; Spanish-born American artist Inigo Manglano-Ovalle, Mies van der Rohe's Farnsworth House; British artist Simon Starling, the lamps of Danish designer Poul Henningsen; Scottish artist Toby Paterson, Basil Spence's British Pavilion for Expo 67; Arni Haraldsson, Ernö Goldfinger's buildings; Tobias Putrih, Buckminster Fuller's geodesic spheres; Canadian artist David Tomas, a house designed by Ludwig Wittgenstein; Nairy Baghramian, furniture designer Janette Laverrière; and Canadian artist John Massey, a house designed by his father, Hart Massey. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (05/2010)156 pp 27 x 23 cm souple/softcover 978-2-551-23939-9 $34.95 Can. $39.95 U.S. (28 €)




David K. Ross : Attaché
Josée Bélisle

davidkross.gifspacerDans une première exposition individuelle, l’artiste québécois présente une suite photographique sur le système de mise en réserve de l’œuvre d’art. Mettant en scène des caisses de transport et d’entreposage d’œuvres de différentes institutions muséologiques, les images, en couleur et en haute résolution feront ressortir les textures et les surfaces de ces objets qui rappellent la peinture abstraite, allant de l’expressionnisme abstrait au colour field painting, en passant par le monochrome. En 2008 David K. Ross était l’un des artistes invités à la première Triennale québécoise du Musée.

Publication of the first solo exhibition of the Montreal artist whose photographs offer an inspired reflection on the packing and storage of artworks. This new series documents a crucial step in museography, while revisiting one of the great moments in contemporary art history. The project revolves around a particular object that is threatened with obsolescence: the traditional packing crate, individually painted a specific colour “attached” to a specific museum. Some ten empty crates from nearly as many institutions are thus documented in detail and become the subject of high-resolution colour images. The quality of the surfaces reproduced and their large size reveals pictorial gestures that recall the major issues involved in abstract painting, be it abstract expressionism, colour field painting or monochromatic abstraction. David K. Ross was featured in the 2008 Québec Triennial.

Musée d’art contemporain de Montréal (05/2010) 64 pp 25 x 20 cm souple / softcover 978-2-551-23938-2 $19.95 Can. $25.00 U.S. (16 €)






Marcel Dzama
: Aux mille tours (épuisé / out of print)
Mark Lanctôt

dzama.gifspacerL’œuvre de Marcel Dzama recrée un monde de cosmonautes, de cowboys, d’hommes coquets et élégants, d’ours brun, d’arbres anthropomorphiques et de femmes fatales fantastiques et anachroniques, le tout dans un style rappelant l’illustration des années 50. Son œuvre récente se penche sur le narratif dans lequel d’étranges anecdotes cèdent à des histoires tirées de la vraie vie. Histories dans lesquelles l’anxiété, la violence et le sexe cauchemardesques se confrontent au cœur d’une atmosphère taquine et folâtre. Cette première publication en français sur l’œuvre de Marcel Dzama documente la plus grande exposition solo à date, tout en nous offrant un regard critique du développement récent de la pratique artistique de l’artiste qui inclut des dioramas, sculptures, assemblages, peintures, vidéos, collages et dessins. Né à Winnipeg en 1974, Dzama vit et travaille aujourd’hui à Brooklyn. Son œuvre a fait sujet d’expositions au Canada, aux États-Unis et en Europe. En français et anglais.  

Marcel Dzama’s work recreates a fantastic and anachronistic world of cowboys and cosmonauts, dandies and brown bears, anthropomorphic trees and femme fatales, all in a style close to the kind of illustration found in the 1950s. His recent work focuses on narratives in which strange anecdotes yield to stories drawn from real life, in which nightmarish anxiety, violence and sex meet in an almost playful atmosphere. This amply illustrated publication documents the largest exhibition to date of Dzama’s work and provides a critical overview of the most recent developments in his art practice including dioramas, sculptures, assemblages, paintings, videos, collages and drawings. Born in Winnipeg in 1974, Dzama lives and works in Brooklyn. His work has been the subject of solo exhibitions in Canada, the United States and Europe. In English and French
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Musée d’art contemporain de Montréal (02/2010) 116 pp 27 x 23 cm souple/softcover 978-2-551-23877-4 $29.95 Can. $34.95 U.S. (24 €)





Etienne Zack 
François LeTourneux & Séamus Kealy

Zack.gifspacerLa démarche autoréflexive du jeune peintre montréalais prend fréquemment pour objet le contexte de production et d’exposition des œuvres, ainsi que l’ensemble des outils physiques et conceptuels qui président à leur élaboration. Cette préoccupation est visible au niveau iconographique des tableaux et se traduit de manière encore plus décisive dans la logique de montage qui régit leur mise en forme. Ce faisant, l’œuvre de Zack désamorce le pathos habituellement associé au processus artistique, faisant plutôt ressortir le caractère ludique ou construit qui le détermine. Cette première monographie présente des tableaux exécutés par l’artiste au cours des six dernières années, ainsi que des nouvelles œuvres majeures réalisées expressément pour l’occasion. Zack a été lauréat national du Concours de peinture canadienne RBC en 2005, et lauréat du Prix Pierre-Ayot en 2008. En français et anglais.

Etienne Zack is an emerging painter trained in Vancouver and living in Montreal whose work explores the physical act of art making. Known for his extravagant palette, Zack’s work is characterized by staged sculpture-like scenes with references to historical paintings taken up in contemporary critical debates. Zack’s inquiries often take as their subject the very process of art’s production and exhibition and the entire range of physical and conceptual tools employed in its creation. The rigorous sequencing that marks his work, with repetition, multiplication and symmetry, is counter-balanced by the exuberant playfulness of his expressionist painterly style. Zack was the 2005 winner of the RBC National Painting Competition. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (02/2010) 96 pp 27 x 23 cm souple/softcover 978-2-551-23875-0 $29.95 Can. $34.95 U.S. (24 €)






Luanne Martineau

Lesley Johnstone, Dan Adler & Shirley Madill

lmartineau.gifspacerConnue pour son affinité avec les sources de la culture pop et de l'avant garde, Luanne Martineau s’approprie les arts textiles et revisite l’esthétique moderniste pour créer des œuvres imposantes qui accaparent l’espace et déstabilisent le spectateur par sa puissante force d’évocation du corps. Luanne Martineau a participé à l’édition 2007 de la Biennale de Montréal. Elle vit et travaille en Colombie-Britannique. En français et anglais.

Luanne Martineau’s hybrid felted wool sculptures blur the boundaries between high modernist art and craft. With cultural references ranging from R. Crumb to Modernist masters, Martineau engages in a long tradition of merging social satire with contemporary art and creates powerful confrontations between the attractive, the familiar and the grotesque. Martineau’s work was featured in the 2007 Montreal Biennial and in the recent How Soon Is Now exhibition at the Vancouver Art Gallery. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (2010) 64 pp 27 x 23 cm souple/soft 978-2-551-23876-7 $24.95 Can. $26.95 U.S. (20 €)





Tricia Middleton : Dark Souls
Sandra Grant Marchand

midleton.gifspacerS’inspirant d’architectures historiques comme le château de Versailles et la cathédrale Notre-Dame de Paris, Middleton met en scène, à l’aide de peintures, de sculptures, de projections vidéographiques et de matériaux recyclés, un décor fantasmagorique, opulent et délabré, grandiose et décadent, proposant un itinéraire dantesque. Première monographie sur le travail de la jeune artiste canadienne. En français et anglais.

Drawing on such architectural icons as the Palace of Versailles, and Notre-Dame Cathedral in Paris, Middleton uses painting, sculpture, video projections and recycled materials to create a phantasmagorical environment, a world of opulence and ruin, grand yet decadent, laid out along a series of Dantesque paths. First monograph on the work of the young Canadian artist. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2009) 40 pp 24 x 19 cm souple/soft 978-2-551-23843-9 $15.95 Can. $17.95 U.S. (13 €)





 
Francine Savard

Lesley Johnstone & Catherine Bédard

savardf.gifspacerPublication d’une première rétrospective de l’artiste montréalaise. Puisant dans la peinture comme source d’inspiration première - l’histoire et les écrits sur le sujet, l’atelier, le geste pictural et ses significations, les outils du peintre -, Savard explore diverses trajectoires étroitement liées depuis une quinzaine d’années. Prenant souvent la forme de toiles monochromes de format non conventionnel, ses œuvres abondent en références à la littérature, à la géographie et à l’histoire de l’art, références qui en constituent le point de départ. En français et anglais.

For the past fifteen years Francine Savard has explored the medium of painting, making it the very subject of her art. Her work is rich in references to the history of art and its writings, the studio, the painter's tools, and the act of painting and its meanings. Taking the form of variously shaped, monochromatic canvases, her works gather and intermingle, with a certain sense of poetry, formalist and conceptual approaches, art history, literature and geography, while offering a fresh interpretation of the vocabulary of painting. This first monograph offers two original essays. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (2009) 100 pp 60 ill. 27 x 23 cm souple/soft 978-2-551238-37-8 $29.95 Can. $32.95 U.S. (24€)





Betty Goodwin : Parcours de l'œuvre à travers la Collection du Musée d’art contemporain de Montréal /
Betty Goodwin: A Critical Survey through the Prism of the Collection of the Musée d’art contemporain de Montréal

Josée Bélisle

BettyGoodwin.gifspacerAvec cette publication le Musée rend un vibrant hommage à Betty Goodwin, grande dame de l’art contemporain, décédée en 2008. Parcourant la carrière de l’artiste à travers les grandes séries qui ont ponctué sa démarche, Vestes, Notes, Nids, Bâches, Nageurs, Beyond Chaos témoignent de la poignante lecture de la condition humaine qu’en faisait l’artiste. Au cours des 40 dernières années, Betty Goodwin a élaboré un œuvre unique et lumineux qui témoigne d’une conscience aiguë de la souffrance, de la mort et de l’oubli. En français et anglais.

In a vibrant tribute to the grande dame of contemporary art who passed away in 2008, this publication features dozens of major works from the musée’s collection, one of the world’s largest holdings of Goodwin’s works. Iconic site-specific installations, monumental and human-scale sculptures, and large drawings reveal Goodwin’s heartrending vision of the human condition. Original essays provide an overview of an exemplary 40 year career. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2009) 116 pp ill. coul. 10 x 8 in souple/soft 978-2-551-23783-8 $24.95 Can. $26.95 U.S. (20€)





Christine Davis
Lesley Johnstone & Olivier Asselin

Davis.gifspacerAux confins de l’histoire de la danse, de la science et du cinéma, les œuvres de Christine Davis nous convoquent à des rencontres pour le moins surprenantes avec le poète Mallarmé, les danseurs Loïe Fuller et Nijinski et le mathématicien Euclide. Cette publication documente un tout nouveau corpus de l’artiste torontoise, connue pour ses projections de diapositives sur des matériaux inusités et sensuels. En français et anglais.

Referencing Stéphane Mallarmé, the dancer Loïe Fuller, Euclid and Vaslav Nijinsky, Davis presents four new works which explore the relationships between geometry, dance and time. Over the last twenty years, the Toronto-based artist has developed an installation practice that, while eschewing easy classification, has resulted in a range of highly evocative works that are intellectually demanding, yet resonate on visual, visceral and material levels. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (05/2009) 96 pp ill. coul. 8.5 x 6.5 in rigide/hardcover 978-2-551-23785-2 $24.95 Can. $26.95 U.S. (20 €)






Spring Hurlbut : Le jardin du sommeil

Josée Bélisle

Cette publication met en valeur une acquisition récente et majeure, exemplaire de la démarche de l’artiste, Le jardin du sommeil, qui est une installation aux dimensions monumentales comportant plus d’une centaine de lits d’enfant, des berceaux métalliques anciens trouvés, disposés en rangées de manière solennelle et évoquant à la fois la période et la perte de l’enfance. En français et anglais.

Publication celebrating the acquisition of Hurbut’s Le Jardin du sommeil , a major work exemplary of the artist’s practice. This monumental installation includes more than a hundred children’s beds - found, antique metal cribs and cradle - solemnly arranged in rows in a way that evokes both age and the loss of childhood. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (05/2009) 24 pp ill. coul. 10 x 8 in souple/softcover 978-2-551-23784-5 $14.95 Can. $16.95 U.S. (12 €)





Claude Tousignant

Paulette Gagnon, Mark Lanctôt & Denise Leclerc

tousignant.gifspacerRétrospective du travail d’un des artistes considéré comme un visionnaire de premier plan de l’abstraction. Son travail embrasse largement les expressions de la modernité et sa démarche picturale est exemplaire dans l’histoire de l’art canadien. Voici cinquante ans de carrière. Les textes permettent de rendre compte des qualités exceptionnelles d’un art abstrait profondément structuré, en quête de l’absolu. L’artiste a su développer au fil des ans un art non seulement associé à la peinture mais également à la sculpture avec une rigueur et un idéal auquel il n’a jamais renoncé. En français et anglais.

Retrospsepctive on the life’s work of an abstractionist visionary of the first order. The work of Claude Tousignant, from the 1950s to today, encompasses the full range of modernist expression and pushes the boundaries to simplify expression itself in the act of painting. Through a discussion of the exceptional qualities of his profoundly structured oeuvre, this publication outlines the artist’s painstaking quest for the essence of art, not only with painting but also with watercolour, gouache and sculpture, and always with a rigour and an unwavering commitment to an ideal. In English and French.

Musée d’art contemporain de Montréal (02/2009) 208 pp ill. coul. 32 x 28 cm souple / softcover 978-2-551-23736-4 $49.95 Can. ( $52.95 U.S. / 35 € )






Sur papier ou presque : Œuvres de la Collection du Musée d’art contemporain de Montréal

Josée Bélisle et Rober Racine

surpapieroupresque.gifspacerPublication d'une exposition de groupe qui met en lumière le caractère élémentaire et primordial du dessin, acte qui saisit sur le vif et par le trait un aspect du réel, dans tout ce que cela comporte d'effets, de données et d'informations. Elle rend également compte de la constante réinvention qui caractérise cette pratique. Du format petit ou très grand à l'échelle monumentale ou quasi microscopique du motif, de l'ensemble ou de la série à l'exemplarité de la représentation unique et condensée, des démêlés entre le contour, la tache, le cerne, le signe, la couleur, à la multiplication des médiums et des supports. Publication d’une exposition tenue à l’Orangerie du Domaine de Madame Élizabeth (France) du 21 novembre 2008 au 22 février 2009. Artistes participants : Albert Dumouchel, Betty Goodwin, Guy Pellerin, Roland Poulin, Rober Racine, Sylvia Safdie et Irene F. Whittome. En français.

Musée d’art contemporain de Montréal (12/2008) 80 pp ill. coul. 25 x 21 cm 978-2-551-23708-1 $16.95 (14 €)







Lynne Marsh
Bernard Lamarche & Lesley Johnstone

Cette publication présente trois importantes installations vidéo : Camera Opera (2008), Stadium-Final Cut (2008) et Ballroom (2004). Ces trois œuvres constituent un ensemble cohérent où sont explorés l’inscription du corps dans des environnements architecturaux codifiés, le féminin dans des espaces théâtraux, de même que les frontières floues entre réel et virtuel, matériel et fantasmatique. Tournée sur le plateau d’une émission d’actualité à Berlin, dans l’Olympiastadion récemment rénové à Berlin et au Rivoli Ballroom à South London, chaque œuvre, grâce à un travail précis de la caméra et à une trame sonore particulière, démontre la maîtrise de l’artiste. Lynne Marsh est connue pour ses projections vidéo en boucle et pour ses installations spectaculaires. Elle enseigne à l’université de Hertfordshire en Angleterre. En français et anglais.

Publication documenting three major video installations: Camera Opera (2008), Stadium-Final Cut (2008), and Ballroom (2004). These works constitute a coherent grouping which explores the inscription of the body in codified architectural environments, the feminine within performative spaces, and the blurred boundaries between the real and virtual, the physical and fantasy. Shot on location on the set of a current affairs television program in Berlin, in the recently renovated Olympiastadion in Berlin, and in the Rivoli Ballroom in South London, each work, through precise camera work and soundtracks, demonstrates Marsh’s mastery of her medium. In English and French.

Musée régional de Rimouski / Musée d’art contemporain de Montréal (11/2008)
64 pp col. ill. 10 x 8 in/po rigide/hardcover 978-2-923525-15-0 $25.00 Can. ($29.95 U.S. / 20 €)





Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme : La Triennale québécoise 2008

Josée Bélisle, Paulette Gagnon, Mark Lanctôt et Pierre Landry

TriennaleFR.gifspacerPublication de la plus ambitieuse exposition d’art contemporain québécois jamais présentée. Véritable laboratoire de recherche, la Triennale est le résultat d’un travail sur le terrain et d’une réflexion menée par les conservateurs du Musée qui ont multiplié les visites d’expositions et ratissé les ateliers d’artistes à la recherche du meilleur de l’art contemporain québécois. Avec la participation d’une trentaine d’artistes, tous les médiums actuels y seront exploités : peinture, sculpture, photo, vidéo et installation. Somptueusement illustrée, la publication offre un regard exceptionnel sur un milieu artistique contemporain parmi les plus actifs et distinctifs en Amérique du Nord. Avec la participation de, notamment, David Altmejd, Nicolas Baier, Michel de Broin, Julie Doucet, Isabelle Hayeur et Jocelyn Robert.

Musee d’art contemporain de Montréal (05/2008) 216 pp 150 ill. coul. 28 x 22 cm souple 978-2-551-23671-8
$39.95
(32 €)






Nothing is Lost, Nothing is Created, Everything is Transformed: The Québec Triennial 2008
Josée Bélisle, Paulette Gagnon, Mark Lanctôt and Pierre Landry

triennaleEN.gifspacerPublication accompanying the most ambitious Quebec contemporary art exhibition of its kind ever presented. Published entirely in English, this striking oversized edition explores innovative trends in a wide range of fields - including painting, photography, sculpture, video and installation - and is the result of extensive field research by curators who combed numerous exhibitions and artists’ studios looking for the very best in contemporary art. In the first section, the curators offer their insights with four essays. The second and much more extensive section focuses on the participating artists, each of whom has written a personal introduction, accompanied by numerous reproductions. Featuring the work of forty emerging and established artists, this lavishly illustrated publication provides a revealing look at one of the most active and distinctive art scenes in North America. With new work by David Altmejd, Adad Hannah, Isabelle Hayeur, Carlos and Jason Sanchez and more.

Musee d’art contemporain de Montréal (05/2008) 216 pp 150 col ill. 11 x 8.5 in softcover 978-2-551-23672-5
$39.95 Can. ($42.95 U.S. / 32 €)





Geoffrey Farmer
Pierre Landry, Jessica Morgan & Scott Watson

GeofreyFarmer.jpgspacerGeoffrey Farmer est certainement l'une des voix les plus déstabilisantes de la communauté artistique de Vancouver. Farmer est connu pour ses installations évolutives qu'il modifie souvent en cours d'exposition, voire même après. Dans les présentations subséquentes, il arrive fréquemment qu'il réorganise, modifie et révise l'œuvre, menant ainsi à des lectures autres et à des projets au contenu complexe qui se prolongent dans le temps. Caractérisés par une recherche méticuleuse et une rigueur conceptuelle, ces travaux à grande échelle comportent habituellement des objets trouvés, du dessin, de la sculpture, de la vidéo et de la photographie. Réunissant des œuvres anciennes et un travail conçu expressément pour Montréal, cette exposition propose un bilan important de l'œuvre de Farmer. Cette publication constitue un premier bilan sur la pratique de Geoffrey Farmer. En français et anglais.

Geoffrey Farmer has one of the most destabilizing voices of today's young Vancouver artists. Working mainly in installation and photography, he integrates video, performance and other means associated with conceptual art. Through an aesthetics of accumulation he explores pop culture, art history and the very act of exhibiting. Among the works presented in this first monograph are an installation originally created in a bank and a life-sized reconstitution of a Hollywood-style trailer. Refigured through an array of tangents and additions, Farmer's installations are at once subtle and overwhelming. The publication presents major works produced over the last fifteen years along with new pieces produced especially for the exhibition. In English and French. Geoffrey Farmer's career has taken off meteorically in the last few years with exhibitions, in just 2007, at the Drawing Room and Tate Modern. Pierre Landry is curator at the Musée d'art contemporain de Montréal. Jessica Morgan is curator at Tate Modern. Scott Watson is director of the Belkin Gallery at the University of British Columbia.

Musée d'art contemporain de Montréal (04/2008) 112 pp 30 ill. coul. 10.5 x 9 po/in softcover 978-2-551-23607-7
$29.95 Can.
($32.95 U.S. / 24 €)




Yannick Pouliot
Mark Lanctôt & Pierre Lapointe

Inscrite dans la suite des quelques œuvres spectaculaires qui l'ont fait connaître ces dernières années, cette publication documente la première exposition d'envergure à lui être consacrée par un musée sera l'occasion pour Yannick Pouliot de créer une série d'œuvres rassemblées autour du concept de la domesticité telle qu'elle se vit dans l'architecture, le mobilier et divers éléments décoratifs. Présent sur la scène québécoise des arts visuels depuis quelques années à peine, l'artiste a immédiatement fait l'unanimité du public et de la critique grâce à la maturité et à l'originalité de son travail. Usant de différents médiums, dont la sculpture, la photographie et le son, Pouliot semble accorder un statut de premier plan à l'architecture et au mobilier pour en faire les matières premières de son travail. L'artiste porte un intérêt aux lieux clos qui enserrent et isolent le visiteur. Surpris, le spectateur est soudainement plongé dans un environnement bien défini où il est davantage question d'expérimentation plutôt que de contemplation. Avec une contribution de l'auteur compositeur Pierre Lapointe.

Yannick Pouliot recently burst onto the art scene and immediately earned critical acclaim for the originality of his work. Using various media, notably sculpture, photography and sound, he assigns a leading role to architecture and furnishings in order to create environments that enfold and isolate the visitor. “The isolation (or alienation) of contemporary society is echoed in disjointed settings and in furniture closed in on itself, precluding any possibility of normal use, and afflicted with excrescences, forced linkages and disarticulations”, writes Lanctôt. Pouliot's installations confront us with society and its decadence through a spellbinding visual, emotional and kinesthetic experience. A surprising contributor to this first monograph is Pierre Lapointe, one of Québec's most acclaimed young singer songwriters. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (03/2008) 64 pp 30 ill. coul. 10.5 x 9 po/in softcover 978-2-551-23608-4
$19.95 Can. ($24.95 U.S. / 16 €)



Thomas Hirschhorn : Jumbo Spoons and Big Cake
Josée Bésile

Jumbo Spoons and Big Cake est une installation monumentale qui pourrait ressembler à un centre de documentation sens dessus dessous si ce n'était la présence incongrue, au centre, d'un gigantesque gâteau et de douze cuillères qui la ceinturent. Sur le modèle des cuillères « souvenirs touristiques », elles sont ici l'emblème d'individus ou d'entités que l'artiste associe à des utopies qui ont failli : Mies van der Rohe, Rosa Luxemburg, Nietzsche, Venise, la Chine aini que la mode et l'exposition d'art « dégénéré » organisée par les Nazis en 1937. Dans cette installation, l'artiste propose un espace de réflexion et d'engagement face aux enjeux de la société contemporaine, à la surabondance d'informations, à l'état du monde et à l'urgente question de la faim dans le monde. Jumbo Spoons and Big Cake, acquisition récente du Musée d'art contemporain, a d'abord été exposée au Chicago Art Institute au moment de sa création puis à Paris, au Musée national d'art moderne/Centre Pompidou. En français et anglais.

Jumbo Spoons and Big Cake is a monumental installation that would resemble a topsy-turvy reference centre except for the presence of a gigantic cake and with 12 spoons at its core. Modeled after souvenir spoons, they are emblematic of individuals or entities the artist associates with failed utopias: Mies van der Rohe, Rosa Luxemburg, Malevich, Nietzsche, Venice, China, the exhibition of "degenerate" art held by the Nazis in 1937 and the Chicago Bulls basketball team. In this installation, the artist offers a space for reflection on the an overabundance of information juxtaposed with the urgent question of global hunger. Jumbo Spoons and Big Cake, a recent acquisition of the Musée d'art contemporain, was shown at the Chicago Art Institute and at the Musée national d'art moderne/Centre Pompidou. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (11/2007) 40 pp 13 ill. coul. 24 x 16 cm 978-2-551-23572-8
$15.95 Can. ($18.95 U.S. / 13 €)



Karel Funk
Pierre Landry & Carter Foster

La peinture de Karel Funk se distingue d'emblée par sa technique hyperréaliste extrêmement maîtrisée et par l'originalité avec laquelle l'artiste aborde le genre du portrait. Pour la plupart de petit ou de moyen format, les œuvres donnent à voir des jeunes hommes représentés en buste et habillés de vêtements de protection contre le froid. Le rendu est époustouflant,notamment en ce qui concerne la peau et les tissus. Séduit par cette virtuosité, le spectateur dirige d'abord son attention sur les aspects techniques de l'156;uvre, qui se livre ainsi sous l'angle de son étonnante richesse visuelle et à travers la profusion de détails. L'originalité du travail de Funk repose en grande partie sur la tension qui se crée entre l'extrême générosité de l'œuvre au plan des effets plastiques et son indéniable retenue au plan psychologique. Cette première monographie, amplement illustrée, est accompagnée par deux textes originaux. Pierre Landry est conservateur au Musée d'art contemporain de Montréal. Carter Foster est conservateur au Whitney Museum of American Art, New York. En français et anglais.

Karel Funk's hyperrealist painting immediately commands attention. Influenced by 17th century Dutch and Flemish painters and by Renaissance portraiture, Funk depicts torsos and heads of young men clad in windbreakers and hoods. The rendering, especially of the skin and fabric, is remarkable. Attracted by this virtuosity, viewers first focus their attention on the technical aspects of the work, which is revealed through a singular visual richness and profusion of detail. The originality of Funk's art rests in large part on the tension that is created between the extreme generosity of the piece, in terms of its visual effects, and its undeniable psychological restraint. This fully illustrated publication is the first monograph dedicated to the work of this promising young artist. With essays by Pierre Landry, organizing curator, and by Carter Foster, curator at the Whitney Museum of American Art. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (09/2007) 64 pp 21 ill. coul. 28 x 22 cm 978-2-551-23560-5
$19.95
Can. ($24.95 U.S. / 16 €)



La critique d'art entre diffusion et prospection
Sous la direction de Isabelle Lelarge et Christine Bernier

Actes du deuxième Colloque international Max et Iris Stern organisé sur la situation de la critique d'art aujourd'hui. Les présentations sont orientées selon six axes : définitions de la critique d'art, les approches émergentes, la critique face aux mutations de l'œuvre d'art, le critique comme moteur d'un système, la critique de la critique, et le rôle social du critique. Parmi les participants on retrouve : Nicolas Bourriaud, ancien codirecteur du Palais de Tokyo ; Mona Hakim, commissaire indépendente ; Johanne Lamoureaux, directrice du département de l'histoire de l'art de l'Université de Montréal ; et Jean-Marc Poinsot, directeur de la revue Critique d'art. En français.

Musée d'art contemporain de Montréal (06/2007) 322 pp ill. 23 x 15 cm 978-2-551-23536-0 $39.95 (32 €)



Arts de mémoire : Matériaux, médias, mythologies
Sous la direction de Philippe Despoix et Christine Bernier

Actes du premier Colloque international Max et Iris Stern organisé en relation avec l'exposition Anselm Kiefer: Ciel-Terre présentée au Musée en 2006. Les textes de dix conférenciers, présentés dans leur langue originale, prologent les discussions sur les questions que soulèvent les œuvres de Kiefer, avec la mémoire pour thème central. Par son titre, le colloque souhaitait aussi rendre hommage à l'historien de l'art, Daniel Arasse (1944-2003), et à ses importants travaux sur les « arts de la mémoire » qui l'ont conduit à approcher tout à fait autrement l'œuvre d'Anselm Kiefer. Organisée en collaboration avec le Centre canadien d'études allemandes et européennes et le Centre de recherche sur l'intermédialité de l'Université de Montréal. Parmi les auteurs on retrouve Hubertus v. Amelunxen de l'École Européenne Supérieure de l'Image, Ute Holl de l'Université du Bauhaus à Weimar, Sabine Schütz de l'Université de Cologne et Barbara Wolbert de l'Université de la Viadrina à Francfort-sur-l'Oder. Six textes en français avec quatre textes en anglais.

Proceedings from the first Max and Iris Stern International Symposium organized around the exhibition Anselm Kiefer: Heaven-Earth presented at the Musée in 2006. Ten essays, presented in their original language, extend the discussions raised by Kiefer's work, particularly as it concerns memory. The title is also meant as a tribute to esteemed art historian Daniel Arasse (1944-2003), and to his major research on the "arts of memory" which led him to a completely original approach to Anselm Kiefer's work. Four essays in English and six essays in French.

Musée d'art contemporain de Montréal (04/2007) 220 pp 28 ill. 23 x 15 cm 978-2-551-23528-5 $24.95 (20 €)



Jérôme Fortin
Sandra Grant Marchand & Jean-Éric Riopel

Cette publication présente principalement un corpus d'œuvres récentes et inédites de l'artiste québécois Jérôme Fortin qui réalise depuis une dizaine d'années d'extraordinaires séries créées à partir d'objets du quotidien. Des collections d'objets usinés, organisés en vitrines à la manière d'un dispositif de musée d'ethnographie, aux assemblages plus formels d'objets sériels réunis en des constructions à la fois picturales et sculpturales, les œuvres de Fortin exercent la même fascination, suggèrent la même capacité de rituel des gestes, de transformation des matériaux et d'émergence de la poésie. En français et anglais.

Seducing public and critic alike, the young artist's minutely woven and constructed compositions of recycled materials "trigger the same fascination we get from wandering an old-fashioned museum of curiosities". From collections of manufactured articles laid out as in an ethnographical museum, to more formal compositions that are at once pictorial and sculptural, Fortin's transformation of materials references traditional weaving practices and environmental concerns with stunning results. More recent output reveals a progression toward a pared-down art that reveals "next to nothing" through a relentless and obsessive working of the found object. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (01/2007) 102 pp 35 ill. coul. 26.5 x 23 cm 978-2-551-22980-2 $29.95 Can./U.S. (24 €)



Jean-Pierre Gauthier
Pierre Landry, Michel F. Côté & Ray Cronin

Fruit de recherches portant sur le potentiel sonore et métaphorique de l'objet récupéré, trafiqué et assemblé, les installations de Jean-Pierre Gauthier allient ludisme et poésie à une démarche exploratoire d'une grande rigueur. Au-delà de leur apparente complexité, elles convoquent et confrontent, avec une remarquable justesse de ton, les notions d'ordre et de chaos, de permanence et de fragilité, d'utilité et de gratuité. À ces différents aspects de l'œuvre s'ajoutent les concerts / performances, présentés sous forme d'improvisations sonores réalisées en solo ou avec d'autres artistes / musiciens. Cette publication constitue une première monographie sur la carrière de ce récipiendaire du prix artistique Sobey. En français et anglais.

Jean-Pierre Gauthier creates sound environments using ordinary objects, modulated sounds and physical interaction. His art is divided between "systemic and mechanical-hygienic installations" and sound installations. The first group features everyday objects that are subjected to operations, such as contraction, compression, dissolution and disappearance. In other works, he weaves sound and space together through soundscapes, automated instruments and sound animation and various acoustic systems. The resulting installations are physically independent and bear symbolic reference to commercial exploitation and economic cycles. The analog animation movements of these kinetic creations lend his installations a faintly antiquated character despite their obvious technological ingenuity. This publication is the first monograph dedicated to his work. Gauthier was the 2004 winner of the Sobey Art Award, Canada's pre-eminent prize for young Canadian artists. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (01/2007) 126 pp 50 ill. coul. 26 x 23 cm 978-2-551-22979-6 $29.95 Can./U.S. (24 €)



Guy Ben-Ner : Treehouse Kit
Gilles Godmer

Israélien d'origine, Guy Ben-Ner poursuit à New York une carrière d'à peine une dizaine d'années. Ayant à voir avec le jeu, de même qu'avec la spontanéité de l'enfance, les travaux de l'artiste, nourris par ailleurs de littérature, de cinéma et d'histoire de l'art récente, mettent souvent à contribution son entourage immédiat. 'Treehouse Kit' a été réalisée à l'occasion de la 51ième Biennale de Venise, où elle constituait la participation officielle et remarquée de son pays d'origine. En français et anglais.

Israeli-born, New York-based artist Guy Ben-Ner draws, sculpts and and makes videos that, despite their various components, always draw on the spontaneity and inventiveness typical of childhood. Often featuring family members, his work is notable for its candor and modest construction. 'Treehouse Kit' consists of a modular sculpture and a video projection showing the artist, not without irony, as Robinson Crusoe. It was produced for the 51st Venice Biennale, where it was his native country's official entry. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (01/2007) 24 pp 10 ill. coul. 26.5 x 19 cm 978-2-551-22978-9 $11.95 Can./U.S. (10
)



Rodney Graham
Josée Bélisle & Rodney Graham

Publication qui accompagne une nouvelle exposition avec des œuvres inédites parmi un ensemble de travaux littéraires, musicaux, sculpturaux, photographiques et filmiques de l'artiste.Graham explore à travers l'installation, la photographie, la musique et le film, certains des champs de la connaissance qui ont profondément marqué le 20e siècle. La psychanalyse freudienne, la littérature, la musique, voilà autant de sources menant à la production d'œuvres critiques qui réexaminent librement certains fondements de la culture occidentale. Souvent lui-même le protagoniste de ses photographies et de ses films, l'artiste formalise et incarne les rapports souvent ténus entre différents niveaux de culture, entre la Pop culture et l'art contemporain. Une des constantes de son œuvre serait ce regard pénétrant posé sur les rapports nature/culture. Au cours ses deux dernières années, Graham a exposé au Whitney Museum (New York), à la Vancouver Art Gallery, au Magasin (Grenoble) et CAPC (Bordeaux). En français et anglais.

Publication accompanying an original exhibition featuring new work among a grouping of literary, musical, sculptural, photographic and film pieces by the Vancouver-based artist. Rodney Graham has long explored some of the spheres of knowledge that have had a profound impact on the 20th century. Freudian psychoanalysis, literature (from Edgar Allan Poe to Ian Fleming) and music (from Wagner to Cobain) are among the sources behind his production of critical, often philosophical, sometimes cerebral and even humorous works that freely re-examine certain foundations of Western culture. A regular performer in his own photographs and films, Graham formalizes the often tenuous relations between different levels of culture, between Pop culture and contemporary art. One constant in his work is his penetrating look at the connection between nature and culture. Graham gained international recognition at the 1997 Venice Biennale with his video Vexation Island. Since then he has become one of the most in-demand artists in the world. In just the past two years he has exhibited at, most notably, the Whitney Museum (New York), Lisson Gallery (London), Institute of Contemporary Art (Philadelphia), MOCA (Los Angeles), Vancouver Art Gallery and Magasin (Grenoble). In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (10/2006) 96 pp 30 ill. coul. 24 x 18 cm softcover 978-2-551-22914-7 $29.95 Can./U.S. (24 €)


Neo Rauch (épuisé / Out of Print)
Réal Lussier & Patrice Loubier

Musée d'art contemporain de Montréal (09/2006) 52 pp 26.5 x 23 cm 12 col. ill. coul. softcover 978-2-551-22913-0 $19.95 Can./U.S. (16 €)


Pascal Grandmaison
Pierre Landry & Reid Shier

Présent sur la scène de l'art contemporain depuis la fin des années 1990, Pascal Grandmaison est un des artistes les plus rigoureux et novateurs de sa génération. Son œuvre renouvelle non seulement la photographie et la vidéo, mais également les dispositifs d'exposition qu'il met en scène. Empruntant le plus souvent au genre du portrait, l'artiste aborde dans ses œuvres la pratique du quotidien et la nature hybride des dimensions descriptive et narrative de l'image. Pierre Landry précise : «Au-delà d'un apparent détachement face aux êtres et aux choses, les œuvres de Grandmaison expriment et conjuguent, avec un remarquable aplomb formel, des états d'âme dont le caractère ambigu s'avère porteur d'une indéniable énergie.» Cette publication accompagne la première exposition individuelle de l'artiste dans un musée et documente cinq séries photographiques et trois films, dont plusieurs pièces inédites. Pierre Landry est conservateur au Musée d'art contemporain de Montréal. Reid Shier est directeur de la Presentation House Gallery à Vancouver. En français et anglais.

Since the late 1990s, Pascal Grandmaison has carved out a reputation as one of the most meticulous and innovative artists of his generation. His work suggests a new approach, not only to photography and video, but also to the way his pieces are exhibited. Often based on the portrait genre, Grandmaison's art is distinctive for its formal strategies such as the close-up and white background. In the introduction, director Marc Mayer writes, "In his world we are very far from the materialistic concerns of pop art. The faces, hair and clothes of Grandmaison's sitters are so much of our time that our ephemeral culture seems more present here than in most other recent art that strains so hard to achieve timelessness." This first monograph documents five photographic series and three films, many never previously shown. Pierre Landry is curator at the Musée d'art contemporain de Montréal. Reid Shier is director of Presentation House Gallery, Vancouver. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (05/2006) 126 pp 50 ill. 26.5 x 23 cm softcover 2-551-22891-3 $29.95 Can./U.S. (24 €)


Samuel Roy-Bois : Improbable et ridicule
Gilles Godmer

Le travail d'installation de l'artiste révèle les structures fondamentales dormantes de certains lieux. Au cœur des ces œuvres insolites et déroutantes, la question de l'espace habitable s'impose d'emblée d'ambiguïtés et de paradoxe qui confinent au malaise. Cette première publication dédiée au travail du jeune artiste présente et commente deux installations inédites. En français et anglais

Samuel Roy-Bois creates improbable architectural installations. With their modernist exteriors his spaces seem lived-in or temporarily abandoned. Any suggestion of familiarity, however, is undermined by the artist's ability to convey the ambiguous and paradoxical nature of these transformed living units. This first publication on the young artist, who lives and works in New York, looks at two new works. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (06/2006) 24 pp 10 ill. coul. 26.5 x 19 cm 2-551-22892-1 $11.95 (Can./U.S.) 10 €


Nicolas Baier
Gilles Godmer, Olivier Asselin, Nicolas Baier, Emmanuel Galland et Stéphane Aquin

Deux grandes institutions québécoises ont collaboré afin de produire cette publication amplement illustrée nous présentant un talent hors du commun. Nicolas Baier est intéressé par la beauté du monde. Cette beauté nous est révélée en utilisant les outils les plus récents (la photographie numérique) et les plus anciens (la composition, la couleur, la forme). Et c'est justement cet usage toujours plus discret de la technologie numérique qui rend les photographies de Baier plus malléables, telle une analogie de la peinture. Le travail de Nicolas Baier est un étonnant exemple de la technologie au service de l'imagination. À travers trois essais, une entrevue avec l'artiste, un essai de l'artiste et plusieurs planches couleurs, nous sommes invités à analyser, à découvrir et à savourer l'oeuvre de Baier. Co-publication avec le Musée des beaux-arts de Montréal. En français et anglais

Two of Canada's most prestigious art institutions have for the first time collaborated on a comprehensive publication dedicated to an uncommon new talent. Nicolas Baier reveals the of the world through the newest of means at the pictorial artist's disposal (digital photography) as well as the oldest (composition, colour and form). His increasingly discreet use of technology has transformed his photographic œuvre into a far more malleable medium, more analogous to painting. His photographs are a stunning example of technology at the service of imagination. Three essays, an artist's statement, an interview and numerous colour plates provide analysis, opinion and visual delight. Co-published with the Montreal Museum of Fine Arts. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (03/2006) 144 pp 61 ill. coul. 28 x 22 cm 2-551-22757-7 $39.95 Can./U.S. (32 €)


Territoires urbains / Urban Territories
Réal Lussier

Territoires urbains présente le travail photographique de six artistes qui ont fait de la ville en perpétuel changement leur sujet. À travers une vaste gamme d'intérêts et d'approches, chaque artiste propose une réponse à la question suivante : qu'est-ce-que la photographie documentaire au 21e siècle? Pour cette génération de photographes, la ville n'est pas le sujet de leur enquête, mais plutôt le contexte. Pour ces artistes, la ville évoque les aspects sociaux, politiques et judiciaires de la société, tout en étant un endroit de travail, d'échange et de divertissement. Les artistes expriment ainsi dans leurs travaux un point de vue particulier sur la réalité urbaine, qu'il s'agisse du territoire physique ou de l'espace social. Artistes participants : Christian Barré, Martin Désilets, Isabelle Hayeur, Emmanuelle Léonard, Pavel Pavlov et Myriam Yates. L'essai original est accompagné de textes d'artistes. En français et anglais.

Urban Territories introduces six of the most promising young photographic talents working in Montreal today. Through a wide range of interests and approaches each artist proposes an answer to the question: what is documentary photography in the 21st century? For this generation of photographers the city is not the subject of their investigation but the context for it. For them, the city is a tightening convergence of social, political, environmental and personal realities. By documenting the often unnoticed signs of flux, they demonstrate that art can play a determining role in the debate about the future of our cities. With works by Christian Barré, Martin Désilets, Isabelle Hayeur, Emmanuelle Léonard, Pavel Pavlov and Myriam Yates. An original essay is accompanied by individual artists' statements. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (09/2005) 88 pp 61 ill. (23 coul.) 26.5 x 18 cm 2-551-22783-6 softcover $19.99 Can./U.S. (16 €)


Sylvie Bouchard
Pierre Landry et Christine Dubois

Amorcé durant la première moitié des années 1980, la pratique de Sylvie Bouchard se développe d'abord dans le contexte de ce qu'on appelait "le retour de la peinture" après de longues années consacrées généralement à l'installation. À la suite des rigueurs réductrices du haut modernisme, qui tendaient à l'hermétisme et à l'opacité, les tableaux de Bouchard nous introduisaient à la nouvelle figuration. Les thèmes principaux de l'oeuvre de la peintre sont l'architecture, la nature et la position de la figure humaine dans des zones d'imprécision ou d'incohérence spatiales. Cette étrangeté provoque, chez le spectateur, une sensation de désorientation, voire d'inquiétude. À la fois explicite et abstrus, les tableaux de Bouchard semblent tout dire sans pourtant révéler quoi que ce soit. En français et anglais.

A long overdue 20 year retrospective on the work of one of the first Canadian artists to "return to painting" in the early 1980s. Bouchard's work is as at once a very personal artistic statement and an encapsulation of the movement of an entire generation of artists who reintroduced figurative painting into an art world then dominated by installation. Her mastery of a particularly cryptic form of what was once referred to as post-modern painting has evolved into an investigation of the practice of painting itself. Bouchard's work, marked by the representations of architecture and nature, successfully negotiates a space between other media deemed more contemporary and painting's own weighty heritage. In English and French. Softcover.

Musée d'art contemporain de Montréal (09/2005) 120 pp 69 ill. (50 coul.) 26.5 x 23 cm 2-551-22782-8 $29.95 Can./U.S. (24
)


Alexandre Castonguay : Éléments
Sandra Grant Marchand

Depuis une dizaine d'années, Castonguay explore la photographie numérique, la vidéo, l'installation informatisée et l'internet tout en engageant des thèmes classiques dont le portrait, le paysage et l'architecture. Sa nouvelle installation interactive, Éléments, propose un parcours à travers des projecteurs récupérés et trafiqués, dont les images simulent des phénomènes naturels. L'oeuvre engage la participation du spectateur et suscite une réflexion critique quant au recours aux outils technologiques dans l'environnement social. En français et anglais.

For over a decade Castonguay has explored electronic and photographic media with cutting-edge work that engages classical themes such as portraiture, landscape and architecure. Elements, his new interactive installation, is composed of recycled and altered projection devices and elicits a critical consideration on the use of technological tools in our social environment. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (09/2005) 24 pp 9 ill. coul. 27 x 19 cm 2-551-22784-4 $11.95 Can./U.S. (10
)


L'envers des apparences / Appearances
Gilles Godmer et Nathalie de Blois

Dans un monde envahit d'images, 11 artistes canadiens se sont réunis pour décevoir, confondre et désorienter le spectateur hâtif. Utilisant une vaste variété de médias et de stratégies, leur intention et de nous faire arrêter et de nous forcer de reconsidérer ce que l'on voit. En déjouant habilement notre regard superficiel de leur oeuvre, chaque artiste cible les pièges de la première impression. Le résultat est un défi intoxicant où les choses ne sont pas ce qu'elles semblent être. Qu'il s'agisse du trompe-l'oeil dans les peintures de Taras Polataiko, des effets spéciaux dans les vidéos de Tim Lee, de la disparition d'Annie Baillargeon dans ses photographies ou de l'effet aveuglant des vidéos de Euan Macdonald, chaque oeuvre est quelque chose autre que ce dont nous pensions à première vue. Parmi les participants, on retrouve Jérôme Fortin, Germaine Koh, Kelly Mark, Jean-Marc Mathieu-Lajoie, Damian Moppett, Yannick Pouliot et Ana Rewakowicz. Accompagné d'un essai inédit et d'analyses individuelles sur la carrière et la pratique de chaque artiste. En français et anglais.

In a world overrun with images, eleven artists from across the country have come together to deceive, confuse and puzzle the hasty viewer. Using a wide variety of media and strategies their intention is to stop us in our tracks and force us to reconsider what we are seeing. In skillfully thwarting a superficial reading of their works each artist targets the pitfalls of first impressions. The result is an intoxicating challenge where things are not quite as they appear. Taras Polataiko's paintings incorporate tromp l'oeil. Tim Lee's videos use trick special effects. Annie Baillargeon disappears into her own photographs. Euan Macdonald's videos blind the viewer entirely. Other participants include Jérôme Fortin, Germaine Koh, Kelly Mark, Jean-Marc Mathieu-Lajoie, Damian Moppett, Yannick Pouliot and Ana Rewakowicz. An original essay is accompanied by individual analyses of each artist's practice and career. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2005) 112 pp 61 ill. coul. 26 x 20.5 cm 2-551-22692-9 $29.95 Can./U.S. (24 €)


Fiona Tan : Saint Sébastian
Pierre Landry et Fiona Tan

Saint Sébastian est une installation vidéo de l'artiste Fiona Tan, mettant en scène la cérémonie annuelle du Toshiya à Kyoto. Prenant la forme d'une compétition de tir à l'arc, la cérémonie constitue un rite de passage pour des jeunes et l'objectif repose sur l'atteinte d'un état d'esprit plutôt que d'une cible. L'installation de Tan, qui nous monte la competition des femmes, aborde la question de la perception de différences culturelles à travers des images raffinées et une grande sensibilité. Native de l'Indonésie, Tan vit et travaille à Amsterdam. En français et anglais.

Tan's video installation - Saint Sebastian - is distinctive for its highly controlled editing, its refined images and the sensitivity with which the artist tackles the question of the perception of cultural differences. Saint Sebastian focuses on the annual Toshiya ceremony in Kyoto. Tan shows us the women's competition of this traditional archery competition which serves as a coming-of-age ritual. The images are breathtakingly beautiful&emdash;as Tan writes, "magic and beautiful, perhaps even too beautiful." A native of Indonesia, Tan lives and works in Amsterdam. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2005) 24 pp 7 ill. 26 x 20.5 cm 2-551-22693-7 $11.95 Can./U.S. (10
)


Cynthia Girard : Fictions sylvestres / Sylvan Fictions
Réal Lussier

S'inscrivant dans la tradition des conteurs québécois, Cynthia Girard nous présente des oeuvres récentes qui nous démontrent sa réflexion sur l'identité collective québécoise. L'artiste dénonce nos contradictions et nos ambivalences face à l'exploitation forestière à outrance et, plus globalement, face aux ressources naturelles, tout en confrontant le passé folklorique et le présent, l'économique et l'écologique. En français et anglais.

Applying a tight formalist vocabulary to a folkloric tradition, Girard explores the exploitation of our forests, understood here as both natural resource and industry. Comparing past and present, economy and ecology, she denounces our contradictions and equivocations with respect to environmental abuse. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2005) 24pp 14 ill. (10 coul.) 26.5 x 19 cm 2-551-22637-6 $11.95 Can./U.S (10 €)


Michel Goulet : Part de vie, part de jeu / Part Life, Part Game
Josée Bélisle

Depuis plus de 30 ans. Michel Goulet se consacre à un projet sculptural entier et nourri des rigueurs de l'objet. L'objet, qu'il s'agisse de matière, de volume ou d'espace, est plutôt choisi que trouvé et est riche de contenus volontairement contradictoires. L'artiste a recours au processus d'inventaire et d'énumération ; il ménage des allusions aux contextes culturel, social et politique et il insiste, soit dans les rapports d'échelle ou ses motifs mobiliers et immobiliers - table, lit, chaise, maison, ... - sur la préséance du corps et sur les conditions de l'existence. Michel Goulet a représenté le Canada à la XLIIIe Biennale de Venise en 1988 et a reçu le Prix Paul-Émile Borduas, en 1990, pour les arts visuels. En français et anglais.

For more than 30 years, Michel Goulet has devoted himself to a sculptural undertaking focused entirely on the object, chosen rather than found and then infused with contradictory content. His tables, chairs, domestic objects and model homes are infused with allusions to cultural, social and political contexts and, while filled with fantasy and memory, they embody a search for meaning through physical experience. Nowhere is the play between private and public, domestic and social more evident than with Goulet's public art. Placed in parks and in neighbourhoods, his works become focal points for discussion and use. Michel Goulet represented Canada at the XLIII Venice Biennale and was awarded the Prix Paul-Émile Borduas for visual arts. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 86 pp 50 ill. coul. 22 x 25 cm 2-551-22564-7 $29.95 Can./U.S (24 €)


Isaac Julien
Paulette Gagnon

Cette lumineuse publication, contenant des douzaines d'illustrations couleurs, accompagne la première mondiale de la nouvelle installation cinématographique du cinéaste britannique Isaac Julien. Co-produit par le Musée d'art contemporain de Montréal et le Centre Georges Pompidou, True North raconte l'histoire de Matthew Henson, le serviteur de Robert Peary et le premier homme de race noire à mettre pied au Pôle nord. Le travail de Julien interroge le rôle de la mémoire dans la construction du mythe de l'identité à travers le destin de la diaspora noire. Lors d'une entrevue avec Shaheen Merali, Julien développe ce concept vers une discussion de l'expérience transculturelle ainsi que vers des nouvelles manières d'examiner les concepts philosophiques développés par les Afro-Américains et leur influence sur la pensée européenne et vice versa. La publication inclut également des images et des discussions découlant de deux autres installations cinématographiques : Paradise Omeros et Baltimore. En français et anglais.

This luminous publication, illustrated with dozens of colour images, accompanies the world premier of a new film installation by British filmmaker Isaac Julien. Coproduced by the Musée d'art contemporain de Montréal and the Centre Pompidou. True North tells the story of Matthew Henson, Robert Peary's servant and the first black man to set foot on the North Pole. The Black Diaspora is central to Julien's concerns. In an interview with Shaheen Merali he extends the concept into a discussion of transcultural experience and ways of looking at the philosophical ideas developing among African-Americans and how they influence European thoughts and vice versa. Also included are images from and discussions of two other film installations, Paradise Omeros and Baltimore, a tribute to American filmmaker Melvin Van Peebles. In English and French

Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 96 pp 63 ill. coul. 21.5 x 25.5 cm 2-551-22540-X $29.95 Can./U.S (24 €)


La magie des signes : œuvres sur papier de la Collection Borduas
Josée Bélisle et Sam Abramovitch

Publiée à l'occasion de l'exposition dédiée entièrement à Paul-Émile Borduas et présentée à l'Orangerie du Domaine de Madame Élisabeth à Versailles, cette publication est co-éditée par le Conseil Général des Yvelines à Versailles. Les oeuvres, principalement des fusains sur papier, gouaches et aquarelles, proviennent exclusivement du Fonds Paul-Émile Borduas du Musée d'art contemporain de Montréal. Réalisées entre 1927 et 1960, les quelque 50 oeuvres sur papier choisies, accompagnées d'un exemplaire du Refus Global, illustrent l'itinéraire plastique sensible et singulier de Borduas.

Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 80pp 44 ill. (35 coul.) 25.5 x 21.5 cm 2-551-22533-7 $16.95 Can./U.S (10 €)


Laurent Pilon : le cri muet de la matière
Réal Lussier et Michaël Lachance

Depuis le milieu des années 80, le sculpteur québécois Laurent Pilon questionne l'essence et l'apparence des choses en faisant de la résine de polyester le matériau essentiel de sa production. Ce matériau, dépourvu de tout poids symbolique, est entièrement livré aux mouvements de l'esprit et à l'accomplissement de la pensée créatrice. Pilon poursuit son exploration de formes et de textures appartenant à la nuit des temps grâce à ce matériau des plus actuels. En français et anglais.

Since the 1980s Laurent Pilon has questioned the substance and appearance of sculpture by making polyester resin his sole working material. As an industrial residue largely without cultural or symbolic association, this material allows him a creative freedom unmatched by other materials. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 48 pp 17 ill. coul. 26.5 x 19 cm 2-551-22542-6 $16.95 Can./U.S (14 €)


Ginette Laurin : La résonance du double
Louise Ismert

Publication d'un évènement multi-disciplinaire : une série de chorégraphies originales et de vidéos de Ginette Laurin. La chorégraphe a travaillé avec des couples de jumeaux identiques afin de voir comment deux êtres parfaitement semblables interprètent le même mouvement. Fondatrice de la compagnie de danse O Vertigo, Ginette Laurin est l'une des chorographes les plus respectées au Canada. En français et anglais.

Publication of a cross-disciplinary event, that of a series of original choreographies and videos by Ginette Laurin. Working with eight sets of identical twins in both live and recorded performances, she explores notions of gesture, repetition and identity. Ginette Laurin is one of Canada's most respected choreographers and founder of the dance company, O Vertigo. In English and French

Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 24 pp 16 ill. (7 coul.) 26.5 x 19 cm 2-551-22541-8 $11.95 Can./U.S (10 €)


« Nous venons en paix…» Histoires des Amériques
Pierre Landry, Johanne Lamoureux et José Roca

Le ton de cette ambitieuse publication est établit dès son titre : une affirmation que le recul historique fait apparaître comme étant cruellement ironique du point de vue historique, éthique et politique. À travers une vaste gamme d'approches, 17 artistes des Amériques, d'origines amérindiennes, africaines et européennes, démontrent la persistence de l'histoire en tant que source d'inspiration ainsi que de sujet de questionnement. Cette panoplie d'expériences nationales, raciales et linguistiques nous dévoile le parcours du récit à travers la multiplication des récits, des types et stéréotypes, ainsi que de la présence d'un fait ou d'un personnage et de son effacement ou de sa décontextualisation via l'Histoire. Les propositions des artistes, en français, en anglais et dans leur langue maternelle, offrent au lecteur un accès direct à la genèse de ces projets d'artistes. Les pays représentés incluent notamment le Brésil, le Canada, le Chili, la Colombie, la Cuba, les États-Unis et le Mexique.

The tone is set in this ambitious publication's title, "We Come in Peace" : a pronouncement that embodies a cruel irony of historical, ethical and political proportions. Seventeen artists from throughout the Americas and of Native, African and European ancestries demonstrate the persistence of history as a source of inspiration and an object of interrogation. The breadth of national, racial and linguistic representation ensures that the narratives revealed are marked by a multiplication of accounts, an examination of types and stereotypes and a presence of facts and individuals erased or decontextualized by an official History. Artists' statements, in English and French and in their original language, provide the reader with direct access to the genesis of each artist's project. Countries represented include Brazil, Canada, Chile, Colombia, Cuba, Mexico and the United States.

Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 224 pp 137 ill. coul. 27 x 20 cm 2-551-22499-3 $39.95 Can./U.S (32 €)


Henri Venne : (D') après nature
Sandra Grant Marchand

Plus récente publication dans la série dédiée aux jeunes artistes québécois et à leur première exposition solo dans un musée. Cette série vise à offrir une plus grande visibilité aux artistes émergents tels Nicolas Baier. Jumelant photographie avec peinture, Henri Venne nous présente huit diptyques suggérant pour le spectateur le va-et-vient entre le souvenir d'un instant passé et l'expérience de l'instant présent.

Latest in a series of publications devoted the first solo museum exhibition for emerging artists. Combining photography with painting, Venne presents eight diptychs whose images capture the fleeting moments between recollection and experience.

Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 24 pp ill. coul. 26 x 19 cm 2-551-22494-2 $11.95 Can./U.S (10 €)


Kamila Wozniakowska : Le monde comme il va
Gilles Godmer et André Lamarre

L'artiste montréalaise d'origine polonaise entreprend un travail de peintre entièrement personel, principalement centré sur l'individu et sur les rapport qu'il entretient avec ses semblable en société. Par sa facture unique, ses sujets rares, recherchés même, son ton ambigu, empreint d'ironie, la peinture de Wozniakowska occupe une place à part dans la peinture canadienne d'aujourd'hui. Wozniakowska a fait ses études à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. En francais et anglais.

Wozniakowska's painting reveals a fascination for communication and the complexity of human relations. It is an examination of the transmission and interpretation of the narrative in particular and the narrative power of the image in general. Through whimsical and often humorous scenes which allow many possible levels of interpretation, these paintings reveal the dramatic gap between our own life experience and what remains of it in the records left for posterity. Born in Poland, Kamila Wozniakowska studied in France. She now lives and works in Montreal. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 80 pp 29 ill. coul. 25 x 21 cm (8.5 x 10 in) 2-551-21891-8 $34.95 Can./U.S. (28 €)


Dominique Blain
Réal Lussier et Thérèse St-Gelais

Depuis les années 80, Dominique Blain travaille sur les rapports de force, les effets du colonialisme et des transmigrations pour pointer et dénoncer des injustices sociales et politiques. Partant d'images trouvées, de photographies d'archives et d'objets familiers, elle redonne à ceux-ci une signification et un impact perdus par leur utilisation courante ou leur détournement médiatique. Les auteurs guident notre attention vers la cohérence et la consistance d'une pratique sculpturale qui est notable autant pour sa force plastique et symbolique que pour son universalité. Une entrevue, un essai et les planches couleur sont accompagnés d'un projet d'artiste original de 10 pages. Durant les dernières années, Dominique Blain a exposé à Carnegie Mellon University, à la San Diego's University Art Gallery, à la Galerie d'art de Vancouver ainsi qu'à la Biennale de Sydney.

Since the 1980s, Dominique Blain has worked to highlight and denounce political abuse, militarism and social conflict in a wide range of contexts. Taking found images, archival photographs and everyday objects, she imbues them with a meaning and an impact that has been lost or buried through their use by dominant cultural and political forces. This publication provides an opportunity to draw attention to the coherence and consistency of a sculptural practice which is notable as much for its plastic and symbolic force as for the universality of its subjects. An interview, an essay and several colour plates are accompanied by an original 10 page artist's project. Dominique Blain divides her time between Montreal and Los Angeles. In the past few years she has had major exhibitions at Carnegie Mellon University, San Diego's University Art Gallery, the Vancouver Art Gallery and the Sidney Biennial. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 70 pp. 30 ill. coul. 27 x 19 cm 2-551-21889-6 $34.95 Can./U.S. (28 €)


Michel Boulanger : Traîner son lourd passé
Réal Lussier

Depuis déjà d'une dizaine années, le peintre montréalais est devenu le maître des illusions chimériques, élaborant un œuvre fait de compositions extravagantes. Cette publication documente l'introduction d'un élément narratif ainsi que de l'apparance des figures appartenant à une ménagerie fictive qu'il a créé par le biais de la modélisation 3D.

Over the past few years the Canadian painter has developed a reputation as a master of chimerical illusions, with a work full of extravagant and fascinating compositions. This publication traces the introduction of narrative as well as animal imagery created from 3D modeling. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 60 pp $11.95 Can./U.S. (10 €)


Yves Gaucher
Sandra Grant Marchand, Roger Bellemare, Danielle Blouin, Jean-Jacques Nattiez & David Tomas

Cette publication consacrée à Yves Gaucher se veut un hommage à l'une des figures marquantes de l'abstraction au Québec et au Canada. Première rétrospective posthume, le catalogue de l'exposition vise à présenter l'ensemble de l'œuvre peint, gravé et dessiné, dans un parcours historique s'échelonnant sur plus de quatre décennies. S'étalant de la fin des années cinquante jusqu'à l'an 2000, l'ensemble des œuvres rend compte du dialogue entre les médiums qui a constamment nourri la recherche de Gaucher. Le parcours s'articule autour des problématiques qui englobent les thématiques, les éléments structurels ainsi que le vocabulaire de la couleur explorés par Gaucher au cours de sa carrière artistique. Cette pulbication monographique de l'œuvre entier de Gaucher contribue à mieux faire connaître à un large public l'apport majeur de cet artiste à l'art contemporain québécois et canadien.

Publication of the first posthumous exhibition of one of the leading figures in the Canadian abstract movement. Essays by curators and critics present an exhaustive overview of four decades of Gaucher's paintings, prints and drawings, delineating the intimate dialogue between mediums that was the artist's constant source of inspiration. Jazz, electronic music and particularly the music of Webern had a definitive effect on Gaucher's increasingly minimalist style and his œuvre is marked by a singular approach to colour and structure that influenced generations of artists. This important publication is an indispensable resource for anyone wishing to understand a key actor in the genesis of one of the most important artistic movements in Canada and around the world. Yves Gaucher died in 2000 at the age of sixty-six. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 288 pp 115 ill. 27x21.5 cm / 10.5x8.5 in 2551218365 $59.95 Can./U.S. (42 €)


Nicolas Baier : Scènes de genre
Gilles Godmer

Peintre à ses tous débuts mais essentiellement photographe, Nicolas Baier commence sa carrière au début de la dernière décennie. Dans ce projet qui poursuit l'investigation intimiste et autobiographique du quotidien et de l'univers domestique, l'artiste continue d'approfondir ce rapport qu'entretient sa pratique de la photographie avec la peinture. Nicolas Baier connaît depuis peu une véritable effervescence créatrice, que couronnait le Prix Pierre-Ayot 2000, destiné à l'excellence de la relève en arts visuels. En français et anglais.

Originally a painter, and now essentially a photographer, the Montreal-based artist began his career in the early 90s. The projects explored here offer an autobiographical investigation of everyday, domestic reality through a substantial body of works that confound disciplines and break down the barriers between art and its exhibition space. This is the latest in the series of publications the Musée devotes to emerging artists. Baier's creative vitality has been recognized with the prestigious Pierre-Ayot Award. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 24 pp 6 ill. 27x19 cm / 10.5x7.5 in 2551218373 $11.95 Can./U.S. (9 €)


Jana Sterbak : From Here to There
Gilles Godmer & John W. Locke

Figure majeure de l'art contemporain depuis 20 ans, Jana Sterbak développe un travail complexe marqué par une grande variété de stratégies. Bien qu'elle s'inspire de sources intellectuelles, elle demeure l'une des rares artistes à provoquer des débats publics à grande échelle et cela indépendemment du milieu. Depuis la création de Vanitas : Robe de chair pour albinos anorexique, elle sait comment toucher les points sensibles sociétaux. L'installation vidéo From Here to There comprend une micro-caméra, la transmission visuelle et sonore sans fil, de multiples écrans et un chiot nommé Stanley. La cité des Doges vue par ce chien comporte le regard sardonnique emblématique à l'artiste mais le but de l'exercice se retrouve ailleurs, comme il en est souvent le cas avec Sterbak. Deux essais posent un regard sur l'oeuvre d'hier et d'aujourd'hui. On y retrouve également un texte sur le pavillon canadien ainsi qu'une recette pour un ragoût de porc-épic. En français, anglais et italien. Parmi les lieux d'exposition de Jana Sterbak : Centre Georges Pompidou, Galerie nationale du Jeu de Paume, École nationale supérieure des Beaux-Arts, Musée national d'art moderne et le Musée des Beaux-Arts du Canada.

A major figure in contemporary art for the past 20 years, Jana Sterbak has developed a complex corpus of work which, while intellectual in inspiration, has emerged from the usual confines of artistic interest to provoke large-scale public debate. Since the creation of her controversial Vanitas: Flesh Dress for an Albino Anorexic, Sterbak has always touched a nerve.Sterbak's video installation, From Here to There is comprised of a micro-camera, wireless image/sound transmission, multiple screens and a terrier named Stanley. A dog's eye view of the City of the Doges is ample evidence of the artist's sardonic wit, but as always with Sterbak, the real purpose lies elsewhere. Two essays consider Sterbak's current work within the context of her entire œuvre. Accompanied by a text on the Biennial's Canadian pavilion (known as the tipi), a text by Flying Hawk on life in a tipi and a recipe for Porcupine stew. In English, French and Italian. The Museum of Contemporary Art Chicago, Museum of Modern Art, Fundació Antoni Tàpies, Louisiana Museum of Contemporary Art and the National Gallery of Canada have all mounted solo exhibitions of her work.

Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 196 pp 24x16 cm 60 ill. coul. / 10x6 in hardcover 2-551-21755-5 $39.95 Can./U.S. ( 28 €)


Nan Goldin
Paulette Gagnon et Éric Mézil

L'artiste américaine Nan Goldin est considérée comme l'une des plus influentes photographes de la scène artistique actuelle. Cette publication trace la transformation récente de son œuvre en traitant les photographies des 30 dernières années, un film et deux diaporamas. Composée essentiellement du fonds de la Collection Lambert, une collection unique en France et créée par le marchand de tableaux Yvon Lambert, l'exposition témoigne d'une collaboration de longue date entre le collectionneur et l'artiste; une collaboration qui a produit sa première exposition en France ainsi qu'une production récente qui s'est sensiblement transformée et laisse également découvrir le paysage et la nature morte. Éric Mézil est directeur de la Collection Lambert. Paulette Gagnon est conservatrice en chef du Musée d'art contemporain de Montréal. En français et anglais.

The internationally acclaimed photographer has built a singular reputation from 30 years of unrelenting work. Long associated with the New York underground scene, Goldin is known for her brutal, documentary-style approach to capturing her friends and herself on film. This publication, produced in collaboration with the Collection Lambert in Avignon France, provides a unique perspective on the transformation of Goldin's œuvre with photographs produced since 1972, a film and two slide shows. Drawn essentially from the Collection Lambert, a unique collection built by art dealer Yvon Lambert, both exhibition and publication testify to a privileged relationship. In his essay, Mézil describes the artist/dealer bond that produced Goldin's first show in Paris and encouraged her to undertake radically different work, including landscapes and still lifes. Éric Mézil is director of the Collection Lambert. Paulette Gagnon is senior curator at the Musée d'art contemporain de Montréal.

Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 96 pp 60 col. ill. coul. 28x22 cm / 11x8 in softcover 2551217547
$39.95 Can./U.S (28 €)


David Rabinowitch
Josée Bélisle, David Carrier, Donald Kuspit, Catrina Neiman et David Rabinowitch

Le sculpteur canadien David Rabinowitch élabore, depuis le début des années 60, une œuvre singulière, conjuguant les champs apparemment contrastés de la gravité et de la perspective. Ainsi qu'en témoigne notamment le cycle de dessin séminal entrepris dès 1969 et intitulé Construction of Vision, la part essentielle de l'observation se matérialise dans la compression de la verticalité au profit de l'horizontalité, ce qui ancre les points de vue multiples de l'œuvre dans une relation avec l'échelle humaine. Organisée par le Musée d'art contemporain de Montréal en collaboration avec le Musée des beaux-arts du Canada, cette exposition constitue l'une des premières manifestations d'envergure au Canada pour cet artiste installé à New York depuis 1972. Elle mettra en lumière les développements cycliques d'une pratique sculpturale et graphique rigoureuse et concise, tout entière, nourrie des confluences de la science, de la littérature et de la philosophie. En français. Une édition en anglais sera publiée simultanément.

David Rabinowitch sera l'exposition principale au Musée d'art contemporain de Montréal du 14 avril au 21 octobre 2003, ainsi qu'au Musée des beaux-arts du Canada du 7 novembre 2003 au 8 février 2004.

Musée d'art contemporain de Montréal / Musée des beaux-arts du Canada (2003)
120 pp 110 ill. 32 x 25 cm 088884770x $44.95 Can./U.S (31 €)


David Rabinowitch
Josée Belisle, David Carrier, Donald Kuspit, Catrina Neiman & David Rabinowitch

Published on the occasion of the first major solo exhibition in Canada for the New York-based Canadian sculptor, this elegant publication highlights the developments of a sculptural and graphic practice drawn from the confluences of science, literature and philosophy. David Rabinowitch (b. Toronto 1943) first came to prominence in the 1960's in London. Since that time he has developed a singular body of work that plays on the apparently contrasting fields of gravity and perspective. Rabinowitch has exhibited worldwide and has been the subject of numerous publications from European art publishers such as Richter Verlag and Cantz. This is the first Canadian book dedicated to this Canadian artist of international stature. The event is reflected in the publication: richly illustrated and in English only, a rarity for the National Gallery of Canada. A separate French language edition is being simultaneously published.

The National Gallery of Canada /Musée d'art contemporain de Montréal (04/2003)
120 pp 110 ill. (35 col.) 12.5 x 10 in. softcover 0888847718 $44.95 Can./U.S ( 31 €)


James Casebere
Réal Lussier & Douglas Bohr

Depuis le début des années 80, le photographe américain James Casebere se distingue par une œuvre où se rencontrent diverses influences : que ce soit le film, l'architecture, la sculpture ou l'art conceptuel. Recourant à la construction de maquettes pour la réalisation de ses photographies, Casebere manifeste dans son travail une prédilection particulière pour les espaces intérieurs et leurs caractères symboliques qu'il magnifie grâce au traitement de la lumière. Aussi, ses œuvres aux dimensions importantes se signalent par leur luminosité mystérieuse qui incite à l'évocation de souvenirs et d'émotions. Organisée par le Southeastern Center for Contemporary Art de Winston-Salem en Caroline du Nord. En français et anglais.

Since the early 1980s the American artist has been making photographs of miniature constructions of the built environment, with images ranging from suburban interiors to institutional structures. Casebere is interested in the point at which photography, architecture and sculpture intersect. He was one of the first "post modern" artists to become known for creating images for the camera, a methodology currently being explored by photographers like Gregory Crewdson and Thomas Demand. This exhibition, organized by the Southeastern Center for Contemporary Art (Winston-Salem North Carolina) highlights the cimematic significance of the emotionally charged work. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 28 pp 9 col. ill. coul. 27x19 cm / 10.5x7.5 in 2551216796 $11.95 Can./U.S. ( 8 )


Nadine Norman : Je suis disponible. Et vous? / I'm Available. Are You?
Sandra Grant Marchand & Cécile Bourne

Axé sur l'interaction avec le visiteur, le travail de Norman interroge les facteurs qui modèlent l'identité féminine et qui en sous-tendent la perception. Son nouveau projet intermédiatique et performatif explore les ambiguïtés et situe la polémique entourant la notion de «disponibilité» d'une femme, et pose enfin la problématique de la relation entre la communication et le désir. Le texte de Marchand est accompagné d'une entrevue et d'une bibliographie sélective. Une exposition parallèle de Norman, Call Girl, fut un énorme succès à Paris. En français et anglais.

Focusing on interaction with the visitor, Norman's new intermedia and performance-based project explores the ambiguities and polemics surrounding the notion of a woman's "availability" and develops the relationship between communication and desire. With an essay, an interview and a selective bibliography. Norman's parallel exhibition, Call Girl, caused a sensation in Paris. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 24 pp 12 ill. 10.5x7.5 po/in. 2551216583 $11.95 Can./U.S. ( 8 €)


Atom Egoyan : Hors d'usage / Out of Use
Louise Ismert & Michael Tarantino

Le cinéaste canadien le plus célèbre, Atom Egoyan mène aussi une carrière comme artiste visuel tout aussi prestigieuse mais moins connue. Cette publication met en lumière cette voie artistique parallèle.Inspiré par l'expérience de son film, Krapp's Last Tape, Egoyan lançait un appel à la communauté montréalaise. Il s'agissait de retrouver des magnétophones domestiques et d'évoquer le souvenir des utilisations de ces appareils dans les années 50 et 60. L'artiste a conçu une installation sonore et visuelle confrontant mémoire individuelle et collective. Accompagnée d'une entrevue, d'une analyse des installations principales d'Egoyan, d'une bibliographie, d'une filmographie ainsi que de la documentation complète sur les installations et les projets de l'artiste. En français et anglais.

Egoyan's filmmaking career is well-documented but his equally prestigious reputation as a visual artist, less so. This publication, with an interview and an essay on his latest audio-visual installation as well as up-to-date documentation on his international exhibitions, sheds light on this parallel artistic career. Having already explored recorded memory in his film Krapp's Last Tape, Egoyan expanded the idea with a call to the population of Montreal at large: anyone still in possession of a reel-to-reel tape recorder and original tapes from the 1950s and 1960s was invited to play their tapes and tell their stories for the camera. From these discarded machines and their vulnerable technology Egoyan created a fresco of memories, stories that had never been told that, when gathered together, transformed what is essentially a solitary experience into a collective public event. With a filmography, bibliography and a list of Egoyan's installations and projects. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 60 pp 28 ill. 11x8 po/in. 255121596x $29.95 Can./U.S ( 21 €)


Melvin Charney
Pierre Landry, David Harris & Gilles A. Tiberghien

Depuis les années 60, Melvin Charney élabore une œuvre aux confins de l'architecture, du dessin, de la photographie, de la sculpture et de l'installation qui est nourrie par des rapports sociaux et des courants artistiques et architecturaux. La publication est composée, en premier, de photographies réalisées depuis les années 50. Un second corpus regroupe des photographies assemblées dans lesquelles un site donné est simultanément déconstruit et réinventé. Le troisième groupe réunit des photographies peintes réalisées au cours de la dernière décennie. Le quatrième groupe propose des dessins et des sculptures ayant trait à différents projets conçus au cours des années 90. Non seulement les photographies de Melvin Crarney ont une valeur artistique et esthétique mais aussi historique ; elles deviennent témoins et acteurs du 20e siècle. Accompagné de trois textes ainsi que des commentaires de l'artiste. En français et anglais.

Since the 1960s Melvin Charney has created an immense body of work that, while profoundly architectural, has always transgressed into other disciplines. Consequently, like his drawings, sculptures and installations, his photographs are fueled by a strong commitment to the urban environment. This publication tracks four decades of a singular and multidisciplinary œuvre through Charney's photographs, demonstrating their visual power as well as their place in his overall artistic vision.With hundreds of images to guide us, this publication outlines Charney's trajectory from his earliest photographs of Montreal's old neighbourhoods in the 1950s, through to his use of photographic assemblages in architectural settings, his painted photographs of industrial sites and his gigantic outdoor constructions melding photography with aluminum and wood. With three essays and artist's commentary. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 182 pp ill. 9.5x6.5 po/in 255121453X $39.95 Can./U.S ( 28 €)


Lyne Lapointe : La tache aveugle
Gilles Godmer, Steve Baker & Christine Ross

Au début des années 80, Lyne Lapointe s'impose comme l'une des jeunes artistes les plus prometteuses de sa génération. Puis c'est l'importante rencontre avec Martha Fleming avec qui, entre 1982 et 1995, se développe l'un des projets artistiques les plus remarquables à ce jour. Depuis, Lapointe renoue avec la pratique individuelle qui avait marqué ses débuts.La publication regroupe les œuvres récentes où dominent le dessin, le collage et la peinture. Le travail de l'artiste oscille entre les arts et les sciences, réactualisant un humanisme tel qu'on l'entendait à la Renaissance c'est-à-dire dans le sens de l'éclatement des disciplines. En français et anglais. Steve Baker est professeur en culture visuelle contemporaine à l'Université du Central Lancashire au Royaume-Uni. Christine Ross est directrice du Département d'histoire de l'art de l'Université McGill.

The 1980s gave rise to a generation of artists who ignored the boundaries of discipline and place, creating works that were difficult to define and difficult to miss. Lyne Lapointe was one of the most remarkable. Her meeting with Martha Fleming produced a collaboration striking in both innovation and longevity and between 1982 and 1995 the duo created on-site urban installations around the world.With la Tache aveugle (Blind Spot) Lapointe resurfaces with a new body of work. In a burst of interdisciplinary activity, she hearkens back to Renaissance ideals with drawings, paintings and collage that reveal a universe oscillating between art and science. In English and French. Steve Baker is professor of contemporary visual culture at the University of Central-Lancashire (U.K.). Christine Ross is head of the Art History Department at McGill University.

Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 94 pp 36 ill.10x8.5 po/in 2551215064 $29.95 Can./U.S ( 21 €)


Alexandre David
Gilles Godmer

D'abord identifié à la peinture, ces dernières années nous ont fait connaître David également comme photographe. Mais on peut dire que sa pratique constante du dessin, de même que celle de la sculpture sont restées relativement inconnues à ce jour. L'exposition propose, pour la première fois, un corpus de sculptures monumentales récentes auquel s'ajoutent la présence du dessin et de la photographie. En français et anglais.

David's ongoing practice of drawing and sculpture has remained relatively unknown until now. This publication studies monumental sculptures, along with drawings and photographs, and illustrates the various directions followed by the artist's work. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 24 pp 9 col. ill. 10.5x7.5 po/in 2551216095 $11.95 Can./U.S ( 8 €)


François Lacasse: Peintures 1992-2002
Réal Lussier & Jean-Emile Verdier

Ce catalogue d'exposition propose un premier bilan du travail du peintre québécois. Celui-ci développe depuis plus d'une dizaine d'années déjà une œuvre picturale exceptionnelle avec rigueur et constance, et se distingue comme l'un des représentants les plus talentueux et significatifs de sa génération. Lacasse a participé dans les expositions majeurs telles que de Fouge et de passion. En français et anglais.

Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 75 pp 38 ill. 28x23 cm 2551214424 $29.95 Can./U.S ( 21
)


Dialogue(s)
Réal Lussier & Marie-France Beaudoin
Les auteurs posent un regard sur les caractères particuliers d'une certaine peinture abstraite actuelle. Trois artistes, Lise Boisseau, Michel Daigneault et David Urban, ont été retenus pour les préoccupations qu'ils manifestent. En français et anglais.

An analysis of contemporary abstract painting as evidenced in the work of Lise Boisseau, Michel Daigneault and David Urban. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 48 pp 12 ill. 10.5x7.5 po/in 255121369x $19.95 Can./U.S ( 14 €)


Shirin Neshat (Out of print / épuisé)
Paulette Gagnon, Shoja Azari & Atom Egoyan

Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 128 pp 52 ill. 9x11 po/in. couverture rigide / hardcover 2551213606 $44.95 Can./U.S ( 31 €)


Mondalisation et postcolonialisme : Définitions de la culture visuelle V
Susan Douglas et al

Textes du colloque qui fait suite à Mémoire et archive où plusieurs conférenciers ont traité de questions relatives à l'Europe. Cette fois les feux de la rampe seront tournés vers la culture des Amériques. En français et anglais.

Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 119 pp 21x17.5 cm 2551214920 $12.50 Can./U.S ( 9 €)


Denis Marleau : Les Aveugles, fantasmagorie technologique (épuisé / out of print)
Louise Ismert

Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 24 pp 26x19 cm 2551214599 $11.95


Stéphane Gilot : Libre arbitre
Pierre Landry

Avec l'installation in situ, Libre arbitre, conçue pour cette exposition et dont le titre traduit la dualité au cœur même de la notion de jeu, Gilot propose un parcours à la fois ouvert et balisé où il est question de circulation, d'observation, de rencontres et d'échanges. En français et anglais.

With an in situ installation conceived especially for this exhibition and occupying the entire space, Gilot confronts the visitor with architectural and social preoccupations. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 24 pp 26x19 cm 2551204763 $11.95 Can./U.S ( 8 €)


Stéphane La Rue : Panoramas et autre vertiges
Réal Lussier

À l'occasion de cette première manifestation dans un musée pour l'artiste Stéphane La Rue, l'exposition présente une série de travaux inédits. L'exposition est composée de grands monochromes blancs sur le thème du panorama.

On the occasion of his first individual exhibition in a museum, La Rue presents several panoramic monochrome paintings.

Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 24 pp 26x19 cm 2551213126 $11.95 Can./U.S ( 8 €)


Sylvie Laliberté : œuvre de politesse
Gilles Godmer

Dans ses performances, ses vidéos, dans la gravure, le dessin, la photographie et la chanson, Sylvie Laliberté, nous entretient, depuis plus de 15 ans. œuvre de politesse est composée d'un mobilier domestique joyeusement dessiné par l'artiste. Tables, poufs et chaises sont disposés pour offrir au visiteur un lieu où s'arrêter, s'attarder, flâner et surtout s'asseoir, remettant donc le visiteur au centre de l'installation. En français et anglais.

For 15 years Sylvie Laliberté has been regaling her public in video, performance, drawing and song. Here, she puts the spectator front and centre amid a fantastical decor she herself designed, all with the intention of obliterating the distinctions between art and life. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 24 pp 26x19 cm 2551213649 $11.95 Can./U.S ( 8 €)


Charles Gagnon
Olivier Asselin, Gilles Godmer & Louis Goyette

Charles Gagnon, récipiendaire du Prix Paul-Émile Borduas en 1995, est certainement une des figures marquantes de l'art contemporain au pays. Bien qu'il se soit fait connaître principalement par son importante production picturale et photographique, il a aussi touché à la sculpture, au cinéma, au dessin, au collage et à la gravure, ce qui en fait un des premiers artistes multidisciplinaires de sa génération. La publication trace un parcours de l'artiste à travers les moments les plus significatifs de son travail. En français et anglais.

A multidisciplinary artist long before the term became current, Charles Gagnon is without question one of this century's most significant artists. While known primarily as a painter and photographer, he has produced important works of sculpture, drawing and film. This publication presents a detailed look at his most significant achievements. In English and French.

Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 224 pp 28x22 cm 2551204135 $69.95 ( 55 €)


Art et médecine : Nature/Culture
Marie -Christine Bernier et al

Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 80 pp 21x17 cm 255121386x (Français/Anglais) $9.95 / 8 €


André Martin : Mes modèles
Sandra Grant Marchand

Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 24 pp 26x19 cm 2551199832 (Français/English) $11.95 / 9 €


Art et jardins : Nature/Culture
Marie -Christine Bernier et al

Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 202 pp 21x17 cm 2551203481 (Français) $15.95 / 12 €


Louise Viger : l'Orgre et le connaisseur
Gilles Godmer

Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 24 pp 26x19 cm 2551203708 (Français/English) $11.95 / 9 Euros


Marc Séguin : Les Rosaces
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 44 pp 19x26 cm 2551203945 (Français/English) $19.95 / 16 €


Mémoire et archive : Définitions de la culture visuelle IV
Christine Bernier et al
Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 180 pp 21x17 cm 2551203716 (Français/English) $12.50 / 10 €



Culbutes : œuvres d'impertinence
Paulette Godard & Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (1999) 95 pp 26x19 cm 2551192471 (Français/English) $39.95 / 32 €


Eulàlia Valldosera
Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (1999) 24 pp 26x19 cm 2551190703 (Français/English) $11.95 / 9 €


François Girard : la Paresse
Louise Ismert
Musée d'art contemporain de Montréal (1999) 24 pp 26x19 cm 2551192307 (Français) $11.95 / 9



Jeff Wall : 1990-1998 (épuisé / out of print)
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1999) 101 pp 28x23 cm 255119069x (Français/English)
$44.00 ( 34 €)


Eleanor Bond
Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 43 pp 23x29 cm 2551189594 (Français/English) $25.95 / 20 €


Andy Goldsworthy : Arche
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 24 pp 26x19 cm 2551189047 (Français/English) $11.95 / 9 €


Claude Simard
Gilles Godmer
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 24 pp 26x19 cm 2551190169 (Français/English) $11.95 / 9 €


Ann Hamilton : Mattering
Paulette Godard
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 80 pp 21x18 cm 2551190177 (Français/English) $22.95 / 18 €


Gary Hill
Josée Bélisle et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 56 pp 23x29 cm 2551188083 (Français/English) $25.95 / 20 €


Louis-Philippe Demers & Bill Vorn : La Cour des miracles
Louise Ismert
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 24 pp 26x19 cm 2551189616 (Français/English) $11.95 / 9 €


Micah Lexier 37
Pierre Landry
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 52 pp 21x17 cm 2551189608 (Français/English) $14.95 / 12 €


De fougue et de passion
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1997) 56 pp 28x23 cm 2551178177 (Français) $24.95 / 20 €


Irène F. Whittome
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1997) 47 pp 26x19 cm 2551173027 (Français/English) $19.95 / 16 €


Le musée, un lieu éducatif
Michel Allard & Bernard Lefebvre
Musée d'art contemporain de Montréal (1997) 416 pp 23x15 cm 2551177006 (Français ) $19.95 / 16 €



L'oeil du collectionneur
Paulette Gagnon & Yolande Racine
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 63 pp 29x23 cm 2551171008 (Français/English) $25.95 / 20 €


Louis Comtois: La lumière et la couleur
Jean-Emile Verdier
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 86 pp 23x21 cm 2894151586 (Français ) $39.95 / 31 €


Mousseau
Pierre Landry
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 150 pp 24x29 cm couverture rigide 2551171016 (Français) $49.95 / 39 €


Utopies modernistes : Définitions de la culture visuelle II
Lucette Bouchard et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 133 pp 21x17 cm 2551171113 (Français/English) $12.50 / 10 €


Stan Douglas
Gilles Godmer
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 24 pp 26x19 cm 2551166829 (Français/English) $11.95 / 9 €


Instants photographiques : œuvres choisies de la Collection
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 45 pp 29x24 cm 2551135222 (Français ) $19.75 / 15 €


Guido Molinari : Une retrospective
Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 78 pp 29x24 cm 2551134552 (Français / French with English supplement)
$29.95 / 23 €


L'abécédaire du Musée
Danielle Legentil
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 30 pp 22x22 cm 255113403X (Français ) $14.95 / 12 €


L'effet cinéma
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 58 pp 29x24 cm 2551135249 (Français ) $24.50 / 19 €


L'Image de la mort : aux limites de la fiction
Lucette Bouchard et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 93 pp 21x17 cm 2551166675 (Français/English) $12.50 / 10 €


Angela Grauerholz
Paulette Gagnon
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 55 pp 29x24 cm 2551133882 (Français/English) $24.95 / 20 €


Musées et collections : Impact des acquisitions massives
Lucette Bouchard et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 86 pp 21x17 cm 2551166691 (Français/English) $12.50 / 10 €


Dons 1989-1994
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 72 pp 29x24 cm 2551134544 (Français/English) $34.95 / 27 €


Revoir la New Art History : Définitions de la culture visuelle
Lucette Bouchard et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 70 pp 21x17 cm 2551166683 (Français/English) $12.50 / 10 €


La Collection Lavalin du Musée d'art contemporain
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1994) 280 pp 29x24 cm couverture rigide 2761911997 (Français) $59.95 / 47 €


Henry Saxe : œuvres de 1960 à 1993
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1994) 125 pp 29x24 cm 2551132924 (Français/English) $69.95 / 55 €


L'origine des choses
Pierre Landry

Musée d'art contemporain de Montréal (1994) 64 pp 28x22 cm 2551133432 (Français) $24.95 / 20 €


Bill Viola
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1993) 77 pp 29x24 cm 2551130174 (Français/English) $37.00 / 28 €



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