Musée d'art contemporain de Montréal
Musée d'art contemporain de Montréal
Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme : La Triennale québécoise 2008
Josée Bélisle, Paulette Gagnon, Mark Lanctôt et Pierre Landry
Publication de la plus ambitieuse exposition d’art contemporain québécois jamais présentée. Véritable laboratoire de recherche, la Triennale est le résultat d’un travail sur le terrain et d’une réflexion menée par les conservateurs du Musée qui ont multiplié les visites d’expositions et ratissé les ateliers d’artistes à la recherche du meilleur de l’art contemporain québécois. Avec la participation d’une trentaine d’artistes, tous les médiums actuels y seront exploités : peinture, sculpture, photo, vidéo et installation. Somptueusement illustrée, la publication offre un regard exceptionnel sur un milieu artistique contemporain parmi les plus actifs et distinctifs en Amérique du Nord. Avec la participation de, notammant, David Altmejd, Nicolas Baier, Michel de Broin, Julie Doucet, Isabelle Hayeur et Jocelyn Robert.
Musee d’art contemporain de Montréal (05/2008) 216 pp 150 ill. coul. 28 x 22 cm souple 978-2-551-23671-8
$39.95 (32 euros)
Nothing is Lost, Nothing is Created, Everything is Transformed: The Québec Triennial 2008
Josée Bélisle, Paulette Gagnon, Mark Lanctôt and Pierre Landry
Musee d’art contemporain de Montréal (05/2008) 216 pp 150 col ill. 11 x 8.5 in softcover 978-2-551-23672-5
$39.95 Can. ($42.95 U.S. / 32 euros)
Geoffrey Farmer
Pierre Landry, Jessica Morgan & Scott Watson
Geoffrey Farmer est certainement l'une des voix les plus déstabilisantes de la communauté artistique de Vancouver. Farmer est connu pour ses installations évolutives qu'il modifie souvent en cours d'exposition, voire même après. Dans les présentations subséquentes, il arrive fréquemment qu'il réorganise, modifie et révise l'œuvre, menant ainsi à des lectures autres et à des projets au contenu complexe qui se prolongent dans le temps. Caractérisés par une recherche méticuleuse et une rigueur conceptuelle, ces travaux à grande échelle comportent habituellement des objets trouvés, du dessin, de la sculpture, de la vidéo et de la photographie. Réunissant des œuvres anciennes et un travail conçu expressément pour Montréal, cette exposition propose un bilan important de l'œuvre de Farmer. Cette publication constitue un premier bilan sur la pratique de Geoffrey Farmer. En français et anglais.
Geoffrey Farmer has one of the most destabilizing voices of today's young Vancouver artists. Working mainly in installation and photography, he integrates video, performance and other means associated with conceptual art. Through an aesthetics of accumulation he explores pop culture, art history and the very act of exhibiting. Among the works presented in this first monograph are an installation originally created in a bank and a life-sized reconstitution of a Hollywood-style trailer. Refigured through an array of tangents and additions, Farmer's installations are at once subtle and overwhelming. The publication presents major works produced over the last fifteen years along with new pieces produced especially for the exhibition. In English and French. Geoffrey Farmer's career has taken off meteorically in the last few years with exhibitions, in just 2007, at the Drawing Room and Tate Modern. Pierre Landry is curator at the Musée d'art contemporain de Montréal. Jessica Morgan is curator at Tate Modern. Scott Watson is director of the Belkin Gallery at the University of British Columbia.
Musée d'art contemporain de Montréal (04/2008) 112 pp 30 ill. coul. 10.5 x 9 po/in softcover 978-2-551-23607-7
$29.95 Can. ($32.95 U.S. / 24 euros)
Yannick Pouliot
Mark Lanctôt & Pierre Lapointe
Inscrite dans la suite des quelques œuvres spectaculaires qui l'ont fait connaître ces dernières années, cette publication documente la première exposition d'envergure à lui être consacrée par un musée sera l'occasion pour Yannick Pouliot de créer une série d'œuvres rassemblées autour du concept de la domesticité telle qu'elle se vit dans l'architecture, le mobilier et divers éléments décoratifs. Présent sur la scène québécoise des arts visuels depuis quelques années à peine, l'artiste a immédiatement fait l'unanimité du public et de la critique grâce à la maturité et à l'originalité de son travail. Usant de différents médiums, dont la sculpture, la photographie et le son, Pouliot semble accorder un statut de premier plan à l'architecture et au mobilier pour en faire les matières premières de son travail. L'artiste porte un intérêt aux lieux clos qui enserrent et isolent le visiteur. Surpris, le spectateur est soudainement plongé dans un environnement bien défini où il est davantage question d'expérimentation plutôt que de contemplation. Avec une contribution de l'auteur compositeur Pierre Lapointe.
Yannick Pouliot recently burst onto the art scene and immediately earned critical acclaim for the originality of his work. Using various media, notably sculpture, photography and sound, he assigns a leading role to architecture and furnishings in order to create environments that enfold and isolate the visitor. “The isolation (or alienation) of contemporary society is echoed in disjointed settings and in furniture closed in on itself, precluding any possibility of normal use, and afflicted with excrescences, forced linkages and disarticulations”, writes Lanctôt. Pouliot's installations confront us with society and its decadence through a spellbinding visual, emotional and kinesthetic experience. A surprising contributor to this first monograph is Pierre Lapointe, one of Québec's most acclaimed young singer songwriters. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (03/2008) 64 pp 30 ill. coul. 10.5 x 9 po/in softcover 978-2-551-23608-4
$19.95 Can. ($24.95 U.S. / 16 euros)
Thomas Hirschhorn : Jumbo Spoons and Big Cake
Josée Bésile
Jumbo Spoons and Big Cake est une installation monumentale qui pourrait ressembler à un centre de documentation sens dessus dessous si ce n'était la présence incongrue, au centre, d'un gigantesque gâteau et de douze cuillères qui la ceinturent. Sur le modèle des cuillères « souvenirs touristiques », elles sont ici l'emblème d'individus ou d'entités que l'artiste associe à des utopies qui ont failli : Mies van der Rohe, Rosa Luxemburg, Nietzsche, Venise, la Chine aini que la mode et l'exposition d'art « dégénéré » organisée par les Nazis en 1937. Dans cette installation, l'artiste propose un espace de réflexion et d'engagement face aux enjeux de la société contemporaine, à la surabondance d'informations, à l'état du monde et à l'urgente question de la faim dans le monde. Jumbo Spoons and Big Cake, acquisition récente du Musée d'art contemporain, a d'abord été exposée au Chicago Art Institute au moment de sa création puis à Paris, au Musée national d'art moderne/Centre Pompidou. En français et anglais.
Jumbo Spoons and Big Cake is a monumental installation that would resemble a topsy-turvy reference centre except for the presence of a gigantic cake and with 12 spoons at its core. Modeled after souvenir spoons, they are emblematic of individuals or entities the artist associates with failed utopias: Mies van der Rohe, Rosa Luxemburg, Malevich, Nietzsche, Venice, China, the exhibition of "degenerate" art held by the Nazis in 1937 and the Chicago Bulls basketball team. In this installation, the artist offers a space for reflection on the an overabundance of information juxtaposed with the urgent question of global hunger. Jumbo Spoons and Big Cake, a recent acquisition of the Musée d'art contemporain, was shown at the Chicago Art Institute and at the Musée national d'art moderne/Centre Pompidou. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (11/2007) 40 pp 13 ill. coul. 24 x 16 cm 978-2-551-23572-8
$15.95 Can. ($18.95 U.S. / 13 euros)
Karel Funk
Pierre Landry & Carter Foster
La peinture de Karel Funk se distingue d'emblée par sa technique hyperréaliste extrêmement maîtrisée et par l'originalité avec laquelle l'artiste aborde le genre du portrait. Pour la plupart de petit ou de moyen format, les œuvres donnent à voir des jeunes hommes représentés en buste et habillés de vêtements de protection contre le froid. Le rendu est époustouflant,notamment en ce qui concerne la peau et les tissus. Séduit par cette virtuosité, le spectateur dirige d'abord son attention sur les aspects techniques de l'156;uvre, qui se livre ainsi sous l'angle de son étonnante richesse visuelle et à travers la profusion de détails. L'originalité du travail de Funk repose en grande partie sur la tension qui se crée entre l'extrême générosité de l'œuvre au plan des effets plastiques et son indéniable retenue au plan psychologique. Cette première monographie, amplement illustrée, est accompagnée par deux textes originaux. Pierre Landry est conservateur au Musée d'art contemporain de Montréal. Carter Foster est conservateur au Whitney Museum of American Art, New York. En français et anglais.
Karel Funk's hyperrealist painting immediately commands attention. Influenced by 17th century Dutch and Flemish painters and by Renaissance portraiture, Funk depicts torsos and heads of young men clad in windbreakers and hoods. The rendering, especially of the skin and fabric, is remarkable. Attracted by this virtuosity, viewers first focus their attention on the technical aspects of the work, which is revealed through a singular visual richness and profusion of detail. The originality of Funk's art rests in large part on the tension that is created between the extreme generosity of the piece, in terms of its visual effects, and its undeniable psychological restraint. This fully illustrated publication is the first monograph dedicated to the work of this promising young artist. With essays by Pierre Landry, organizing curator, and by Carter Foster, curator at the Whitney Museum of American Art. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (09/2007) 64 pp 21 ill. coul. 28 x 22 cm 978-2-551-23560-5
$19.95 Can. ($24.95 U.S. / 16 euros)
La critique d'art entre diffusion et prospection
Sous la direction de Isabelle Lelarge et Christine Bernier
Actes du deuxième Colloque international Max et Iris Stern organisé sur la situation de la critique d'art aujourd'hui. Les présentations sont orientées selon six axes : définitions de la critique d'art, les approches émergentes, la critique face aux mutations de l'œuvre d'art, le critique comme moteur d'un système, la critique de la critique, et le rôle social du critique. Parmi les participants on retrouve : Nicolas Bourriaud, ancien codirecteur du Palais de Tokyo ; Mona Hakim, commissaire indépendente ; Johanne Lamoureaux, directrice du département de l'histoire de l'art de l'Université de Montréal ; et Jean-Marc Poinsot, directeur de la revue Critique d'art. En français.
Musée d'art contemporain de Montréal (06/2007)
322 pp ill. 23 x 15 cm 978-2-551-23536-0 $39.95 (32 euros)
Arts de mémoire : Matériaux, médias, mythologies
Sous la direction de Philippe Despoix et Christine Bernier
Actes du premier Colloque international Max et Iris Stern organisé en relation avec l'exposition Anselm Kiefer: Ciel-Terre présentée au Musée en 2006. Les textes de dix conférenciers, présentés dans leur langue originale, prologent les discussions sur les questions que soulèvent les œuvres de Kiefer, avec la mémoire pour thème central. Par son titre, le colloque souhaitait aussi rendre hommage à l'historien de l'art, Daniel Arasse (1944-2003), et à ses importants travaux sur les « arts de la mémoire » qui l'ont conduit à approcher tout à fait autrement l'œuvre d'Anselm Kiefer. Organisée en collaboration avec le Centre canadien d'études allemandes et européennes et le Centre de recherche sur l'intermédialité de l'Université de Montréal. Parmi les auteurs on retrouve Hubertus v. Amelunxen de l'École Européenne Supérieure de l'Image, Ute Holl de l'Université du Bauhaus à Weimar, Sabine Schütz de l'Université de Cologne et Barbara Wolbert de l'Université de la Viadrina à Francfort-sur-l'Oder. Six textes en français avec quatre textes en anglais.
Proceedings from the first Max and Iris Stern International Symposium organized around the exhibition Anselm Kiefer: Heaven-Earth presented at the Musée in 2006. Ten essays, presented in their original language, extend the discussions raised by Kiefer's work, particularly as it concerns memory. The title is also meant as a tribute to esteemed art historian Daniel Arasse (1944-2003), and to his major research on the "arts of memory" which led him to a completely original approach to Anselm Kiefer's work. Four essays in English and six essays in French.
Musée d'art contemporain de Montréal (04/2007)
220 pp 28 ill. 23 x 15 cm 978-2-551-23528-5 $24.95 (20 euros)
Jérôme Fortin
Sandra Grant Marchand & Jean-Éric Riopel
Cette publication présente principalement un corpus d'œuvres récentes et inédites de l'artiste québécois Jérôme Fortin qui réalise depuis une dizaine d'années d'extraordinaires séries créées à partir d'objets du quotidien. Des collections d'objets usinés, organisés en vitrines à la manière d'un dispositif de musée d'ethnographie, aux assemblages plus formels d'objets sériels réunis en des constructions à la fois picturales et sculpturales, les œuvres de Fortin exercent la même fascination, suggèrent la même capacité de rituel des gestes, de transformation des matériaux et d'émergence de la poésie. En français et anglais.
Seducing public and critic alike, the young artist's minutely woven and constructed compositions of recycled materials "trigger the same fascination we get from wandering an old-fashioned museum of curiosities". From collections of manufactured articles laid out as in an ethnographical museum, to more formal compositions that are at once pictorial and sculptural, Fortin's transformation of materials references traditional weaving practices and environmental concerns with stunning results. More recent output reveals a progression toward a pared-down art that reveals "next to nothing" through a relentless and obsessive working of the found object. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (01/2007)
102 pp 35 ill. coul. 26.5 x 23 cm 978-2-551-22980-2 $29.95 Can./U.S. (24 euros)
Jean-Pierre Gauthier
Pierre Landry, Michel F. Côté & Ray Cronin
Fruit de recherches portant sur le potentiel sonore et métaphorique de l'objet récupéré, trafiqué et assemblé, les installations de Jean-Pierre Gauthier allient ludisme et poésie à une démarche exploratoire d'une grande rigueur. Au-delà de leur apparente complexité, elles convoquent et confrontent, avec une remarquable justesse de ton, les notions d'ordre et de chaos, de permanence et de fragilité, d'utilité et de gratuité. À ces différents aspects de l'œuvre s'ajoutent les concerts / performances, présentés sous forme d'improvisations sonores réalisées en solo ou avec d'autres artistes / musiciens. Cette publication constitue une première monographie sur la carrière de ce récipiendaire du prix artistique Sobey. En français et anglais.
Jean-Pierre Gauthier creates sound environments using ordinary objects, modulated sounds and physical interaction. His art is divided between "systemic and mechanical-hygienic installations" and sound installations. The first group features everyday objects that are subjected to operations, such as contraction, compression, dissolution and disappearance. In other works, he weaves sound and space together through soundscapes, automated instruments and sound animation and various acoustic systems. The resulting installations are physically independent and bear symbolic reference to commercial exploitation and economic cycles. The analog animation movements of these kinetic creations lend his installations a faintly antiquated character despite their obvious technological ingenuity. This publication is the first monograph dedicated to his work. Gauthier was the 2004 winner of the Sobey Art Award, Canada's pre-eminent prize for young Canadian artists. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (01/2007)
126 pp 50 ill. coul. 26 x 23 cm 978-2-551-22979-6 $29.95 Can./U.S. (24 euros)
Guy Ben-Ner : Treehouse Kit
Gilles Godmer
Israélien d'origine, Guy Ben-Ner poursuit à New York une carrière d'à peine une dizaine d'années. Ayant à voir avec le jeu, de même qu'avec la spontanéité de l'enfance, les travaux de l'artiste, nourris par ailleurs de littérature, de cinéma et d'histoire de l'art récente, mettent souvent à contribution son entourage immédiat. 'Treehouse Kit' a été réalisée à l'occasion de la 51ième Biennale de Venise, où elle constituait la participation officielle et remarquée de son pays d'origine. En français et anglais.
Israeli-born, New York-based artist Guy Ben-Ner draws, sculpts and and makes videos that, despite their various components, always draw on the spontaneity and inventiveness typical of childhood. Often featuring family members, his work is notable for its candor and modest construction. 'Treehouse Kit' consists of a modular sculpture and a video projection showing the artist, not without irony, as Robinson Crusoe. It was produced for the 51st Venice Biennale, where it was his native country's official entry. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (01/2007)
24 pp 10 ill. coul. 26.5 x 19 cm 978-2-551-22978-9 $11.95 Can./U.S. (10 euros)
Rodney Graham
Josée Bélisle & Rodney Graham
Publication qui accompagne une nouvelle exposition avec des œuvres inédites parmi un ensemble de travaux littéraires, musicaux, sculpturaux, photographiques et filmiques de l'artiste.Graham explore à travers l'installation, la photographie, la musique et le film, certains des champs de la connaissance qui ont profondément marqué le 20e siècle. La psychanalyse freudienne, la littérature, la musique, voilà autant de sources menant à la production d'œuvres critiques qui réexaminent librement certains fondements de la culture occidentale. Souvent lui-même le protagoniste de ses photographies et de ses films, l'artiste formalise et incarne les rapports souvent ténus entre différents niveaux de culture, entre la Pop culture et l'art contemporain. Une des constantes de son œuvre serait ce regard pénétrant posé sur les rapports nature/culture. Au cours ses deux dernières années, Graham a exposé au Whitney Museum (New York), à la Vancouver Art Gallery, au Magasin (Grenoble) et CAPC (Bordeaux). En français et anglais.
Publication accompanying an original exhibition featuring new work among a grouping of literary, musical, sculptural, photographic and film pieces by the Vancouver-based artist. Rodney Graham has long explored some of the spheres of knowledge that have had a profound impact on the 20th century. Freudian psychoanalysis, literature (from Edgar Allan Poe to Ian Fleming) and music (from Wagner to Cobain) are among the sources behind his production of critical, often philosophical, sometimes cerebral and even humorous works that freely re-examine certain foundations of Western culture. A regular performer in his own photographs and films, Graham formalizes the often tenuous relations between different levels of culture, between Pop culture and contemporary art. One constant in his work is his penetrating look at the connection between nature and culture. Graham gained international recognition at the 1997 Venice Biennale with his video Vexation Island. Since then he has become one of the most in-demand artists in the world. In just the past two years he has exhibited at, most notably, the Whitney Museum (New York), Lisson Gallery (London), Institute of Contemporary Art (Philadelphia), MOCA (Los Angeles), Vancouver Art Gallery and Magasin (Grenoble). In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (10/2006) 96 pp 30 ill. coul. 24 x 18 cm softcover 978-2-551-22914-7 $29.95 Can./U.S. (24 euros)
Neo Rauch (épuisé / Out of Print)
Réal Lussier & Patrice Loubier
Né en 1960 et formé à l'Académie de Leipzig, autrefois haut lieu d'une peinture vouée au réalisme socialiste, Neo Rauch est devenu au cours des dernières années l'un des plus remarquées et des plus influents peintres de sa génération. Depuis le milieu des années 1990, il développe une peinture figurative originale et déroutante où fusionnent de nombreuses influences et références, dont une certaine tradition illustrative est- allemande, une imagerie publicitaire rétro, des marques d'un symbolisme industriel, tout comme des relents du réalisme socialiste. Deux textes en francais et anglais.
Trained at the Leipzig Academy in the Socialist Realist aesthetic of communist East Germany, Rauch was in his twenties when the Soviet Union collapsed and Germany reunited. While never fully abandoning his formalist training, he has developed a distinctive painterly approach that incorporates comic strip motifs and advertising imagery. Heroic workmen and sturdy women are depicted in harsh industrial colours with an almost cartoonish realism. Here is an obliquely-coded world of productivity without purpose. The fact that Rauch continues to live and work in Leipzig provides compelling insight into the artist's source of inspiration nd intent.
Musée d'art contemporain de Montréal (09/2006) 52 pp 26.5 x 23 cm 12 col. ill. coul. softcover 978-2-551-22913-0 $19.95 Can./U.S. (16 euros)
Pascal Grandmaison
Pierre Landry & Reid Shier
Présent sur la scène de l'art contemporain depuis la fin des années 1990, Pascal Grandmaison est un des artistes les plus rigoureux et novateurs de sa génération. Son œuvre renouvelle non seulement la photographie et la vidéo, mais également les dispositifs d'exposition qu'il met en scène. Empruntant le plus souvent au genre du portrait, l'artiste aborde dans ses œuvres la pratique du quotidien et la nature hybride des dimensions descriptive et narrative de l'image. Pierre Landry précise : «Au-delà d'un apparent détachement face aux êtres et aux choses, les œuvres de Grandmaison expriment et conjuguent, avec un remarquable aplomb formel, des états d'âme dont le caractère ambigu s'avère porteur d'une indéniable énergie.» Cette publication accompagne la première exposition individuelle de l'artiste dans un musée et documente cinq séries photographiques et trois films, dont plusieurs pièces inédites. Pierre Landry est conservateur au Musée d'art contemporain de Montréal. Reid Shier est directeur de la Presentation House Gallery à Vancouver. En français et anglais.
Since the late 1990s, Pascal Grandmaison has carved out a reputation as one of the most meticulous and innovative artists of his generation. His work suggests a new approach, not only to photography and video, but also to the way his pieces are exhibited. Often based on the portrait genre, Grandmaison's art is distinctive for its formal strategies such as the close-up and white background. In the introduction, director Marc Mayer writes, "In his world we are very far from the materialistic concerns of pop art. The faces, hair and clothes of Grandmaison's sitters are so much of our time that our ephemeral culture seems more present here than in most other recent art that strains so hard to achieve timelessness." This first monograph documents five photographic series and three films, many never previously shown. Pierre Landry is curator at the Musée d'art contemporain de Montréal. Reid Shier is director of Presentation House Gallery, Vancouver. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (05/2006) 126 pp 50 ill. 26.5 x 23 cm softcover 2-551-22891-3 $29.95 Can./U.S. (24 euros)
Samuel Roy-Bois : Improbable et ridicule
Gilles Godmer
Le travail d'installation de l'artiste révèle les structures fondamentales dormantes de certains lieux. Au cœur des ces œuvres insolites et déroutantes, la question de l'espace habitable s'impose d'emblée d'ambiguïtés et de paradoxe qui confinent au malaise. Cette première publication dédiée au travail du jeune artiste présente et commente deux installations inédites. En français et anglais
Samuel Roy-Bois creates improbable architectural installations. With their modernist exteriors his spaces seem lived-in or temporarily abandoned. Any suggestion of familiarity, however, is undermined by the artist's ability to convey the ambiguous and paradoxical nature of these transformed living units. This first publication on the young artist, who lives and works in New York, looks at two new works. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (06/2006) 24 pp 10 ill. coul. 26.5 x 19 cm 2-551-22892-1 $11.95 (Can./U.S.) 10 euros
Nicolas Baier
Gilles Godmer, Olivier Asselin, Nicolas Baier, Emmanuel Galland et Stéphane Aquin
Deux grandes institutions québécoises ont collaboré afin de produire cette publication amplement illustrée nous présentant un talent hors du commun. Nicolas Baier est intéressé par la beauté du monde. Cette beauté nous est révélée en utilisant les outils les plus récents (la photographie numérique) et les plus anciens (la composition, la couleur, la forme). Et c'est justement cet usage toujours plus discret de la technologie numérique qui rend les photographies de Baier plus malléables, telle une analogie de la peinture. Le travail de Nicolas Baier est un étonnant exemple de la technologie au service de l'imagination. À travers trois essais, une entrevue avec l'artiste, un essai de l'artiste et plusieurs planches couleurs, nous sommes invités à analyser, à découvrir et à savourer l'oeuvre de Baier. Co-publication avec le Musée des beaux-arts de Montréal. En français et anglais
Two of Canada's most prestigious art institutions have for the first time collaborated on a comprehensive publication dedicated to an uncommon new talent. Nicolas Baier reveals the of the world through the newest of means at the pictorial artist's disposal (digital photography) as well as the oldest (composition, colour and form). His increasingly discreet use of technology has transformed his photographic œuvre into a far more malleable medium, more analogous to painting. His photographs are a stunning example of technology at the service of imagination. Three essays, an artist's statement, an interview and numerous colour plates provide analysis, opinion and visual delight. Co-published with the Montreal Museum of Fine Arts. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (03/2006) 144 pp 61 ill. coul. 28 x 22 cm 2-551-22757-7 $39.95 Can./U.S. (32 euros)
Territoires urbains / Urban Territories
Réal Lussier
Territoires urbains présente le travail photographique de six artistes qui ont fait de la ville en perpétuel changement leur sujet. À travers une vaste gamme d'intérêts et d'approches, chaque artiste propose une réponse à la question suivante : qu'est-ce-que la photographie documentaire au 21e siècle? Pour cette génération de photographes, la ville n'est pas le sujet de leur enquête, mais plutôt le contexte. Pour ces artistes, la ville évoque les aspects sociaux, politiques et judiciaires de la société, tout en étant un endroit de travail, d'échange et de divertissement. Les artistes expriment ainsi dans leurs travaux un point de vue particulier sur la réalité urbaine, qu'il s'agisse du territoire physique ou de l'espace social. Artistes participants : Christian Barré, Martin Désilets, Isabelle Hayeur, Emmanuelle Léonard, Pavel Pavlov et Myriam Yates. L'essai original est accompagné de textes d'artistes. En français et anglais.
Urban Territories introduces six of the most promising young photographic talents working in Montreal today. Through a wide range of interests and approaches each artist proposes an answer to the question: what is documentary photography in the 21st century? For this generation of photographers the city is not the subject of their investigation but the context for it. For them, the city is a tightening convergence of social, political, environmental and personal realities. By documenting the often unnoticed signs of flux, they demonstrate that art can play a determining role in the debate about the future of our cities. With works by Christian Barré, Martin Désilets, Isabelle Hayeur, Emmanuelle Léonard, Pavel Pavlov and Myriam Yates. An original essay is accompanied by individual artists' statements. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (09/2005) 88 pp 61 ill. (23 coul.) 26.5 x 18 cm 2-551-22783-6 softcover $19.99 Can./U.S. (16 euros)
Sylvie Bouchard
Pierre Landry et Christine Dubois
Amorcé durant la première moitié des années 1980, la pratique de Sylvie Bouchard se développe d'abord dans le contexte de ce qu'on appelait "le retour de la peinture" après de longues années consacrées généralement à l'installation. À la suite des rigueurs réductrices du haut modernisme, qui tendaient à l'hermétisme et à l'opacité, les tableaux de Bouchard nous introduisaient à la nouvelle figuration. Les thèmes principaux de l'oeuvre de la peintre sont l'architecture, la nature et la position de la figure humaine dans des zones d'imprécision ou d'incohérence spatiales. Cette étrangeté provoque, chez le spectateur, une sensation de désorientation, voire d'inquiétude. À la fois explicite et abstrus, les tableaux de Bouchard semblent tout dire sans pourtant révéler quoi que ce soit. En français et anglais.
A long overdue 20 year retrospective on the work of one of the first Canadian artists to "return to painting" in the early 1980s. Bouchard's work is as at once a very personal artistic statement and an encapsulation of the movement of an entire generation of artists who reintroduced figurative painting into an art world then dominated by installation. Her mastery of a particularly cryptic form of what was once referred to as post-modern painting has evolved into an investigation of the practice of painting itself. Bouchard's work, marked by the representations of architecture and nature, successfully negotiates a space between other media deemed more contemporary and painting's own weighty heritage. In English and French. Softcover.
Musée d'art contemporain de Montréal (09/2005) 120 pp 69 ill. (50 coul.) 26.5 x 23 cm 2-551-22782-8 $29.95 Can./U.S. (24 euros)
Alexandre Castonguay : Éléments
Sandra Grant Marchand
Depuis une dizaine d'années, Castonguay explore la photographie numérique, la vidéo, l'installation informatisée et l'internet tout en engageant des thèmes classiques dont le portrait, le paysage et l'architecture. Sa nouvelle installation interactive, Éléments, propose un parcours à travers des projecteurs récupérés et trafiqués, dont les images simulent des phénomènes naturels. L'oeuvre engage la participation du spectateur et suscite une réflexion critique quant au recours aux outils technologiques dans l'environnement social. En français et anglais.
For over a decade Castonguay has explored electronic and photographic media with cutting-edge work that engages classical themes such as portraiture, landscape and architecure. Elements, his new interactive installation, is composed of recycled and altered projection devices and elicits a critical consideration on the use of technological tools in our social environment. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (09/2005) 24 pp 9 ill. coul. 27 x 19 cm 2-551-22784-4 $11.95 Can./U.S. (10 euros)
L'envers des apparences / Appearances
Gilles Godmer et Nathalie de Blois
Dans un monde envahit d'images, 11 artistes canadiens se sont réunis pour décevoir, confondre et désorienter le spectateur hâtif. Utilisant une vaste variété de médias et de stratégies, leur intention et de nous faire arrêter et de nous forcer de reconsidérer ce que l'on voit. En déjouant habilement notre regard superficiel de leur oeuvre, chaque artiste cible les pièges de la première impression. Le résultat est un défi intoxicant où les choses ne sont pas ce qu'elles semblent être. Qu'il s'agisse du trompe-l'oeil dans les peintures de Taras Polataiko, des effets spéciaux dans les vidéos de Tim Lee, de la disparition d'Annie Baillargeon dans ses photographies ou de l'effet aveuglant des vidéos de Euan Macdonald, chaque oeuvre est quelque chose autre que ce dont nous pensions à première vue. Parmi les participants, on retrouve Jérôme Fortin, Germaine Koh, Kelly Mark, Jean-Marc Mathieu-Lajoie, Damian Moppett, Yannick Pouliot et Ana Rewakowicz. Accompagné d'un essai inédit et d'analyses individuelles sur la carrière et la pratique de chaque artiste. En français et anglais.
In a world overrun with images, eleven artists from across the country have come together to deceive, confuse and puzzle the hasty viewer. Using a wide variety of media and strategies their intention is to stop us in our tracks and force us to reconsider what we are seeing. In skillfully thwarting a superficial reading of their works each artist targets the pitfalls of first impressions. The result is an intoxicating challenge where things are not quite as they appear. Taras Polataiko's paintings incorporate tromp l'oeil. Tim Lee's videos use trick special effects. Annie Baillargeon disappears into her own photographs. Euan Macdonald's videos blind the viewer entirely. Other participants include Jérôme Fortin, Germaine Koh, Kelly Mark, Jean-Marc Mathieu-Lajoie, Damian Moppett, Yannick Pouliot and Ana Rewakowicz. An original essay is accompanied by individual analyses of each artist's practice and career. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2005) 112 pp 61 ill. coul. 26 x 20.5 cm 2-551-22692-9 $29.95 Can./U.S. (24 euros)
Fiona Tan : Saint Sébastian
Pierre Landry et Fiona Tan
Saint Sébastian est une installation vidéo de l'artiste Fiona Tan, mettant en scène la cérémonie annuelle du Toshiya à Kyoto. Prenant la forme d'une compétition de tir à l'arc, la cérémonie constitue un rite de passage pour des jeunes et l'objectif repose sur l'atteinte d'un état d'esprit plutôt que d'une cible. L'installation de Tan, qui nous monte la competition des femmes, aborde la question de la perception de différences culturelles à travers des images raffinées et une grande sensibilité. Native de l'Indonésie, Tan vit et travaille à Amsterdam. En français et anglais.
Tan's video installation - Saint Sebastian - is distinctive for its highly controlled editing, its refined images and the sensitivity with which the artist tackles the question of the perception of cultural differences. Saint Sebastian focuses on the annual Toshiya ceremony in Kyoto. Tan shows us the women's competition of this traditional archery competition which serves as a coming-of-age ritual. The images are breathtakingly beautiful&emdash;as Tan writes, "magic and beautiful, perhaps even too beautiful." A native of Indonesia, Tan lives and works in Amsterdam. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2005) 24 pp 7 ill. 26 x 20.5 cm 2-551-22693-7 $11.95 Can./U.S. (10 euros)
Cynthia Girard : Fictions sylvestres / Sylvan Fictions
Réal Lussier
S'inscrivant dans la tradition des conteurs québécois, Cynthia Girard nous présente des oeuvres récentes qui nous démontrent sa réflexion sur l'identité collective québécoise. L'artiste dénonce nos contradictions et nos ambivalences face à l'exploitation forestière à outrance et, plus globalement, face aux ressources naturelles, tout en confrontant le passé folklorique et le présent, l'économique et l'écologique. En français et anglais.
Applying a tight formalist vocabulary to a folkloric tradition, Girard explores the exploitation of our forests, understood here as both natural resource and industry. Comparing past and present, economy and ecology, she denounces our contradictions and equivocations with respect to environmental abuse. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2005) 24pp 14 ill. (10 coul.) 26.5 x 19 cm 2-551-22637-6 $11.95 Can./U.S (10 euros)
Michel Goulet : Part de vie, part de jeu / Part Life, Part Game
Josée Bélisle
Depuis plus de 30 ans. Michel Goulet se consacre à un projet sculptural entier et nourri des rigueurs de l'objet. L'objet, qu'il s'agisse de matière, de volume ou d'espace, est plutôt choisi que trouvé et est riche de contenus volontairement contradictoires. L'artiste a recours au processus d'inventaire et d'énumération ; il ménage des allusions aux contextes culturel, social et politique et il insiste, soit dans les rapports d'échelle ou ses motifs mobiliers et immobiliers - table, lit, chaise, maison, ... - sur la préséance du corps et sur les conditions de l'existence. Michel Goulet a représenté le Canada à la XLIIIe Biennale de Venise en 1988 et a reçu le Prix Paul-Émile Borduas, en 1990, pour les arts visuels. En français et anglais.
For more than 30 years, Michel Goulet has devoted himself to a sculptural undertaking focused entirely on the object, chosen rather than found and then infused with contradictory content. His tables, chairs, domestic objects and model homes are infused with allusions to cultural, social and political contexts and, while filled with fantasy and memory, they embody a search for meaning through physical experience. Nowhere is the play between private and public, domestic and social more evident than with Goulet's public art. Placed in parks and in neighbourhoods, his works become focal points for discussion and use. Michel Goulet represented Canada at the XLIII Venice Biennale and was awarded the Prix Paul-Émile Borduas for visual arts. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 86 pp 50 ill. coul. 22 x 25 cm 2-551-22564-7 $29.95 Can./U.S (24 euros)
Isaac Julien
Paulette Gagnon
Cette lumineuse publication, contenant des douzaines d'illustrations couleurs, accompagne la première mondiale de la nouvelle installation cinématographique du cinéaste britannique Isaac Julien. Co-produit par le Musée d'art contemporain de Montréal et le Centre Georges Pompidou, True North raconte l'histoire de Matthew Henson, le serviteur de Robert Peary et le premier homme de race noire à mettre pied au Pôle nord. Le travail de Julien interroge le rôle de la mémoire dans la construction du mythe de l'identité à travers le destin de la diaspora noire. Lors d'une entrevue avec Shaheen Merali, Julien développe ce concept vers une discussion de l'expérience transculturelle ainsi que vers des nouvelles manières d'examiner les concepts philosophiques développés par les Afro-Américains et leur influence sur la pensée européenne et vice versa. La publication inclut également des images et des discussions découlant de deux autres installations cinématographiques : Paradise Omeros et Baltimore. En français et anglais.
This luminous publication, illustrated with dozens of colour images, accompanies the world premier of a new film installation by British filmmaker Isaac Julien. Coproduced by the Musée d'art contemporain de Montréal and the Centre Pompidou. True North tells the story of Matthew Henson, Robert Peary's servant and the first black man to set foot on the North Pole. The Black Diaspora is central to Julien's concerns. In an interview with Shaheen Merali he extends the concept into a discussion of transcultural experience and ways of looking at the philosophical ideas developing among African-Americans and how they influence European thoughts and vice versa. Also included are images from and discussions of two other film installations, Paradise Omeros and Baltimore, a tribute to American filmmaker Melvin Van Peebles. In English and French
Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 96 pp 63 ill. coul. 21.5 x 25.5 cm 2-551-22540-X $29.95 Can./U.S (24 euros)
La magie des signes : œuvres sur papier de la Collection Borduas
Josée Bélisle et Sam Abramovitch
Publiée à l'occasion de l'exposition dédiée entièrement à Paul-Émile Borduas et présentée à l'Orangerie du Domaine de Madame Élisabeth à Versailles, cette publication est co-éditée par le Conseil Général des Yvelines à Versailles. Les oeuvres, principalement des fusains sur papier, gouaches et aquarelles, proviennent exclusivement du Fonds Paul-Émile Borduas du Musée d'art contemporain de Montréal. Réalisées entre 1927 et 1960, les quelque 50 oeuvres sur papier choisies, accompagnées d'un exemplaire du Refus Global, illustrent l'itinéraire plastique sensible et singulier de Borduas.
Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 80pp 44 ill. (35 coul.) 25.5 x 21.5 cm 2-551-22533-7 $16.95 Can./U.S (10 euros)
Laurent Pilon : le cri muet de la matière
Réal Lussier et Michaël Lachance
Depuis le milieu des années 80, le sculpteur québécois Laurent Pilon questionne l'essence et l'apparence des choses en faisant de la résine de polyester le matériau essentiel de sa production. Ce matériau, dépourvu de tout poids symbolique, est entièrement livré aux mouvements de l'esprit et à l'accomplissement de la pensée créatrice. Pilon poursuit son exploration de formes et de textures appartenant à la nuit des temps grâce à ce matériau des plus actuels. En français et anglais.
Since the 1980s Laurent Pilon has questioned the substance and appearance of sculpture by making polyester resin his sole working material. As an industrial residue largely without cultural or symbolic association, this material allows him a creative freedom unmatched by other materials. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 48 pp 17 ill. coul. 26.5 x 19 cm 2-551-22542-6 $16.95 Can./U.S (14 euros)
Ginette Laurin : La résonance du double
Louise Ismert
Publication d'un évènement multi-disciplinaire : une série de chorégraphies originales et de vidéos de Ginette Laurin. La chorégraphe a travaillé avec des couples de jumeaux identiques afin de voir comment deux êtres parfaitement semblables interprètent le même mouvement. Fondatrice de la compagnie de danse O Vertigo, Ginette Laurin est l'une des chorographes les plus respectées au Canada. En français et anglais.
Publication of a cross-disciplinary event, that of a series of original choreographies and videos by Ginette Laurin. Working with eight sets of identical twins in both live and recorded performances, she explores notions of gesture, repetition and identity. Ginette Laurin is one of Canada's most respected choreographers and founder of the dance company, O Vertigo. In English and French
Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 24 pp 16 ill. (7 coul.) 26.5 x 19 cm 2-551-22541-8 $11.95 Can./U.S (10 euros)
« Nous venons en paix…» Histoires des Amériques
Pierre Landry, Johanne Lamoureux et José Roca
Le ton de cette ambitieuse publication est établit dès son titre : une affirmation que le recul historique fait apparaître comme étant cruellement ironique du point de vue historique, éthique et politique. À travers une vaste gamme d'approches, 17 artistes des Amériques, d'origines amérindiennes, africaines et européennes, démontrent la persistence de l'histoire en tant que source d'inspiration ainsi que de sujet de questionnement. Cette panoplie d'expériences nationales, raciales et linguistiques nous dévoile le parcours du récit à travers la multiplication des récits, des types et stéréotypes, ainsi que de la présence d'un fait ou d'un personnage et de son effacement ou de sa décontextualisation via l'Histoire. Les propositions des artistes, en français, en anglais et dans leur langue maternelle, offrent au lecteur un accès direct à la genèse de ces projets d'artistes. Les pays représentés incluent notamment le Brésil, le Canada, le Chili, la Colombie, la Cuba, les États-Unis et le Mexique.
The tone is set in this ambitious publication's title, "We Come in Peace" : a pronouncement that embodies a cruel irony of historical, ethical and political proportions. Seventeen artists from throughout the Americas and of Native, African and European ancestries demonstrate the persistence of history as a source of inspiration and an object of interrogation. The breadth of national, racial and linguistic representation ensures that the narratives revealed are marked by a multiplication of accounts, an examination of types and stereotypes and a presence of facts and individuals erased or decontextualized by an official History. Artists' statements, in English and French and in their original language, provide the reader with direct access to the genesis of each artist's project. Countries represented include Brazil, Canada, Chile, Colombia, Cuba, Mexico and the United States.
Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 224 pp 137 ill. coul. 27 x 20 cm 2-551-22499-3 $39.95 Can./U.S (32 euros)
Henri Venne : (D') après nature
Sandra Grant Marchand
Plus récente publication dans la série dédiée aux jeunes artistes québécois et à leur première exposition solo dans un musée. Cette série vise à offrir une plus grande visibilité aux artistes émergents tels Nicolas Baier. Jumelant photographie avec peinture, Henri Venne nous présente huit diptyques suggérant pour le spectateur le va-et-vient entre le souvenir d'un instant passé et l'expérience de l'instant présent.
Latest in a series of publications devoted the first solo museum exhibition for emerging artists. Combining photography with painting, Venne presents eight diptychs whose images capture the fleeting moments between recollection and experience.
Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 24 pp ill. coul. 26 x 19 cm 2-551-22494-2 $11.95 Can./U.S (10 euros)
Kamila Wozniakowska : Le monde comme il va
Gilles Godmer et André Lamarre
L'artiste montréalaise d'origine polonaise entreprend un travail de peintre entièrement personel, principalement centré sur l'individu et sur les rapport qu'il entretient avec ses semblable en société. Par sa facture unique, ses sujets rares, recherchés même, son ton ambigu, empreint d'ironie, la peinture de Wozniakowska occupe une place à part dans la peinture canadienne d'aujourd'hui. Wozniakowska a fait ses études à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. En francais et anglais.
Wozniakowska's painting reveals a fascination for communication and the complexity of human relations. It is an examination of the transmission and interpretation of the narrative in particular and the narrative power of the image in general. Through whimsical and often humorous scenes which allow many possible levels of interpretation, these paintings reveal the dramatic gap between our own life experience and what remains of it in the records left for posterity. Born in Poland, Kamila Wozniakowska studied in France. She now lives and works in Montreal. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 80 pp 29 ill. coul. 25 x 21 cm (8.5 x 10 in) 2-551-21891-8 $34.95 Can./U.S. (28 euros)
Dominique Blain
Réal Lussier et Thérèse St-Gelais
Depuis les années 80, Dominique Blain travaille sur les rapports de force, les effets du colonialisme et des transmigrations pour pointer et dénoncer des injustices sociales et politiques. Partant d'images trouvées, de photographies d'archives et d'objets familiers, elle redonne à ceux-ci une signification et un impact perdus par leur utilisation courante ou leur détournement médiatique. Les auteurs guident notre attention vers la cohérence et la consistance d'une pratique sculpturale qui est notable autant pour sa force plastique et symbolique que pour son universalité. Une entrevue, un essai et les planches couleur sont accompagnés d'un projet d'artiste original de 10 pages. Durant les dernières années, Dominique Blain a exposé à Carnegie Mellon University, à la San Diego's University Art Gallery, à la Galerie d'art de Vancouver ainsi qu'à la Biennale de Sydney.
Since the 1980s, Dominique Blain has worked to highlight and denounce political abuse, militarism and social conflict in a wide range of contexts. Taking found images, archival photographs and everyday objects, she imbues them with a meaning and an impact that has been lost or buried through their use by dominant cultural and political forces. This publication provides an opportunity to draw attention to the coherence and consistency of a sculptural practice which is notable as much for its plastic and symbolic force as for the universality of its subjects. An interview, an essay and several colour plates are accompanied by an original 10 page artist's project. Dominique Blain divides her time between Montreal and Los Angeles. In the past few years she has had major exhibitions at Carnegie Mellon University, San Diego's University Art Gallery, the Vancouver Art Gallery and the Sidney Biennial. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2004) 70 pp. 30 ill. coul. 27 x 19 cm 2-551-21889-6 $34.95 Can./U.S. (28 euros)
Michel Boulanger : Traîner son lourd passé
Réal Lussier
Depuis déjà d'une dizaine années, le peintre montréalais est devenu le maître des illusions chimériques, élaborant un œuvre fait de compositions extravagantes. Cette publication documente l'introduction d'un élément narratif ainsi que de l'apparance des figures appartenant à une ménagerie fictive qu'il a créé par le biais de la modélisation 3D.
Over the past few years the Canadian painter has developed a reputation as a master of chimerical illusions, with a work full of extravagant and fascinating compositions. This publication traces the introduction of narrative as well as animal imagery created from 3D modeling. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 60 pp $11.95 Can./U.S.(10 euros)
Yves Gaucher
Sandra Grant Marchand, Roger Bellemare, Danielle Blouin, Jean-Jacques Nattiez & David Tomas
Cette publication consacrée à Yves Gaucher se veut un hommage à l'une des figures marquantes de l'abstraction au Québec et au Canada. Première rétrospective posthume, le catalogue de l'exposition vise à présenter l'ensemble de l'œuvre peint, gravé et dessiné, dans un parcours historique s'échelonnant sur plus de quatre décennies. S'étalant de la fin des années cinquante jusqu'à l'an 2000, l'ensemble des œuvres rend compte du dialogue entre les médiums qui a constamment nourri la recherche de Gaucher. Le parcours s'articule autour des problématiques qui englobent les thématiques, les éléments structurels ainsi que le vocabulaire de la couleur explorés par Gaucher au cours de sa carrière artistique. Cette pulbication monographique de l'œuvre entier de Gaucher contribue à mieux faire connaître à un large public l'apport majeur de cet artiste à l'art contemporain québécois et canadien.
Publication of the first posthumous exhibition of one of the leading figures in the Canadian abstract movement. Essays by curators and critics present an exhaustive overview of four decades of Gaucher's paintings, prints and drawings, delineating the intimate dialogue between mediums that was the artist's constant source of inspiration. Jazz, electronic music and particularly the music of Webern had a definitive effect on Gaucher's increasingly minimalist style and his œuvre is marked by a singular approach to colour and structure that influenced generations of artists. This important publication is an indispensable resource for anyone wishing to understand a key actor in the genesis of one of the most important artistic movements in Canada and around the world. Yves Gaucher died in 2000 at the age of sixty-six. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 288 pp 115 ill. 27x21.5 cm / 10.5x8.5 in 2551218365 $59.95 Can./U.S. (42 euros)
Nicolas Baier : Scènes de genre
Gilles Godmer
Peintre à ses tous débuts mais essentiellement photographe, Nicolas Baier commence sa carrière au début de la dernière décennie. Dans ce projet qui poursuit l'investigation intimiste et autobiographique du quotidien et de l'univers domestique, l'artiste continue d'approfondir ce rapport qu'entretient sa pratique de la photographie avec la peinture. Nicolas Baier connaît depuis peu une véritable effervescence créatrice, que couronnait le Prix Pierre-Ayot 2000, destiné à l'excellence de la relève en arts visuels. En français et anglais.
Originally a painter, and now essentially a photographer, the Montreal-based artist began his career in the early 90s. The projects explored here offer an autobiographical investigation of everyday, domestic reality through a substantial body of works that confound disciplines and break down the barriers between art and its exhibition space. This is the latest in the series of publications the Musée devotes to emerging artists. Baier's creative vitality has been recognized with the prestigious Pierre-Ayot Award. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 24 pp 6 ill. 27x19 cm / 10.5x7.5 in 2551218373 $11.95 Can./U.S. (9 euros)
Jana Sterbak : From Here to There
Gilles Godmer & John W. Locke
Figure majeure de l'art contemporain depuis 20 ans, Jana Sterbak développe un travail complexe marqué par une grande variété de stratégies. Bien qu'elle s'inspire de sources intellectuelles, elle demeure l'une des rares artistes à provoquer des débats publics à grande échelle et cela indépendemment du milieu. Depuis la création de Vanitas : Robe de chair pour albinos anorexique, elle sait comment toucher les points sensibles sociétaux. L'installation vidéo From Here to There comprend une micro-caméra, la transmission visuelle et sonore sans fil, de multiples écrans et un chiot nommé Stanley. La cité des Doges vue par ce chien comporte le regard sardonnique emblématique à l'artiste mais le but de l'exercice se retrouve ailleurs, comme il en est souvent le cas avec Sterbak. Deux essais posent un regard sur l'oeuvre d'hier et d'aujourd'hui. On y retrouve également un texte sur le pavillon canadien ainsi qu'une recette pour un ragoût de porc-épic. En français, anglais et italien. Parmi les lieux d'exposition de Jana Sterbak : Centre Georges Pompidou, Galerie nationale du Jeu de Paume, École nationale supérieure des Beaux-Arts, Musée national d'art moderne et le Musée des Beaux-Arts du Canada.
A major figure in contemporary art for the past 20 years, Jana Sterbak has developed a complex corpus of work which, while intellectual in inspiration, has emerged from the usual confines of artistic interest to provoke large-scale public debate. Since the creation of her controversial Vanitas: Flesh Dress for an Albino Anorexic, Sterbak has always touched a nerve.Sterbak's video installation, From Here to There is comprised of a micro-camera, wireless image/sound transmission, multiple screens and a terrier named Stanley. A dog's eye view of the City of the Doges is ample evidence of the artist's sardonic wit, but as always with Sterbak, the real purpose lies elsewhere. Two essays consider Sterbak's current work within the context of her entire œuvre. Accompanied by a text on the Biennial's Canadian pavilion (known as the tipi), a text by Flying Hawk on life in a tipi and a recipe for Porcupine stew. In English, French and Italian. The Museum of Contemporary Art Chicago, Museum of Modern Art, Fundació Antoni Tàpies, Louisiana Museum of Contemporary Art and the National Gallery of Canada have all mounted solo exhibitions of her work.
Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 196 pp 24x16 cm 60 ill. coul. / 10x6 in hardcover 2-551-21755-5 $39.95 Can./U.S. ( 28 euros)
Nan Goldin
Paulette Gagnon et Éric Mézil
L'artiste américaine Nan Goldin est considérée comme l'une des plus influentes photographes de la scène artistique actuelle. Cette publication trace la transformation récente de son œuvre en traitant les photographies des 30 dernières années, un film et deux diaporamas. Composée essentiellement du fonds de la Collection Lambert, une collection unique en France et créée par le marchand de tableaux Yvon Lambert, l'exposition témoigne d'une collaboration de longue date entre le collectionneur et l'artiste; une collaboration qui a produit sa première exposition en France ainsi qu'une production récente qui s'est sensiblement transformée et laisse également découvrir le paysage et la nature morte. Éric Mézil est directeur de la Collection Lambert. Paulette Gagnon est conservatrice en chef du Musée d'art contemporain de Montréal. En français et anglais. Parmi les lieux d'exposition de Nan Goldin : Hamburger Kunsthalle, Los Angeles Museum of Contemporary Art, Tate Gallery, ICA London, Whitney Museum of American Art, et le Museum of Modern Art. Nan Goldin vit à Paris.
The internationally acclaimed photographer has built a singular reputation from 30 years of unrelenting work. Long associated with the New York underground scene, Goldin is known for her brutal, documentary-style approach to capturing her friends and herself on film. This publication, produced in collaboration with the Collection Lambert in Avignon France, provides a unique perspective on the transformation of Goldin's œuvre with photographs produced since 1972, a film and two slide shows. Drawn essentially from the Collection Lambert, a unique collection built by art dealer Yvon Lambert, both exhibition and publication testify to a privileged relationship. In his essay, Mézil describes the artist/dealer bond that produced Goldin's first show in Paris and encouraged her to undertake radically different work, including landscapes and still lifes. Éric Mézil is director of the Collection Lambert. Paulette Gagnon is senior curator at the Musée d'art contemporain de Montréal. Nan Goldin has exhibited widely, most notably at the Los Angeles Museum of Contemporary Art, Tate Gallery, ICA London, and the Museum of Modern Art. She was the subject of a retrospective exhibition at the Whitney Museum of Contemporary Art. She lives in Paris.
Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 96 pp 60 col. ill. coul. 28x22 cm / 11x8 in softcover 2551217547
$39.95 Can./U.S (28 Euros)
David Rabinowitch
Josée Bélisle, David Carrier, Donald Kuspit, Catrina Neiman et David Rabinowitch
Le sculpteur canadien David Rabinowitch élabore, depuis le début des années 60, une œuvre singulière, conjuguant les champs apparemment contrastés de la gravité et de la perspective. Ainsi qu'en témoigne notamment le cycle de dessin séminal entrepris dès 1969 et intitulé Construction of Vision, la part essentielle de l'observation se matérialise dans la compression de la verticalité au profit de l'horizontalité, ce qui ancre les points de vue multiples de l'œuvre dans une relation avec l'échelle humaine. Organisée par le Musée d'art contemporain de Montréal en collaboration avec le Musée des beaux-arts du Canada, cette exposition constitue l'une des premières manifestations d'envergure au Canada pour cet artiste installé à New York depuis 1972. Elle mettra en lumière les développements cycliques d'une pratique sculpturale et graphique rigoureuse et concise, tout entière, nourrie des confluences de la science, de la littérature et de la philosophie. En français. Une édition en anglais sera publiée simultanément.
David Rabinowitch sera l'exposition principale au Musée d'art contemporain de Montréal du 14 avril au 21 octobre 2003, ainsi qu'au Musée des beaux-arts du Canada du 7 novembre 2003 au 8 février 2004.
Musée d'art contemporain de Montréal / Musée des beaux-arts du Canada (2003)
120 pp 110 ill. 32 x 25 cm 088884770x $44.95 Can./U.S (31 Euros)
David Rabinowitch
Josée Belisle, David Carrier, Donald Kuspit, Catrina Neiman & David Rabinowitch
Published on the occasion of the first major solo exhibition in Canada for the New York-based Canadian sculptor, this elegant publication highlights the developments of a sculptural and graphic practice drawn from the confluences of science, literature and philosophy. David Rabinowitch (b. Toronto 1943) first came to prominence in the 1960's in London. Since that time he has developed a singular body of work that plays on the apparently contrasting fields of gravity and perspective. Rabinowitch has exhibited worldwide and has been the subject of numerous publications from European art publishers such as Richter Verlag and Cantz. This is the first Canadian book dedicated to this Canadian artist of international stature. The event is reflected in the publication: richly illustrated and in English only, a rarity for the National Gallery of Canada. A separate French language edition is being simultaneously published.
David Rabinowitch will be the main exhibition at Montreal's Musée d'art contemporain from April 14 to October 21 2003 and at The National Gallery of Canada from November 7 2003 to February 8 2004.
The National Gallery of Canada /Musée d'art contemporain de Montréal (April 2003)
120 pp 110 ill. (35 col.) 12.5 x 10 in. softcover 0888847718 $44.95 Can./U.S ( 31 Euros)
James Casebere
Réal Lussier & Douglas Bohr
Depuis le début des années 80, le photographe américain James Casebere se distingue par une œuvre où se rencontrent diverses influences : que ce soit le film, l'architecture, la sculpture ou l'art conceptuel. Recourant à la construction de maquettes pour la réalisation de ses photographies, Casebere manifeste dans son travail une prédilection particulière pour les espaces intérieurs et leurs caractères symboliques qu'il magnifie grâce au traitement de la lumière. Aussi, ses œuvres aux dimensions importantes se signalent par leur luminosité mystérieuse qui incite à l'évocation de souvenirs et d'émotions. Organisée par le Southeastern Center for Contemporary Art de Winston-Salem en Caroline du Nord. En français et anglais.
Since the early 1980s the American artist has been making photographs of miniature constructions of the built environment, with images ranging from suburban interiors to institutional structures. Casebere is interested in the point at which photography, architecture and sculpture intersect. He was one of the first "post modern" artists to become known for creating images for the camera, a methodology currently being explored by photographers like Gregory Crewdson and Thomas Demand. This exhibition, organized by the Southeastern Center for Contemporary Art (Winston-Salem North Carolina) highlights the cimematic significance of the emotionally charged work. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2003) 28 pp 9 col. ill. coul. 27x19 cm / 10.5x7.5 in 2551216796 $11.95 Can./U.S. ( 8 Euros)
Nadine Norman : Je suis disponible. Et vous? / I'm Available. Are You?
Sandra Grant Marchand & Cécile Bourne
Axé sur l'interaction avec le visiteur, le travail de Norman interroge les facteurs qui modèlent l'identité féminine et qui en sous-tendent la perception. Son nouveau projet intermédiatique et performatif explore les ambiguïtés et situe la polémique entourant la notion de «disponibilité» d'une femme, et pose enfin la problématique de la relation entre la communication et le désir. Le texte de Marchand est accompagné d'une entrevue et d'une bibliographie sélective. Une exposition parallèle de Norman, Call Girl, fut un énorme succès à Paris. En français et anglais.
Focusing on interaction with the visitor, Norman's new intermedia and performance-based project explores the ambiguities and polemics surrounding the notion of a woman's "availability" and develops the relationship between communication and desire. With an essay, an interview and a selective bibliography. Norman's parallel exhibition, Call Girl, caused a sensation in Paris. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 24 pp 12 ill. 10.5x7.5 po/in. 2551216583 $11.95 Can./U.S. ( 8 Euros)
Atom Egoyan : Hors d'usage / Out of Use
Louise Ismert & Michael Tarantino
Le cinéaste canadien le plus célèbre, Atom Egoyan mène aussi une carrière comme artiste visuel tout aussi prestigieuse mais moins connue. Cette publication met en lumière cette voie artistique parallèle.Inspiré par l'expérience de son film, Krapp's Last Tape, Egoyan lançait un appel à la communauté montréalaise. Il s'agissait de retrouver des magnétophones domestiques et d'évoquer le souvenir des utilisations de ces appareils dans les années 50 et 60. L'artiste a conçu une installation sonore et visuelle confrontant mémoire individuelle et collective. Accompagnée d'une entrevue, d'une analyse des installations principales d'Egoyan, d'une bibliographie, d'une filmographie ainsi que de la documentation complète sur les installations et les projets de l'artiste. En français et anglais.
Egoyan's filmmaking career is well-documented but his equally prestigious reputation as a visual artist, less so. This publication, with an interview and an essay on his latest audio-visual installation as well as up-to-date documentation on his international exhibitions, sheds light on this parallel artistic career. Having already explored recorded memory in his film Krapp's Last Tape, Egoyan expanded the idea with a call to the population of Montreal at large: anyone still in possession of a reel-to-reel tape recorder and original tapes from the 1950s and 1960s was invited to play their tapes and tell their stories for the camera. From these discarded machines and their vulnerable technology Egoyan created a fresco of memories, stories that had never been told that, when gathered together, transformed what is essentially a solitary experience into a collective public event. With a filmography, bibliography and a list of Egoyan's installations and projects. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 60 pp 28 ill. 11x8 po/in. 255121596x $29.95 Can./U.S ( 21 Euros)
Melvin Charney
Pierre Landry, David Harris & Gilles A. Tiberghien
Depuis les années 60, Melvin Charney élabore une œuvre aux confins de l'architecture, du dessin, de la photographie, de la sculpture et de l'installation qui est nourrie par des rapports sociaux et des courants artistiques et architecturaux. La publication est composée, en premier, de photographies réalisées depuis les années 50. Un second corpus regroupe des photographies assemblées dans lesquelles un site donné est simultanément déconstruit et réinventé. Le troisième groupe réunit des photographies peintes réalisées au cours de la dernière décennie. Le quatrième groupe propose des dessins et des sculptures ayant trait à différents projets conçus au cours des années 90. Non seulement les photographies de Melvin Crarney ont une valeur artistique et esthétique mais aussi historique ; elles deviennent témoins et acteurs du 20e siècle. Accompagné de trois textes ainsi que des commentaires de l'artiste. En français et anglais.
Since the 1960s Melvin Charney has created an immense body of work that, while profoundly architectural, has always transgressed into other disciplines. Consequently, like his drawings, sculptures and installations, his photographs are fueled by a strong commitment to the urban environment. This publication tracks four decades of a singular and multidisciplinary œuvre through Charney's photographs, demonstrating their visual power as well as their place in his overall artistic vision.With hundreds of images to guide us, this publication outlines Charney's trajectory from his earliest photographs of Montreal's old neighbourhoods in the 1950s, through to his use of photographic assemblages in architectural settings, his painted photographs of industrial sites and his gigantic outdoor constructions melding photography with aluminum and wood. With three essays and artist's commentary. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 182 pp ill. 9.5x6.5 po/in 255121453X $39.95 Can./U.S ( 28 Euros)
Lyne Lapointe : La tache aveugle
Gilles Godmer, Steve Baker & Christine Ross
Au début des années 80, Lyne Lapointe s'impose comme l'une des jeunes artistes les plus prometteuses de sa génération. Puis c'est l'importante rencontre avec Martha Fleming avec qui, entre 1982 et 1995, se développe l'un des projets artistiques les plus remarquables à ce jour. Depuis, Lapointe renoue avec la pratique individuelle qui avait marqué ses débuts.La publication regroupe les œuvres récentes où dominent le dessin, le collage et la peinture. Le travail de l'artiste oscille entre les arts et les sciences, réactualisant un humanisme tel qu'on l'entendait à la Renaissance c'est-à-dire dans le sens de l'éclatement des disciplines. En français et anglais. Steve Baker est professeur en culture visuelle contemporaine à l'Université du Central Lancashire au Royaume-Uni. Christine Ross est directrice du Département d'histoire de l'art de l'Université McGill.
The 1980s gave rise to a generation of artists who ignored the boundaries of discipline and place, creating works that were difficult to define and difficult to miss. Lyne Lapointe was one of the most remarkable. Her meeting with Martha Fleming produced a collaboration striking in both innovation and longevity and between 1982 and 1995 the duo created on-site urban installations around the world.With la Tache aveugle (Blind Spot) Lapointe resurfaces with a new body of work. In a burst of interdisciplinary activity, she hearkens back to Renaissance ideals with drawings, paintings and collage that reveal a universe oscillating between art and science. In English and French. Steve Baker is professor of contemporary visual culture at the University of Central-Lancashire (U.K.). Christine Ross is head of the Art History Department at McGill University.
Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 94 pp 36 ill.10x8.5 po/in 2551215064 $29.95 Can./U.S ( 21 Euros)
Alexandre David
Gilles Godmer
D'abord identifié à la peinture, ces dernières années nous ont fait connaître David également comme photographe. Mais on peut dire que sa pratique constante du dessin, de même que celle de la sculpture sont restées relativement inconnues à ce jour. L'exposition propose, pour la première fois, un corpus de sculptures monumentales récentes auquel s'ajoutent la présence du dessin et de la photographie. En français et anglais.
David's ongoing practice of drawing and sculpture has remained relatively unknown until now. This publication studies monumental sculptures, along with drawings and photographs, and illustrates the various directions followed by the artist's work. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 24 pp 9 col. ill. 10.5x7.5 po/in 2551216095 $11.95 Can./U.S ( 8 Euros)
François Lacasse: Peintures 1992-2002
Réal Lussier & Jean-Emile Verdier
Ce catalogue d'exposition propose un premier bilan du travail du peintre québécois. Celui-ci développe depuis plus d'une dizaine d'années déjà une œuvre picturale exceptionnelle avec rigueur et constance, et se distingue comme l'un des représentants les plus talentueux et significatifs de sa génération. Lacasse a participé dans les expositions majeurs telles que de Fouge et de passion. En français et anglais.
Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 75 pp 38 ill. 28x23 cm 2551214424 $29.95 Can./U.S ( 21 Euros)
Dialogue(s)
Réal Lussier & Marie-France Beaudoin
Les auteurs posent un regard sur les caractères particuliers d'une certaine peinture abstraite actuelle. Trois artistes, Lise Boisseau, Michel Daigneault et David Urban, ont été retenus pour les préoccupations qu'ils manifestent. En français et anglais.
An analysis of contemporary abstract painting as evidenced in the work of Lise Boisseau, Michel Daigneault and David Urban. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 48 pp 12 ill. 10.5x7.5 po/in 255121369x $19.95 Can./U.S ( 14 Euros)
Shirin Neshat (Out of print / épuisé)
Paulette Gagnon, Shoja Azari & Atom Egoyan
L'œuvre de Shirin Neshat traite de la dimension sociale, politique et psychologique de l'expérience des femmes dans les sociétés islamiques actuelles. Bien que Shirin Neshat résiste activement contre les représentations stéréotypées de l'Islam, ses objectifs artistiques ne sont pas explicitement polémiques. Son travail reconnaît davantage les forces intellectuelles et religieuses, complexes, formant l'identité des femmes musulmanes à travers le monde. Photographe et cinéaste, Shirin Neshat s'est notamment fait connaître grâce à ses magnifiques portraits de femmes recouvertes de calligraphies Farsi. Elle est également auteur de plusieurs vidéos - dont Turbulent, Rapture et Soliloquy. Voici la publication de la première exposition individuelle de Shirin Neshat en Amérique du Nord avec une présentation de six installations vidéo et de nombreuses photographies. Les trois textes offrent une analyse à la fois critique et intime de son œuvre. En français et anglais.
Shirin Neshat's work crosses boundaries of nationality, culture, and artistic medium. Born in Iran, she immigrated to the United States at age 17 to attend the University of California. After 12 years, she returned to Iran and found the country transformed by the Islamic Revolution. The resulting sense of displacement and exile infuses her work. Using photography and video, she has produced a body of work that investigates her native Islamic society, especially the position of women, as well as the cultural conflicts resulting from the collision of tradition and modernity in the East and West. Three very distinct essays provide critical analysis, an insider's knowledge and a personal appreciation of Neshat's art. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 128 pp 52 ill. 9x11 po/in. couverture rigide / hardcover 2551213606
$44.95 Can./U.S ( 31 Euros)
Mondalisation et postcolonialisme : Définitions de la culture visuelle V
Susan Douglas et al
Textes du colloque qui fait suite à Mémoire et archive où plusieurs conférenciers ont traité de questions relatives à l'Europe. Cette fois les feux de la rampe seront tournés vers la culture des Amériques. En français et anglais.
Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 119 pp 21x17.5 cm 2551214920 $12.50 Can./U.S ( 9 Euros)
Denis Marleau : Les Aveugles, fantasmagorie technologique (épuisé / out of print)
Louise Ismert
Le metteur en scène, invité par le Musée dans le cadre du programme de résidence de création, se penche sur une pièce de Maeterlinck. La publication comprend un entretien, un texte de présentation sur Maurice Maeterlinck, une courte bibliographie et une dizaine de photographies. En français et anglais.
Invited by the museum to participate in its residency program, theatrical director Denis Marleau reflects on a play by Maeterlinck.. The publication contains an interview, an original text on Maeterlinck, a brief bibliography and a dozen photographs. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2002) 24 pp 26x19 cm 2551214599 $11.95 Can./U.S ( 9 Euros)
Stéphane Gilot : Libre arbitre
Pierre Landry
Avec l'installation in situ, Libre arbitre, conçue pour cette exposition et dont le titre traduit la dualité au cœur même de la notion de jeu, Gilot propose un parcours à la fois ouvert et balisé où il est question de circulation, d'observation, de rencontres et d'échanges. En français et anglais.
With an in situ installation conceived especially for this exhibition and occupying the entire space, Gilot confronts the visitor with architectural and social preoccupations. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 24 pp 26x19 cm 2551204763 $11.95 Can./U.S ( 8 Euros)
Stéphane La Rue : Panoramas et autre vertiges
Réal Lussier
À l'occasion de cette première manifestation dans un musée pour l'artiste Stéphane La Rue, l'exposition présente une série de travaux inédits. L'exposition est composée de grands monochromes blancs sur le thème du panorama.
On the occasion of his first individual exhibition in a museum, La Rue presents several panoramic monochrome paintings.
Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 24 pp 26x19 cm 2551213126 $11.95 Can./U.S ( 8 Euros)
Sylvie Laliberté : œuvre de politesse
Gilles Godmer
Dans ses performances, ses vidéos, dans la gravure, le dessin, la photographie et la chanson, Sylvie Laliberté, nous entretient, depuis plus de 15 ans. œuvre de politesse est composée d'un mobilier domestique joyeusement dessiné par l'artiste. Tables, poufs et chaises sont disposés pour offrir au visiteur un lieu où s'arrêter, s'attarder, flâner et surtout s'asseoir, remettant donc le visiteur au centre de l'installation. En français et anglais.
For 15 years Sylvie Laliberté has been regaling her public in video, performance, drawing and song. Here, she puts the spectator front and centre amid a fantastical decor she herself designed, all with the intention of obliterating the distinctions between art and life. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 24 pp 26x19 cm 2551213649 $11.95 Can./U.S ( 8 Euros)
Charles Gagnon
Olivier Asselin, Gilles Godmer & Louis Goyette
Charles Gagnon, récipiendaire du Prix Paul-Émile Borduas en 1995, est certainement une des figures marquantes de l'art contemporain au pays. Bien qu'il se soit fait connaître principalement par son importante production picturale et photographique, il a aussi touché à la sculpture, au cinéma, au dessin, au collage et à la gravure, ce qui en fait un des premiers artistes multidisciplinaires de sa génération. La publication trace un parcours de l'artiste à travers les moments les plus significatifs de son travail. En français et anglais.
A multidisciplinary artist long before the term became current, Charles Gagnon is without question one of this century's most significant artists. While known primarily as a painter and photographer, he has produced important works of sculpture, drawing and film. This publication presents a detailed look at his most significant achievements. In English and French.
Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 224 pp 28x22 cm 2551204135 $69.95 ( 55 Euros)
Art et médecine : Nature/Culture
Marie -Christine Bernier et al
Musée d'art contemporain de Montréal (2001) 80 pp 21x17 cm 255121386x (Français/Anglais) $9.95 / 8 Euros
André Martin : Mes modèles
Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 24 pp 26x19 cm 2551199832 (Français/English) $11.95 / 9 Euros
Art et jardins : Nature/Culture
Marie -Christine Bernier et al
Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 202 pp 21x17 cm 2551203481 (Français) $15.95 / 12 Euros
Louise Viger : l'Orgre et le connaisseur
Gilles Godmer
Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 24 pp 26x19 cm 2551203708 (Français/English) $11.95 / 9 Euros
Marc Séguin : Les Rosaces
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 44 pp 19x26 cm 2551203945 (Français/English) $19.95 / 16 Euros
Mémoire et archive : Définitions de la culture visuelle IV
Christine Bernier et al
Musée d'art contemporain de Montréal (2000) 180 pp 21x17 cm 2551203716 (Français/English) $12.50 / 10 Euros
Culbutes : œuvres d'impertinence
Paulette Godard & Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (1999) 95 pp 26x19 cm 2551192471 (Français/English) $39.95 / 32 Euros
Eulàlia Valldosera
Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (1999) 24 pp 26x19 cm 2551190703 (Français/English) $11.95 / 9 Euros
François Girard : la Paresse
Louise Ismert
Musée d'art contemporain de Montréal (1999) 24 pp 26x19 cm 2551192307 (Français) $11.95 / 9 Euros
Jeff Wall : 1990-1998 (épuisé / out of print)
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1999) 101 pp 28x23 cm 255119069x (Français/English)
$44.00 ( 34 Euros)
Eleanor Bond
Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 43 pp 23x29 cm 2551189594 (Français/English) $25.95 / 20 Euros
Andy Goldsworthy : Arche
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 24 pp 26x19 cm 2551189047 (Français/English) $11.95 / 9 Euros
Claude Simard
Gilles Godmer
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 24 pp 26x19 cm 2551190169 (Français/English) $11.95 / 9 Euros
Ann Hamilton : Mattering
Paulette Godard
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 80 pp 21x18 cm 2551190177 (Français/English) $22.95 / 18 Euros
Gary Hill
Josée Bélisle et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 56 pp 23x29 cm 2551188083 (Français/English) $25.95 / 20 Euros
Louis-Philippe Demers & Bill Vorn : La Cour des miracles
Louise Ismert
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 24 pp 26x19 cm 2551189616 (Français/English) $11.95 / 9 Euros
Micah Lexier 37
Pierre Landry
Musée d'art contemporain de Montréal (1998) 52 pp 21x17 cm 2551189608 (Français/English) $14.95 / 12 Euros
De fougue et de passion
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1997) 56 pp 28x23 cm 2551178177 (Français) $24.95 / 20 Euros
Irène F. Whittome
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1997) 47 pp 26x19 cm 2551173027 (Français/English) $19.95 / 16 Euros
Le musée, un lieu éducatif
Michel Allard & Bernard Lefebvre
Musée d'art contemporain de Montréal (1997) 416 pp 23x15 cm 2551177006 (Français ) $19.95 / 16 Euros
Kim Adams
Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 24 pp 26x19 cm 2551166810 (Français/English) $11.95 / 9 Euros
L'oeil du collectionneur
Paulette Gagnon & Yolande Racine
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 63 pp 29x23 cm 2551171008 (Français/English) $25.95 / 20 Euros
Louis Comtois: La lumière et la couleur
Jean-Emile Verdier
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 86 pp 23x21 cm 2894151586 (Français ) $39.95 / 31 Euros
Mousseau
Pierre Landry
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 150 pp 24x29 cm couverture rigide 2551171016 (Français) $49.95 / 39 Euros
Utopies modernistes : Définitions de la culture visuelle II
Lucette Bouchard et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 133 pp 21x17 cm 2551171113 (Français/English) $12.50 / 10 Euros
Stan Douglas
Gilles Godmer
Musée d'art contemporain de Montréal (1996) 24 pp 26x19 cm 2551166829 (Français/English) $11.95 / 9 Euros
Instants photographiques : œuvres choisies de la Collection
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 45 pp 29x24 cm 2551135222 (Français ) $19.75 / 15 Euros
Guido Molinari : Une retrospective
Sandra Grant Marchand
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 78 pp 29x24 cm 2551134552 (Français / French with English supplement)
$29.95 / 23 Euros
L'abécédaire du Musée
Danielle Legentil
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 30 pp 22x22 cm 255113403X (Français ) $14.95 / 12 Euros
L'effet cinéma
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 58 pp 29x24 cm 2551135249 (Français ) $24.50 / 19 Euros
L'Image de la mort : aux limites de la fiction
Lucette Bouchard et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 93 pp 21x17 cm 2551166675 (Français/English) $12.50 / 10 Euros
Angela Grauerholz
Paulette Gagnon
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 55 pp 29x24 cm 2551133882 (Français/English) $24.95 / 20 Euros
Musées et collections : Impact des acquisitions massives
Lucette Bouchard et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 86 pp 21x17 cm 2551166691 (Français/English) $12.50 / 10 Euros
Dons 1989-1994
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 72 pp 29x24 cm 2551134544 (Français/English) $34.95 / 27 Euros
Revoir la New Art History : Définitions de la culture visuelle
Lucette Bouchard et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1995) 70 pp 21x17 cm 2551166683 (Français/English) $12.50 / 10 Euros
La Collection Lavalin du Musée d'art contemporain
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1994) 280 pp 29x24 cm couverture rigide 2761911997 (Français) $59.95 / 47 Euros
Henry Saxe : œuvres de 1960 à 1993
Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1994) 125 pp 29x24 cm 2551132924 (Français/English) $69.95 / 55 Euros
L'origine des choses
Pierre Landry
Musée d'art contemporain de Montréal (1994) 64 pp 28x22 cm 2551133432 (Français) $24.95 / 20 Euros
Bill Viola
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1993) 77 pp 29x24 cm 2551130174 (Français/English) $37.00 / 28 Euros
Geneviève Cadieux
Gilles Godmer
Musée d'art contemporain de Montréal (1993) 84 pp 29x24 cm 2551130409 (Français/English) $36.00 / 29 Euros
La Collection : Tableau inaugural
Josée Bélisle et al
Musée d'art contemporain de Montréal (1992) 591 pp 29x25 cm couverture rigide 2551128501 (Français) $85.00 / 66 Euros
Pour la suite du monde
Gilles Godmer & Réal Lussier
Musée d'art contemporain de Montréal (1992) 303 pp 29x24 cm 2551129125 (Français/English) $85.00 / 66 Euros
Ken Lum
Manon Blanchette
Musée d'art contemporain de Montréal (1988) 36 pp 26x21 cm 2551068509 (Français ) $15.00 / 12 Euros
Raymonde April : Voyage dans le monde des choses
Josée Bélisle
Musée d'art contemporain de Montréal (1986) 52 pp 18x15 cm couverture rigide 255106614X (Français) $9.95 / 8 Euros
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